VOLUME 61, NUMBER 2 SUMMER 2017

ALEXANDER SPEKTOR
In Search of the Human: Mikhail Bakhtin’s Wartime Notebooks

In his essay Alexander Spektor attempts to come to terms with some of the contradictions imbedded in Bakhtin’s aesthetic philosophy by exploring the ethics implicit in the notes. Spektor suggests that in “Rhetoric” Bakhtin pushes his author-hero construction to its logical extreme, to a place where authorship finds itself ethically compromised. Bakhtin marks this as the space of the novel, setting it against the silent non-narrative virtues of love. In his last section, Spektor offers a reading that views all three wartime fragments ("Rhetoric," "Man at the Mirror," and "On Questions of Self-consciousness and Self-evaluation") as one philosophical whole, in which the third (“On Questions”) attempts to resolve the impasse of the first (“Rhetoric”) by proposing the concept of “great experience.”

Александр Спектор
В поисках человека: записные тетради Михаила Бахтина сороковых годов.

Александр Спектор рассматривает противоречия скрытые эстетической философии Михаила Бахтина , исследуя этические параметры установленные в записных книжках сороковых годов. Спектор предполагает, что в первом из текстов, "Риторика", Бахтин доводит важнейшую в его архитектонике интерсубъектных отношений структуру автор-герой к своему логическому завершению, т.е. к точке, в которой позиция автора рассматривается, как этически скомпроментированная. В записных книжках, это становится маркером пространства романа и противопоставляется Бахтиным молчаливому жесту любви, находящемуся вне нарративных структур. В последней части эссе, Спектор предлагает прочтение, рассматривающее все три фрагмента ("Риторику", "Человек у зеркала" и "К вопросам"), как одно философское целое, в котором третий фрагмент ("К вопросам") пытается разрешить апории первого ("Риторики") с помощью понятия "большого опыта".

IRINA M. DENISCHENKO
Beyond Reification: Mikhail Bakhtin’s Critique of Violence in Cognition and Representation

This article reconstructs the cognitive theory of Mikhail Bakhtin on the basis of his 1940s notebooks and outlines its significance for the possibility of non-violent, non-reifying representation. According to this theory, an individual cognitive act can be directed toward two “limits”: “thing” and “personality.” Suspended between these limits, cognition can never fully instantiate either one; it can only approach and approximate “thing” and “personality.” The particular take on cognition that emerges in Bakhtin’s wartime writings does not merely recast the familiar distinction between human and non-human objects of knowledge in an alternative set of terms; it goes beyond essentialist categories to suggest that “personality” and “thing,” subject and object, human beings and nature are the limits of knowing. Reading three of Bakhtin’s fragmentary essays from the 1940s as a discontinuous “writerly text” (Barthes), the author of the article argues that for Bakhtin, cognition directed toward the limit “thing” is a process of violence, insofar as it reifies objects in fixed images and definitions. Although this violence implicates the word and image as cognition’s media of expression, she maintains that violence is not a constituent feature of these media. Depending on the cognizer’s aims and available forms of representation, the word can serve as a site of violence or of freedom. By way of concluding, the author considers how non-violent cognition unfolds against the history of representational forms. She suggests that Bakhtin’s 1940s notebooks integrate his earlier ethical-philosophical questions with historical concerns that emerge in his writing on the novel.

И. М. Денищенко
По ту сторону овеществления: к критике насилия в познании и изображении у Михаила Михайловича Бахтина

В статье рассматриваются три ключевых фрагмента бахтинских записных тетрадей 1940-х годов как единый, но прерванный, текст-письмо (texte scriptible , Р. Барт), который несёт на себе следы определённой теории познания. Согласно этой теории, каждый познавательный акт может быть направлен к двум пределам — к пределу «личности» и к пределу «вещи». Находясь в подвешенном состоянии между вещью и личностью, познание не может совпасть ни с одним, ни с другим пределом; оно может только максимально приблизиться к ним. Такая теория имплицитно отрицает возможность субстанционального различия между личностью и вещью по отношению к нашему познавательному-когнитивному аппарату. Автор данной статьи утверждает, что познание, направленное к пределу «вещи», есть процесс символического насилия, поскольку такое познание овеществляет свой объект в неподвижных образах и определениях. Несмотря на то, что овеществляющее познание прибегает к слову и образу как к средствам выражения и заражает их насилием, насилие не является неотъемлемой частью ни слова, ни образа. В зависимости от цели познающего и от имеющихся художественно-изобразительных форм, слово может стать локализацией либо «насилия», либо «свободы». В заключении ненасильственное познание рассматривается наряду с историческим развитием художественных форм, обнажая в бахтинских текстах военного времени переплетение этически-философских задач с вопросами исторического развития романа.

IRINA SANDOMIRSKAIA
Bakhtin in Bits and Pieces: Poetic Scholarship, Exilic Theory, and a Close Reading of the Écriture of Disaster

This essay is an attempt to interpret Mikhail Bakhtin’s working notes in a new way, by reading them as instances of fragmented writing produced in exile during the war. To capture the specific way Bakhtin’s thinking reveals itself in a difficult relationship with writing, I read these pieces through the prism of critical categories suggested by Maurice Blanchot in his book The Writing of the Disaster (1980). By means of comparative reading of these two quite disparate authors, I hope to demonstrate that the very fragmentariness of Bakhtin’s writing, a well as its unfinished and ”un-worked” character, opens it up for critical reflection. The fragments in question should be read as exilic theory rather than merely biographic data or preliminary materials that suffer, not surprisingly, from intellectual and writerly incompleteness. This essay also discusses ambiguities in Bakhtin the asyndetic writer (a stylistic trait especially difficult to solve in translation) as methodologically central for an understanding of his philosophy of history and language.

Ирина Сандомирская
Бахтин в осколках: Фрагменты и записи военного времени (в сопоставлении с "Катастрофическим письмом" Мориса Бланшо)

В этой статье делается попытка интерпретации черновых фрагментов и рабочих записок М. М. Бахтина, датированных 1943-46 гг. в сопоставительном чтении с концепцией письма Мориса Бланшо (L'écriture du désastre, The Writing of the Disaster ). Не имея между собой прямой интертекстуальной или биографической связи, не являясь также современными друг другу, заметки Бахтина и фрагменты Бланшо, тем не менее, посвящены осмыслению общего опыта европейской модерности ХХ столетия, века тотального истребления жизни и культуры. В статье делается попытка осмысления места и специфики бахтинских фрагментов с точки зрения их принадлежности “письму катастрофы”. Категории, которые конструирует Бланшо, позволяют предложить новую интерпретацию бахтинских отрывков. В то же время, тогда как Бланшо пишет катастрофу, опираясь на воображение, Бахтин из своей повседневности административно-ссыльного военного и послевоенного времени анализирует катастрофу изнутри ее реального опыта, частично предвосхищая, частично подтверждая, частично оспаривая философские выводы, к которым Бланшо придет в совсем ином контексте почти сорока годами позже.

CHLOE KITZINGER
Dinner at the English Club: Character on the Margins in Tolstoy’s War and Peace

This article explores Tolstoy’s approach to problems of historical narration and mimetic characterization through a close consideration of the innovative character-system of War and Peace (Voina i mir , 1865–69). It focuses, in particular, on Tolstoy’s solution to an unusual narrative puzzle: how to convey the vivid life of the crowds of anonymous figures who are entirely tangential to War and Peace ’s plot, but ever more central to its broader representational project. I argue that throughout War and Peace , Tolstoy was attempting to work out a logic of representation beyond the conventional, protagonist-centered character-system of the nineteenth-century realist novel (as recently described in Alex Woloch’s The One vs. the Many: Minor Characters and the Space of the Protagonist in the Novel [2003]). Tolstoy’s virtuosic techniques of characterization model the anti-heroic philosophy of history that he outlines in his notorious digressions: both can be understood as linked aspects of the novel’s ultimately vexed gesture toward universal mimetic representation. I suggest that closer attention to War and Peace ’s character-system thus stands to illuminate not only the novel’s experimental structure, but also the peculiar status of Russian realism in the history of Western literary representations of reality.

Хлоя Кицингер
Обед в Английском клубе: Литературный герой «на полях» в романе Л.Толстого «Война и мир»

В данной работе рассматривается подход Л. Толстого к проблемам исторического повествования и миметического изображения персонажей в романе «Война и мир» (1865–69) посредством внимательного анализа новой системы характеризации в нем. Цель работы – показать, как и почему Толстой переработал традиционную систему персонажей реалистического романа, который выдвигал главных героев за счет второстепенных (см. А. Волох, «Один против многих», 2003). Его стремления шли дальше выдвижения второстепенных персонажей, так как включали изображение безликих масс люден «на полях» истории. Его виртуозные приемы в изображении этого контингента лиц дают нам образец толстовского анти-героического понимания истории, которое он излагает в своих известных отступлениях в романе; они — эти приемы и отступления—связаны как два аспекта его попытки создать всеобъемлющее миметическое изображение всех участников массового события. Это попытка осталась не вполне завершенным экспериментом, как автор сам осознавал.

Таким образом, анализ касается не только структуры романа «Война и мир», но и также той особой роли, которую в своих поисках новых стратегий изображния сыграл русский реализм в истории развития западного литературногo процессa изображения действительности.

HANA PICHOVA
''The Magic Flute'' as an Ode to Defenestration: On the Twentieth Anniversary of Bohumil Hrabal's Death

This article deals with a recent defenestration in Prague--a chosen method of suicidal "flight" from windows prevalent in peculiar fashion in both literary and historical representations of Prague.

Bohumil Hrabal not only wrote extensively about defenestration in his fictional and documentary work, but also ended his life by falling out of a hospital window in February 1997. I explore how the ornate windows of Prague's buildings, rich with history, become complex symbols of the spirit of Prague and its historical and cultural destiny. Hrabal's final act transcends the personal to encompass the cultural, evoking historical tragedies of Prague and the former Czechoslovakia.

Hana Pichova
Praha jako místo defenestrace: k dvacátému výročí úmrtí Bohumila Hrabala

Článek pojednává o jedné nedávné pražské „defenestraci“, typu sebevraždy „letem“ z okna, jež je specifickým způsobem odchodu ze života hojně zachyceným v literárních i historických reprezentacích Prahy. Bohumil Hrabal o „defenstraci“ nejen obsáhle psal ve svém fikčním a dokumentárním díle, ale v únoru 1997 také ukončil svůj život skokem z nemocničního okna. V článku se zabývám tím, jak se ozdobná okna pražských budov, prosycených dějinami, stávají komplexními symboly ducha Prahy a jejího historického a kulturního osudu. Hrabalův poslední čin překračuje meze osobního a stává se součástí kulturního fenomenu evokujícího historické tragédie Prahy a bývalého Československa.

VOLUME 61, NUMBER 1 SPRING 2017

ANNA A. BERMAN
Lateral Plots: Brothers and the Nineteenth-Century Russian Novel

While brother-brother relationships feature prominently in many of the Great Russian novels of the nineteenth century, there are almost no significant brother pairs in English novels of the same period. The Russians were keen readers of the English, regarding them as a model for writing about family, so this paper explores what the Russian novel gained by its addition of significant brother-brother bonds. It will argue that they helped create a shift in family plots from the vertical, generational focus of the English to a new kind of lateral family plot.

Brothers were scarce in Russian literature from the first half of the nineteenth-century, much of which focused on a solitary, isolated Chatsky/Pechorin-like figure. This paper suggests that part of the cure to the “Russian disease” such characters suffered from was their embedment in family in the novels of the second-half of the century, and particularly their relationships with brothers. Close examination of Fathers and Children, The Golovlyovs, Anna Karenina, and The Brothers Karamazov shows how Russian authors moved away from English models and used brothers to create family plots focused on the present challenge of “brothering,” which in turn contributed to the novels’ spiritual depth.

Анна А. Берман
Поперечные сюжеты: Братья и русский роман XIX века

Ряд великих русских романов XIX века отводит важнейшее место братским отношениям. Любопытно, что в английских романах того времени этот сюжет почти не встречается, хотя последние пользовались популярностью у русского читателя, а русскому писателю служили литературной моделью. Настоящая работа выявляет, как данный сюжет обогатил русскую прозу, и показывает, каким образом происходит сдвиг фокуса с вертикальных отношений в семье, отношений между поколениями, о которых повествует английский роман, к новому типу сюжета, поперечному.

В первой половине XIX века русский роман рисовал преимущественно героя-одиночку. Мы предполагаем, что вторая половина XIX века предложила семью, в частности, отношения между братьями, как средство от «русской болезни», которой страдали чадские и печорины. Внимательное изучение таких романов, как «Отцы и дети», «Господа Головлевы», «Анна Каренина» и «Братья Карамазовы», позволяет увидеть, как русские писатели уходили от традиционной английской модели семейного романа и сосредотoчивались на проблематике «братства», которая, в свою очередь, наделяет их произведения духовной глубиной.

VICTORIA JUHARYAN
Tolstoi’s Own Master and Slave Dialectic: “Khoziain i rabotnik” as a Rewriting of a Hegelian Narrative

Tolstoy has famously claimed that Hegel was “a weak thinker” – “just an empty set of phrases.” Despite his repeatedly expressed disregard, Tolstoy treats Hegel in his works as he treats the Gospels – not as something that can be thrown away, but rather as a material that needs to be re-written and corrected. In War and Peace (1869), he stages arguments against Hegel’s philosophy of history; in A Confession (1882), Tolstoy repeatedly refers to Hegel’s notions of progress with disdain, without even naming the philosopher; in Resurrection (1899), Tolstoy has Selenin, one of the characters he strongly dislikes, reading Hegel to justify his corrupted worldview. Even though Tolstoy insisted that Hegel was largely forgotten by 1850s, he seems unable to break away from Hegel’s influential ideas until the very end of his life. This paper presents a close reading of Tolstoy’s re-writing of Hegel’s Master and Slave Dialectic in his 1895 story “Хозяин и работник [Master and Worker].” The correspondences between the trajectories of Hegel’s dialectic and Tolstoy’s story, as well as particular moments in the developments of the plot, are astonishing. Carefully considered, however, these correspondences in their nuanced orchestration reveal disagreements between Tolstoy and Hegel on every major philosophical theme: ontological, epistemological, and existential. On the one hand, in “Master and Worker,” Tolstoy dramatizes Hegel’s “Master and Slave” dialectic. On the other hand, he makes corrections along the way, reversing many of the trajectories that might be expected of Hegel. In contrast to the Hegelian narrative, which describes the educational process of the surviving slave, Tolstoy’s “Master and Worker” describes the educational process of the dying master, whose learning curve follows that of Hegel’s slave. The dialogue between the two works helps us better understand not only Tolstoy’s appropriation of the Hegelian philosophical narrative in a literary work, but also the different philosophical worldviews of the two thinkers that emerge and explain Tolstoy’s “loudly trumpeted dislike of Hegel.”

Виктория Джуарян
«Хозяин и работник» как переосмысление гегелевсого нарратива

Толстой утверждал, что Гегель «слабый мыслитель» и считал его труды «пустымнабором фраз». Но несмотря на часто выражаемое пренебрежение, в своих произведениях Толстой обходится с Гегелем так же, как с Евангелием — не как с чем-нибудь ненужным, но как с материалом, который необходимо переписать и исправить. В «Войне и мире» (1869) Толстой разыгрывает аргументы против философии истории Гегеля; в «Исповеди» (1882) он презрительно обращается с гегелевскими понятиями прогресса, хотя и не называет имени философа; в романе «Воскресение» (1899) Селенин, один их нелюбимых героев Толстого, читает Гегеля, чтобы обосновать своё искажённое мировоззрение. Хотя Толстой и утверждал, что Гегель был забыт к концу 1850-ых годов, сам он, на протяжении всей своей жизни, явно был не способен игнорировать гегелевские идеи. Данная статья анализирует то, как Толстой переосмыслил и переписал диалектику господина и раба Гегеля в рассказе «Хозяин и работник» (1895). Сходство траекторий диалектики господина и раба, а также совпадение многих конкретных деталей в развитии сюжетов, у Гегеля и у Толстого поразительно. Но при внимательном рассмотрении за этим сходством обнаруживаются разногласия между Толстым и Гегелем практически во всех философских сферах: онтологической, эпистемологической и экзистенциальной. С одной стороны, в «Хозяине и работнике» Толстой инсценирует гегелевскую диалектику господина и раба. С другой стороны, он вносит в эту диалектику исправления, которые существенно меняют многие траектории Гегеля. В отличии от гегелевской диалектики господина и раба, которая описывает процесс образования выжившего раба, в «Хозяине и работнике» описан процесс образования умирающего господина, траектория обучения которого соответствует траектории обучения гегелевского раба. Диалог между Гегелем и Толстым помогает понять не только формы и способы использования философского текста в художественном произведении Толстого, но и различия философских взглядах двух мыслителей, которые объясняют «громко разглашённую неприязнь Толстого к Гегелю».

JULIA BEKMAN CHADAGA
“Wicked to Erase”: Chekhov as a Source for Nabokov’s Artful Criminals

This essay argues that Chekhov’s novel, The Shooting Party (Drama na Okhote) (1884–1885), featuring a protagonist who views murder in aesthetic terms, is a heretofore overlooked source for Nabokov’s exploration of the relationship between art and crime in his novel Despair as well as in his later works. I propose that Chekhov’s formal experimentation in The Shooting Party spurred Nabokov’s inquiry into the links between art and iniquity; in Despair Nabokov directly addresses the interplay between artistic creation and criminality. I sketch the ethical concerns raised by the popular crime fiction that inspired Chekhov’s Shooting Party. I then address the sensationalistic plot, formal inventiveness, and metaliterary aspects of Chekhov’s novel. Finally, I note the thematic and stylistic parallels between Nabokov’s Despair and Chekhov’s novel; in so doing, I seek to shed new light on the juxtaposition of aesthetic and ethical categories that is one of the most distinctive features of Nabokov’s fiction. In both The Shooting Party and Despair, a murderer constructs a written narrative about the murder that he committed, seeking profit and glory by turning crime into art; the narrative then falls into the hands of a reader who alters the manuscript and thereby enacts a power struggle with the criminal to establish his own ethical and aesthetic superiority. The Shooting Party and Despair both depict an artist-murderer who demotes his human victim to the status of an artistic medium—text or image— that he is entitled to manipulate at will; Chekhov and Nabokov then strive to construct an inquisitive reader-detective whose empathy is diametrically opposed to the dehumanizing mindset of their protagonists.

Джулия Бекман Чадага
“Грешно стереть”: Антон Чехов как источник для преступников-эстетов Владимира Набокова

В данной статье утверждается, что роман А. П. Чехова “Драма на Охоте” (1884–1885), рисующий героя, который рассматривает убийство в эстетическом аспекте, является до сих пор не замеченным литературоведами источником для В. В. Набокова, исследующего отношение между искусством и преступностью в его романе “Отчаяние” и в последующих работах. В своей статье я доказываю, что роман Чехова вдохновил Набокова на исследование связи между искусством и беззаконием. В романе “Отчаяние” Набоков непосредственно обращается к взаимодействию художественного творчества и преступности. В начале статьи я затрагиваю этические аспекты влияния популярной уголовной литературы на создание чеховской “Драмы на Охоте”. Затем я рассматриваю сенсационный сюжет, экспериментирование с формой, и металитературные аспекты чеховского романа. Наконец, я обращаю внимание на тематические и стилистические параллели между романом Набокова “Отчаяние” и чеховским романом, для того, чтобы осветить с новой точки зрения сопоставление эстетических и этических категорий, что является одной из самых отличительных черт набоковского творчества. В “Драме на Охоте”, как и в “Отчаянии”, преступник создаёт письменное повествование об убийстве, которое он совершил, превращая преступление в искусство в поисках прибыли и славы; впоследствии повествование попадает в руки читателя, который вносит изменения в рукопись и таким образом ведёт борьбу с преступником за этическое и эстететическое превосходство. Оба романа, как “Драма на Охоте”, так и “Отчаяние”, изображают художника-убийцу, который снижает свою жертву до уровня эстетического средства—текста или образа—которым он может манипулировать. Оба, и Чехов и Набоков стремятся создать пытливого читателя-сыщика, чьё сочувствие диаметрально противоположно антигуманному мышлению главных героев их романов.

ADRIAN WANNER
Poems and Problems: Vladimir Nabokov’s Dilemma of Poetic Self-Translation

This article analyses the self-translated poetry in Vladimir Nabokov’s bilingual volume Poems and Problems (1970). Even though he continued to claim allegiance to the literalist doctrine championed in his translation of Pushkin’s Eugene Onegin, Nabokov deviated considerably from this theory when his own poetry was at stake. Many of his self-translated poems retain vestiges of meter and rhyme. “Killing” the original text and replacing it with a hypertrophied commentary, as he did with Eugene Onegin, was not a viable solution for Nabokov when it came to the translation of his own work. Instead, he strove to preserve as much of the form as possible as long as he did only minimal violence to the semantics of the original. The urge for revision of his earlier poetry came into conflict with his self-imposed ethos of translational fidelity, according to which any improvement or paraphrase would amount to falsification. This dilemma forced Nabokov to come up with his own idiosyncratic translational solutions. A comparative analysis of the Russian and English text of select poems demonstrates how Nabokov attempted to exploit seeming deficiencies in his English prosody as a creative way to express specific concepts present in the Russian original.

Адриан Ваннер
Стихи и задачи: дилемма поэтики автоперевода Владимира Набокова

Статья анализирует автопереводы стихотворений Владимира Набокова, опубликованные в двуязычной книге «Стихи и задачи» (Poems and Problems, 1970). Хотя Набоков не уставал настаивать на своей приверженности буквализму, которого он строго придерживался в своем переводе «Евгения Онегина», он в значительной степени отошел от этого принципа, когда речь зашла о его собственных стихах. Многие из его автопереводов сохраняют остатки размера и рифм. Если он был готов пожертвовать оригиналом и заменить его раздутым комментарием, как oн сделал в случае с «Евгением Онегиным», то сделать то же самое со своими стихами он оказался не способен. Вместо этого он постарался сохранить как можно больше от формы при условии минимального насилия над смыслом оригинала. При этом желание переработать свои ранние стихи вступало в конфликт с навязанным самому себе этосом точности перевода, в соответствии с которым любое улучшение или перефразирование означает искажение исходного текста. Эта дилемма заставила Набокова заняться поиском своих идиосинкратических решений проблем поэтического перевода. Сравнительный анализ русского и английского текстов отдельных стихотворений показывает, как Набоков творчески эксплуатирует кажущуюся ущербность английской просодии для передачи специфических смыслов, содержащихся в русском оригинале.

ALEKSANDRA KREMER
Testament and Testimony: Listening to “Ode III” by Aleksander Wat

Aleksander Wat is well known for his autobiographical memoir My Century, whose original medium was a set of tapes, recorded during Wat’s conversations with Czesław Miłosz in 1965. Less well known is Wat’s recording of poetry, prepared at home on May 30 1967, two months before the poet’s death. In this article, the whole recording for Radio Free Europe, aimed at a presentation of the volume Dark Light, which was forthcoming in 1968, is analyzed for the first time, with special attention paid to the poem “Oda III” (“Ode III”). It is argued that the poem in its oral form, which was not published at the time of recording and which was abbreviated in performance, is an independent work and an important supplement to Wat’s written texts. Its biographical, testimonial, and testamentary character is examined in light of the somatic qualities of Wat’s reading. More importantly, the ambiguous generic status of the text is discussed, in light of such classical, Jewish, and Christian textual forms as ode, Kaddish, litany, and Confiteor. The quasi-religious status of Wat’s poem is compared with Wat’s theological convictions and the recording by itself, whose specific features are studied with the use of acoustic phonetics and the program Praat. Especially the piercing pronunciation of the word “skin,” repeated throughout the poem, the long pauses and the fading voice are analyzed in detail, as well as the whole communication model assumed in the text and its recording. This example of recitation seems to fall under none of the Western categories of performance poetry, poetry reading, sound poetry, or spoken word.

Aleksandra Kremer
Świadectwo i testament: Nagranie „Ody III” Aleksandra Wata

Aleksander Wat znany jest przede wszystkim jako twórca Mojego wieku, autobiograficznego pamiętnika mówionego, pierwotnie nagranego na taśmy szpulowe podczas rozmów z Czesławem Miłoszem w 1965 roku. Mniej znane jest nagranie poezji Wata wykonane przez samego autora w domu, 30 maja 1967 roku, na dwa miesiące przed śmiercią. W niniejszym artykule po raz pierwszy zanalizowano to nagranie, zrobione dla Radia Wolna Europa i mające na celu promocję tomu Ciemne świecidło, przygotowywanego wtedy do druku, a wydanego w 1968 roku. Artykuł w szczególności skupia się na wierszu „Oda III” i dowodzi, że utwór w autorskiej wersji głosowej, przed nagraniem niedrukowany, a podczas wykonania – skrócony, stanowi oddzielną pracę i ważne uzupełnienie Watowskich tekstów pisanych. Zawarte w utworze elementy autobiografii, testamentu i świadectwa zostają przedstawione na tle somatycznych własności Watowskiego wykonania. Rozważany jest także gatunkowy status wiersza w świetle znanych z tradycji form tekstowych starożytnych, żydowskich i chrześcijańskich, takich jak oda, kadysz, litania i Confiteor. Quasi-religijny status utworu zostaje zestawiony z przekonaniami teologicznymi poety oraz samym wykonaniem, którego cechy zbadano z pomocą fonetyki akustycznej i programu Praat. Szczegółowo zanalizowane zostały zwłaszcza: wyrazista wymowa słowa „skórą”, powtarzanego w wierszu, długie pauzy, cichnący głos poety oraz model komunikacji zakładany w utworze. Ten przykład recytacji zdaje się wymykać zachodnim kategoriom czytań poetyckich, poezji dźwiękowej, żywego słowa czy poezji performatywnej.

VOLUME 60, NUMBER 4 WINTER 2016

GARY ROSENSHIELD
Dostoevsky and the Book of Job: Theodicy and Theophany in The Brothers Karamazov

Dostoevsky had a life-long love for the Book of Job. In his memoirs Dostoevsky's brother, Andrei, recalls that the brothers' first reader was an adaptation of Old and New Testament Bible stories, which included the story of Job. Father Zosima recalls being spiritually overwhelmed, hearing, at eight years old, the Book of Job being read in church on Great Monday (Strastnyi ponedel'nik). Much later, in June of 1875, Dostoevsky wrote his wife that he was enthusiastically reading, probably rereading, the Book of Job (29.2:43). Eventually Dostoevsky would incorporate Father Zosima's interpretation of the Book of Job -- that is, essentially his own -- in his indirect response to the logically "irrefutable" arguments of Ivan Karamazov developed in "Rebellion" and "The Grand Inquisitor." Since Father Zosima's treatment of Job is both traditional and highly idiosyncratic, it is worth exploring in greater depth, because he employs the Book of Job not only to respond to the accusations of Ivan Karamazov regarding divine injustice but also to advance his own philosophy of love of the earth and universal responsibility. Zosima's Job, in the end is like no other, as God himself says of Job in the Book of Job, but it is the Job Dostoevsky needed to defend God's world against its nineteenth-century detractors. Our present-day socialists, Dostoevsky writes "vehemently deny God's creation, God's world, and its significance” (sozdanie bozhie, mir bozhii i smysl ego).

Гари Розеншильд
Достоевский и Иов: Теодицея и теофания

Достоевский всю жизнь любил книгу Иова. Из воспоминаний А. М. Достоевского, младшего брата писателя, хорошо известно, что его первой книгой для чтения было переложение Иоганна Гибнера “Сто четыре истории Ветхого и Нового Завета,” которое включает в себя пересказ истории Иова. Старец Зосима вспоминает, как глубоко его поразилo чтение Иова, еще восьми лет отроду, когда он слышал в храме в Страстной понедельник историю Иова. Много лет спустя, в июне 1875 года, Достоевский пишет жене: “читаю книгу Иова, и она приводит меня в болезненный восторг.” В «Братьях Карамазовых», Достоевский включает интерпретацию книги Иова Старцем Зосимой – собственно говоря, свою интерпретацию – в свой косвенный ответ на логически неопровержимые аргументы Ивана Карамазова, разработанные в главах “Бунт” и “Великий Инквизитор.” Так как толкование книги Иова Старцем Зосимой является и традиционным, и глубоко своеобразным, стоит, на наш вгляд, подробнее проанализиоровать его, особенно потому, что Старец Засима использует книгу Иова, чтобы не только ответить на обвинения Ивана Карамазова в отношении божественной несправедливости, но и предложить свою собственную философию: любовь земли и всеобщая ответственность за грехи других. Интерпретация книги Иова Старцем Зосимой значительно отличается от любой другой, но именно в этой интерпретации нуждался Достоевский для того, чтобы защитить Божий мир от недоброжелателей. “Теперешние деловые социалисты,” пишет Достоевский, изо всех сил отрицают “создание Божие, мир Божий и смысл его.”

LAWRENCE FEINBERG
The Sinful In-Between: Zinaida Gippius’s “Chto est’ grekh?”

This paper presents a multilevel analysis of Zinaida Gippius’s poem “Chto est’ grekh?” focused on the poetic text, with its indeterminate prosody and complex architectonics, but set against the background of the poet’s early writings and life creation. At first glance the poem may seem an example of (what is rare for Gippius) purely abstract verse, devoid of imagery. From a structural standpoint, however, it presents an image (icon) of its overt, paraphrasable content. The definition of sin as “in-betweenness”—emotional and moral indifference—is figuratively embodied both in the indeterminate prosody (hesitating between an iambic and dactylic, as well as between a four- and five-foot interpretation) and in the neutralization of contrary notions on either side of the caesura, which acts as a kind of equals sign. This in turn brings to mind the dialectic that dominates Gippius’s work and life creation around the turn of the 20th century: the oscillation between God and Satan, humility and pride, spirit and flesh, masculinity and femininity. As in the poem, the outcome of this struggle is not a harmonious synthesis of contraries (such as Merezhkovsky’s “spiritualized flesh”) but impasse. A key subtext of the poem is Dostoevsky’s Demons , particularly in the person of the nihilist Stavrogin, with whom the poet’s riven persona has much in common. As a matter of life creation, Gippius could not reconcile her sensual nature with her quest for a love not of this world. The reconciliation of spirit and flesh proved attainable only in poetry proper, insofar as an idea found embodiment in a poem’s verbal web.

Лоренс Файнберг
Греховная середина: стихотворение Зинаиды Гиппиус «Что есть грех?»

В настоящем докладе дается многоплановый анализ стиховторения Зинаиды Гиппиус «Что есть грех?». В центре внимания находится текст стихотворения с его неопределенной просодией и сложной архитектоникой; в то же время анализ ведется на широком фоне раннего (жизне)творчества поэтессы. На первый взгляд, стихотворение может показаться примером того, что редко встречается у Гиппиус: чисто абстрактной поэзии, лишенной образов. Между тем, в структурном плане оно представляет собой образ (икону) своего явного, поддающегося перефразу содержания. Определение греха как «серединности»—душевного и морального равнодушия—отображается как в амбивалентной метрике (колеблющейся, с одной стороны, между ямбической и дактилической, а с другой стороны, между пятистопной и четырехстопной интерпретацией), так и в нейтрализации противоположных понятий по обе стороны цезуры, которая служит своего рода знаком равентсва. Это в свою очередь напоминает ту диалектику Бога и Сатаны, смирения и гордыни, духа и плоти, мужского и женского начал, которая является главным пафосом (жизне)творчества Гиппиус на рубеже 19-ого и 20-ого веков. Как в стансах, исход этой диалектики— не гармоничный синтез противоборствующих начал (вроде «одухотворенной плоти» Мережковского), а мертвая точка. Ключевым подтекстом этого стихотворения являются «Бесы» Достоевского, особенно в лице нигилиста Ставрогина, с которым раздвоенная персона поэтессы имеет немало общего. В плане жизнетворчества Гиппиус не смогла примирить природную чувственность с исканием любви не от мира сего. Примирение плоти с духом оказалось возможным лишь в рамках собственно поэзии, по мере воплощения идеи в словесной ткани стихотворения.

STUART H. GOLDBERG
Your Mistress or Mine? Briusov, Blok and the Boundaries of Poetic “Propriety”

In this article, the author takes Valery Briusov's “La belle dame sans merci” (1907) as a test case to begin to examine how Russian Symbolist poets delineated poetic propriety —the boundaries between the “shared” and “owned,” the collective and individual—in Russian Symbolism. “La belle dame sans merci” presents a particularly complex and dynamic negotiation of these boundaries, with Alexander Blok functioning as the poet’s foil and rival. Detailed analysis of the poem’s diction and imagery in the context of Briusov’s and Blok’s oeuvres and the poets’ recent intersections allows us ultimately to register the subtle argument which is conducted in the poem, the discomfort that Briusov experiences in connection with the increasing attachment of common Symbolist topoi to the poetry of his younger contemporary, and Briusov’s strategies for challenging this tendency.

Стюарт Голдберг
Ваша или моя Госпожа? Брюсов, Блок и пределы поэтической «собственности»

В данной статье, автор рассматривает стихотворение Валерия Брюсова “La belle dame sans merci” (1907) как пример, позволяющий проследить, каким образом русские символисты очерчивали пределы поэтической “собственности” – границы между “общим” и “личным”, коллективным и индивидуальным – в своих произведениях. “La belle dame sans merci” представляет собой необычайно сложное и динамичное согласование этих границ, причем Александр Блок выступает в роли соперника, оттеняющего лирическое “я” Брюсова. Подробный анализ словосочетаний и образности стихотворения в свете творчества Брюсова и Блока и их литературных и жизненных пересечений позволяет обнаружить тонкую аргументацию, которая проводится в стихотворении, беспокойство Брюсова, вызванное нарастающей “привязанностью” общих символистских топосов к поэзии его младшего современника, а также его стратегии сопротивления этой тенденции.

MAYA VINOKOUR
Daniil Kharms and the Liquid Language of Stalinism

This paper examines the theme of liquidity in the writings of Daniil Kharms, reading his preoccupation with certain fluids — particularly wood glue, water, ink, and feminine secretions — against the background of contemporary sexuality and labor discourse. In the 1920s, Soviet thinkers had already fixated on the notion of liquidity, construing bodily fluids and energies as volatile forces that must be regulated to maximize socialist labor productivity. Such diverse figures as Aaron Zalkind and Alexei Gastev posited a zero-sum balance between the bodily energies available for labor and sex, presenting abstinence and sublimation as necessary components of the proper Soviet habitus. By the 1930s, public discourse had shifted to a biological rather than mechanical conception of socialist energetics, placing bodily fluids at the center of the imagined internal economies of Stalinist supermen. By imagining a socialist utopia lying not in the immediate, but in the indefinite future, while simultaneously insisting that the properly “revolutionary” modus operandi entailed incessant movement forward, Stalinist culture induced Soviet citizens to consent to perpetually sacrificing their mental and physical energies to socialist construction. Though Kharms’ artistic values diverged sharply from those promulgated by the stewards of official Soviet aesthetics, the philosophy he developed around his creative production is strikingly similar to the ideology undergirding Soviet labor praxis. The evolution of Kharms’ poetics from the late 1920s on parallels the emergence of a set of social practices that cast individuals as assemblages of flowing energies that needed to be disciplined to maximize their potential for labor productivity.

Майя Винокур
Даниил Хармс и «текучий» сталинистский язык

Предложенная статья посвящена проблематике текучести в произведениях Даниила Хармса и рассматривает его повышенный интерес к определенным жидкостям – в особенности, к столярному клею, воде, чернилам, а также выделениям женских половых желез – в контексте современных дискурсов сексуальности и труда. Уже в двадцатые годы советские мыслители навязчиво фиксировались на концепции текучести, толкуя физиологические жидкости человеческого тела и связанную с ними – по их мнению – «жизненную энергию» как изменчивые силы, которыми можно управлять, чтобы достигнуть максимальной производительности социалистического труда. Такие, казалось бы, во всем различные фигуры как Аарон Залкинд и Алексей Гастев, оба постулировали постоянство суммарной энергии человеческого тела, которая может быть потрачена либо на секс, либо на полезную работу, проповедуя воздержание и сублимацию как необходимые компоненты надлежащей советской физиологической конституции. В тридцатые годы публичный дискурс сдвинулся в сторону скорее биологической, чем механистической концепции социалистической энергетики человеческого тела, помещая физиологические жидкости человеческого тела в самый эпицентр воображаемой «внутренней экономики» сталинского сверхчеловека. Предполагая, что социалистическая утопия настанет не немедленно, а в более отдаленном будущем, хотя и настаивая одновременно, что надлежащий революционный modus operandi непременно влечет за собой непрекращающееся движение вперед, сталинистская культура заставляла советских граждан соглашаться непрерывно приносить в жертву строительству социализма свою умственную и жизненную энергию. И хотя художественные ценности хармсовской поэтики, казалось бы, радикально расходились с ценностями, пропагандируемыми адептами официальной советской эстетики, развитая им художественная философия поразительно схожа с идеологией, положенной в основу советской практики труда. Эволюция поэтики Хармса, начиная с поздних двадцатых, происходит в удивительной параллели с появляющимися в это же время социальными практиками, рассматривающими человеческие индивидуальности как механические детали энергетического потока, которые следует дисциплинировать, чтобы выжать из них максимально возможную производительность труда.

JASON STRUDLER
Between Poetry and Prose: Malevich’s Literary Forms

In 1993, Dmitry Sarabianov and Aleksandra Shatskikh published a volume entitled Kazimir Malevich: Painting. Theory , whose most lasting contribution to scholarship was perhaps a small section called “Poetic Works.” Edited by Shatskikh, the section included three long poems that offered the most substantial representation of Malevich as a poet to date. Shatskikh’s choice of texts expanded readers’ awareness of Malevich’s literary ambitions and resulted in a methodological dispute with continued relevance for Malevich scholarship. In response, the scholar Nikolai Khardzhiev questioned not only whether these works represented Malevich as a poet, but whether they should be considered poetry at all. The present article not will concern itself with whether Shatskikh or Khardzhiev is correct, but rather with what their dispute tells us about Malevich’s approach to writing, using its generic ambiguities to explore the relationship between poetry and prose in his works. In looking at Malevich’s literary texts, I will examine his engagement with poetic genre and the extent to which it expands on or departs from his activities as an artist. I will use the arguments made by Shatskikh and Khardzhiev both to shed light on an important issue in Malevich scholarship and to examine Malevich’s contributions to Russian modernism specifically as a writer of poetry.

Джейсон Страдлер
Между поэзией и прозой: литературные конструкции К.С. Малевича

В 1993 г. Д.В. Сарабьянов и А.С. Шатских опубликовали книгу под названием «Казимир Малевич. Живопись. Теория», существенно повлиявшую на современных исследователей в этой области. Особую актуальность по сей день сохраняет глава «Стихотворные произведения». Редактор (А.С. Шатских) отобрала для нее три поэмы, которые стали к тому времени самой крупной и интересной публикацией поэтических работ Малевича. Выбор редактора сыграл двойную роль: во-первых, раскрыл перед читателем менее известные стороны литературного творчества Малевича, а, во-вторых, спровоцировал длящийся по сей день методологический спор среди малевичеведов. Так, по мнению исследователя Н.И. Харджиева, вопрос возникает не только о том, насколько точно эти произведения отражают поэтические интересы Малевича, но и о том, можем ли мы считать их поэзией?

Данная статья не стремится занять сторону А.С. Шатских или Н.И. Харджиева. Напротив, спор между исследователями подчеркивает жанровые сложности литературных произведений Малевича и поощряет дальнейший анализ взаимоотношений поэзии и прозы в них. Обращение к литературным текстам Малевича дает возможность глубже изучить, сколь сильно эта игра с поэтическим жанром отражает его стиль в изобразительном искусстве, или насколько далеко она уходит от него. В статье проведен синтез аргументов А.С. Шатских и Н.И. Харджиева, которые в совокупности позволяют по-новому взглянуть на важную тему в исследовании работ Малевича и на тот особый вклад, который он внес в развитие русского модернизма, выступая в роли автора поэтических произведения.

TIJANA VUJOSEVIC AND IVA GLISIC
I Am Barbarogenius: Yugoslav Zenitism of the 1920s and the Limits of Performativity

This article explores Zenitism – one of Yugoslavia’s first avant-garde art movements – and its efforts to subvert stereotypes about the barbarism of the Balkans and the Slavic Orient by using the avant-garde language of irreverence and iconoclasm. Founded in the early 1920s, the movement represented a unique attempt to expose and dismantle Western Europe’s Balkanist discourse, which habitually painted the region and its inhabitants as violent and unenlightened. This mission occurred on the pages of the movement’s experimental journal Zenit , and through the imagined figure of the Barbarogenius. Inspired by the emancipatory potential of the October Revolution, the figure of the Barbarogenius was conceptualized as a primitive, young, ingenious and creative force of the East, who would liberate the Balkans from its position as Europe’s subordinate, and establish a new, modern and positive Balkan culture and identity. While scholarship on Zenitism commonly focuses on the movement’s anti-European politics, this article argues that Zenitism was fundamentally an attack on the tendency within Yugoslavia to internalize and perpetuate the narrative of Western European supremacy. The limits of the Zenitist strategy are also explored, to emphasize the challenge that the movement faced in performing a new Balkan identity.

Iva Glisić i Tijana Vujošević
Ja sam barbarogenije: Jugoslovenska avangarda i krajnji domet performativnosti

Autori se bave zenitizmom – jednim od najranijih jugoslovenskih avangardnih pokreta – i njegovim pokušajem da upotrebi buntovnički i ikonoklastični jezik avangarde da preokrene stereotipe o varvarskom Balkanu i slovenskom Istoku. Ovaj pokret, osnovan ranih dvadesetih godina prošloga veka, predstavlja jedinstveni pokušaj da se prikaže i dekonstruiše zapadnoevropski diskurs o Balkanu, koji prikazuje ovaj region i njegove stanovnike kao neprosvećene divljake. Zenitisti su koristili za svoj poduhvat stranice eksperimentalnog časopisa Zenit i zamišljeni lik Barbarogenija. Lik Barbarogenija, inspirisan emancipacijskim potencijalom Oktobarske revolucije, bio je koncipiran kao otelotvorenje primitivne, sveže, inovativne i kreativne sile sa Istoka koja bi oslobodila Balkan podređenog položaja u odnosu na Evropu i stvorila novi, moderni, pozitivni balkanski identitet i kulturu. Fokus dosadašnje literature o zenitizmu je anti-evropska politika ovog pokreta; međutim, autori ovog članka tvrde da je zenitizam pre svega bio napad na jugoslovensku tendenciju da se prisvoji, a samim tim i održava, ideja o superiornosti Zapadne Evrope. Autori se takođe bave krajnjim dometom zenitističke strategije i izazovima sa kojima se pokret suočavao pri pokušaju da stvori i artikuliše novi balkanski identitet.

VOLUME 60, NUMBER 3 FALL 2016

OLGA MATICH
Time and Memory in The Idiot and Dostoevsky’s Novels, or Nastasya Filippovna in Absentia

The essay examines critical perspectives on memory and its relation to time by considering the ‘long time before’ of The Idiot and the ‘long time after’ of The Brothers Karamazov and Crime and Punishment. It argues that memory is particularly important in The Idiot, not only for its main, but also some of the minor characters, with the difference that the memories of the latter are falsified and located in the historical past, which they parody. By contrast The Brothers Karamazov and Crime and Punishment inscribe memory into an unknown open-ended future that exceeds the temporal bounds of the novel. Other temporalities considered in The Idiot are expanded, spatialized, threshold, accelerated, and stilled time, as they relate to scandal and the Apocalypse (its optimistic and pessimistic varieties). The article also explores the reasons for Nastasya Filippovna “in absentia” and why she is associated with performativity rather than interiority. Despite her role as heroine and “irritant” to plot, she is absent from the novel considerably more often than not, but when present her primary function is to accelerate or bring time to a standstill. One of the results of Nastasya Filippovna’s absences is the rivalrous narrative relationship between the primary and secondary plots premised on competing storytellers.

Ольга Матич
Время и память у Достоевского, или Настасья Филипповна «отсутстувующая»

В статье рассматривается соотношение памяти и времени в категориях «задолго до» в «Идиоте» и «долго спустя» в «Братьях Карамазовых» и «Преступлении и наказании». Утверждается первостепенное значение воспоминаний в «Идиоте» не только для главных, но и некоторых второстепенных персонажей, с той разницей, что воспоминания последних являются вымышленными—они проецируют этих персонажей на историческое прошлое и тем самым пародируют лейтмотив памяти в романе. В отличие от «Идиота», в «Братьях Карамазовых» и «Преступлении и наказании» воспоминания проецируются на неведомое будущее, выходящее за временные рамки романов. Также рассматриваются другие виды темпоральности в «Идиоте»: хронотоп порога, развернутые, пространственные, ускоренные, замедленные формы времени и их соотношение сo сценами скандала и с темой апокалипсиса (оптимистические и пессимистические варианты). Статья также задается вопросом почему Настасья Филипповна является «отсутсвующей» героиней и почему она ассоциируется с перформативностью, а не с внутренней жизнью. Несмотря на свою роль «раздражителя» сюжета, она отсутствует в романе гораздо больше времени, чем присутствует, а во втором случае главная функция Настасьи Филипповны—ускорять или останавливать время. Один из результатов ее отсутствия—соперничество основного и второстепенных сюжетов отчасти как следствие соперничества рассказчиков.

ALYSON TAPP
Embarrassment in The Idiot

With its marriage plots and drawing room conversation, The Idiot, of all Dostoevsky’s novels, is the closest to a novel of manners. But the would-be society novel clashes with a theological imperative: the re-establishment of a Christological vision, which Dostoevsky introduces into the novel embodied in the Christ-like Prince Myshkin. The presence of Christ in the drawing room of the marriage plot appears as a kind of embarrassment of genre. Taking this scenario as its departure point, the article approaches the relationship between embarrassment and narrative in The Idiotfrom two perspectives, one grounded in the vision of disintegration, the other in the vision of cohesion. Firstly, it shows how the embarrassment of this generic quandary is allied to formal difficulties in the novel’s handling of temporality and the configuration of its character system. Secondly, in discussing the possibility of unity for which the novel yearns, embarrassment is shown to participate in the ethical constitution of the reader. This study locates emotion (embarrassment) in the novel’s genre, narrative structure, and text, and locates the reader's emotion, too. Informed by sociologist Erving Goffman’s seminal analysis of embarrassment, this article also speaks to those engaged in the study of affect and the history of emotions.

Элисон Тапп
Смущение в романе Достоевского «Идиот»

Из всех романов Достоевского ближайшим к роману нравов, благодаря своему брачному сюжету и салонным разговорам, является роман «Идиот». Этот мнимо-бытовой роман, однако, сталкивается с теологическим императивом: восстановлением христологического образа, представленного в романе Достоевским в виде христоподобного Князя Мышкина. Присутствие Христа в гостиной в рамках брачного сюжета, является типом «смущения жанра». Исходя из этого сценария, данная статья рассматривает отношения между нарративом и «смущением» с двух точек зрения: дезинтеграции и соединения. Вначале, статья показывает, как смущение, вызванное этим жанровым нарушением, связано с представлениями о времени в романе и конфигурацией его персонажей. Затем, анализируя авторское стремление к единству романа, мы обнаруживаем роль смущения в этическом восприятии читателя. В статье обсуждается роль эмоции (т.е. смущения) в романе с точки зрения его жанра, нарративной структуры, текста в целом и эмоций читателя. Опираясь на фундаментальный анализ, проделанный социологом Эрвингом Гофманом, данная статья адресуется также тем, кто интересуется изучением аффектов и историей эмоций.

MOLLY BRUNSON
Dostoevsky’s Realist Paragone : Word, Image, and Fantastic Ekphrasis in The Idiot

In Dostoevsky studies and scholarship on literary realism, The Idiot has long been recognized as a novel that is in large part about the visual arts. Moving beyond specific visual references that have been much discussed (most notably Holbein’s The Body of the Dead Christ in the Tomb ), Molly Brunson conceptualizes the aesthetic preoccupations of Dostoevsky’s most visual novel within the contexts of nineteenth-century visual culture, interart theory, and twentieth-century word and image studies. By integrating these critical perspectives with new interpretations of well-known moments from the novel, Brunson argues that the novel seeks to overcome what it perceives as a visual threat to narrative through the rhetorical device of ekphrasis. In its persistent engagement with its artistic “other” and the limits of both word and image, The Idiot also enacts a paragone —or interart comparison—in defense of the novel’s particular claims to realist truth. Drawing on the traditions of classical mimesis, nineteenth-century European realisms, and the impact of photographic technology, Brunson articulates an expanded and interdisciplinary comparative context, beyond the specifically Russian or Orthodox, for understanding Dostoevsky’s approach to the visual arts, and to realism more generally.

Молли Брансон
Реалистический парагон Достоевского: слово, образ и фантастический экфрасис в романе «Идиот»

В исследованиях по творчеству Достоевского и реализму в литературе, «Идиот» уже давно признается романом, в котором значительное место отведено изобразительному искусству. Выходя за рамки конкретных визуальных ссылок, которые широко обсуждались (в первую очередь Мертвый Христос в гробу Гольбейна), Молли Брансон концептуализирует эстетическую проблематику романа Достоевского в контексте визуальной культуры девятнадцатого века а также теорий «слова и образа» и интермедиальных отношений. Объединяя эти критические подходы с новыми интерпретациями романа, Брансон утверждает, что роман стремится преодолеть то, что он воспринимает как угрозу визуальному нарративу, посредством риторического приема экфрасиса. В настойчивом взаимодействии с художественным «другим» и в связи с ограничениями слова и образа, «Идиот» также использует парагон (paragone)—или интермедиальное сравнение— для защиты претензий романа на реалистическую истину. Опираясь на традиции классического мимезиса, европейского реализма девятнадцатого века и влияние фотографических технологий, Брансон предлагает расширенный междисциплинарный и сравнительный контекст, который выходит за пределы специфически русского или православного, и служит более полному пониманию подхода Достоевского к изобразительному искусству и реализму.

LAUREL SCHMUCK AND MAC WATSON
Pushkin’s Napersnichestvo: Sacrilegious Confession – Erotic Tittle-Tattle – Elegy

Elegy, confession and irony frequently color Alexander Pushkin’s poetic apostrophes to his readers, especially in his novel in verse, Eugene Onegin. We have identified an underlying narrative mode that employs all of these inflections of the authorial voice to suggest a special relationship with a special kind of reader—a napersnik, or confidant. Four of Pushkin’s works, distributed over the larger part of his career, illuminate the napersnik figure and the way it relates to his poetic process: a juvenile parody of confession, Ispoved' bednogo stikhotvortsa, the more mature parody Gavriiliada, his well-known lyric Napersnik, and his novel in verse, Eugene Onegin. In Pushkin’s model of napersnichestvo, two sympathetic interlocutors create a dialogic space where they can reminisce about sexual and romantic experiences. For Pushkin, this space of reminiscence and closeness is a — if not the — space of poetry. In the heteroglossic tapestry that is Eugene Onegin, one of the voices consistently breaking through is the narrator’s, to confess or just converse (boltat’) with a specific type of reader, worthy of these digressions –a napersnik.

Лорел Шмук Мэк Ватсон
Наперсничество в творчестве Пушкина: Кощунственная исповедь —Эротическая болтовня — Элегия

Элегия, исповедь и ирония часто окрашивают поэтические обращения Пушкина к его читателям, особенно в романе в стихах «Евгений Онегин». Мы выделяем тип повествования, который использует все эти модуляции авторского голоса для установления особенных отношений с особенного рода читателем – наперсником. Четыре произведения Пушкина, которые относятся к разным периодам его творчества, высветляют фигуру наперсника и ее связь с поэтическим процессом: юношеская пародия «Исповедь бедного стихотворца», более зрелая пародия «Гавриилиада», знаменитое стихотворение «Наперсник» и роман в стихах «Евгений Онегин». В пушкинской модели наперсничества, два сочувственных собеседника создают диалогическое пространство, где могут вместе вспоминать эротический и романтический опыт. Для Пушкина, это пространство воспоминания и близости является чуть ли не единственно возможным пространством поэзии. В многоголосом мире «Евгения Онегина» один из настойчиво пробивающихся голосов – это голос повествователя, который возникает, чтобы исповедаться или просто поболтать с особенным типом читателя, заслуживающим этого внимания – с наперсником.

JENNIFER WILSON
The Revolution Will Not Be Consummated: The Politics of Tolstoyan Chastity in the West

This article explores how Tolstoy’s commitments to the ideals of chastity and his support for certain radical political movements (namely pacifism and the abolishment of private property) were fused together in the popular imagination and taken up by politically engaged Western sexologists and physicians in the 19th century, specifically the American gynecologist and social reformer Alice B. Stockham and British physician Havelock Ellis who specialized in human sexuality and advocated for the destigmatization of homosexuality. While there has been considerable scholarly work done on Tolstoy’s political influence on American and British political reformers, as well as on his correspondence with sexologists like Stockham and (to a lesser extent) Ellis, in this article, I seek to combine those two lines of research, ultimately arguing that Tolstoy’s radical politics were considered inseparable from his views on sex in the eyes of his progressive supporters abroad. Making use of Stockham’s book Tolstoi: A Man of Peace and Ellis’ essay on Tolstoy in The New Spirit, I trace the intermingling of sexual and political discourses surrounding Western receptions of Tolstoy at the fin de siècle.

Дженнифер Уилсон
Революция не будет консумирована: политический аспект толстовского целомудрия на Западе

В данной статье рассматривается, как толстовская философия целомудрия и его поддержка некоторых радикальных политических движений (а именно пацифизма и упразднения частной собственности) сплавлялись воедино политически ангажированными западными сексологами и врачами 19-ого века, в частности, американским гинекологом и социальным реформатором Алис Б. Стокхэм и британским врачом Хавелоком Эллисом, специалистом по человеческой сексуальности и сторонником дестигматизации гомосексуальности. Хотя влияние Толстого на американских и британских политических реформаторов, а также его переписка с такими сексологами, как Стокхэм и (в меньшей степени) Эллис достаточно хорошо изучены, в этой статье я стремлюсь объединить эти два направления исследований, утверждая, что в глазах его прогрессивных сторонников за рубежом радикальная политика Толстого считались неотделимой от его взглядов на секс, несмотря на то, что Толстой явно не одобрял ни свободную, ни однополую любовь. Используя книгу Стокхэм «Толстой: человек мира» и эссе Эллиса о Толстом из книги «Новый дух», я прослеживаю переплетение сексуальных и политических дискурсов в восприятии Толстого на Западе к концу 19-ого века.

Konstantin Polivanov and Kevin M. F. Platt
Pasternak in Revolution: Lyric Temporality and the Intimization of History

The relationship between the individual and historical processes was one of Boris Pasternak’s persistent and central concerns, from his earliest lyrics, to his experiments with long-form poems and prose at mid-career, to his late masterwork, the novel Doktor Zhivago (Doctor Zhivago). Pasternak’s oeuvre poses the questions of what the lyric poet can say about history, and how to say it. Among his earliest, most complex and perhaps least critically understood attempts to answer these questions is the 1920–1923 poetic cycle “Bolezn'” (“Illness”). In particular, the third poem of this cycle, “Mozhet stat'sia tak, mozhet inache” (“It can happen like that, or otherwise”), is among Pasternak’s most dense and enigmatic works. To our mind, it also contains the central keys to reading the cycle “Bolezn'” and to Pasternak’s earliest attempts to make lyric sense of historical experience. The present article is a contextualization and analysis of this poem, of the cycle that contains it, and through this, of the counterintuitive potential of the lyric mode as an instrument for historical thought. Our work is based on an examination of the construction of the poem and its web of allusions to Russian and world literature from Lermontov and Tiutchev to Dickens, as well as to the contexts of Pasternak’s biography, in light of recent work on lyric and avant-garde temporality. In this manner, we describe “Mozhet stat'sia tak, mozhet inache” as an evocation of the complex fabric of temporal linkages binding Russian culture together at a moment when the temporal sequence itself had been upended in what Pasternak envisioned as a “purga” (“blizzard”) of revolutionary transformation.

Константин Поливанов и Кевин М. Ф. Платт
Пастернак в революции: Лирическая темпоральность и интимизация истории

Отношения человека и явлений истории всегда оказывались в фокусе внимания Пастернака-художника: и в ранней лирике, и в «революционных» поэмах 1920-х, и в романе «Доктор Живаго», который он считал главным делом своей жизни. Пастернака всегда волновали вопросы о том, что и как способен лирический поэт сказать об истории. Цикл «Болезнь» в книге «Темы и вариации» (1923) был одной из первых попыток ответить на эти вопросы. В частности, это относится к третьему стихотворению цикла – «Может статься так, может иначе», одному из самых темных и загадочных стихотворений поэта. На наш взгляд, оно играет ключевую роль для понимания данного цикла и одновременно представляет одну из первых попыток понимания поэтом истории с помощью лирического высказывания. В статье предлагаются контекстуализация и анализ данного стихотворения, цикла «Болезнь» в целом и, посредством этого, парадоксальной способности лирической речи служить инструментом для постижения исторического опыта. Стихотворение анализируется с помощью выделения сложной системы перекличек с разнообразными текстами от Лермонтова, Тютчева до Диккенса, на фоне биографии поэта и с учетом недавних исследований лирической и авангардной темпоральности в культуре начала ХХ века. Стихотворение «Может статься так, может иначе…» интерпретируется как демонстрация сложных связей, скрепляющих русскую жизнь и культуру в тот момент, когда, в представлени и Пастернака, все законы истории были поставлены вверх ногами «пургой» революции.

VOLUME 60, NUMBER 2 SUMMER 2016

CAROL R. UELAND AND LUDMILLA TRIGOS
Introduction

The following articles comprise part of a larger project aimed at examining the history of the biographical series, Lives of Remarkable People ( Zhizn’ zamechatel’nykh liudei), as a prism through which to view continuities and change in Russian, Soviet and post-Soviet culture. Our introduction gives a brief overview of the evolution of the series, from its inception in 1890 by the publisher Florentii Fedorovich Pavlenkov through the Soviet era and into the present day at Molodaia gvardiia press. It also situates the genre of literary biography, both within the European tradition and within the series itself. The subsequent three articles arose out of panels on biography and the Russian national tradition presented at the national conferences of ASEEES and AATSEEL in 2013 and 2014. They examine the triumvirate of Pushkin, Dostoevsky and Tolstoy and the changing perceptions of these literary greats as reflected in biographies from the tsarist era to the current day. All three articles are an exercise in comparative biography, and as such provide a valuable argument in favor of the rigorous study of the important functions that biography fulfills in many different societies. In comparative biography, readers “discover how reputations developed, how fashions changed, how social and moral attitudes moved, how standards of judgment altered, as each generation, one after another, continuously reconsidered and idealized or condemned its forebears in the writing and rewriting of biography” (Peter France and William St. Clair (eds.), Mapping Lives: The Uses of Biography (Oxford: Oxford University Press, 2002), 15–16). In this sense then, no one single biography can ever become definitive because of the changing concerns and demands of different readers in succeeding eras. Our contributors trace the way that the telling of these iconic writers’ lives has evolved over three centuries fraught with political, social and literary changes; these biographies serve as tools to evaluate what each author has meant to different generations in various eras.

ANGELA BRINTLINGER
“The Remarkable Pushkin”

This article considers two questions, the history of biographical writing about Pushkin and the ways in which The Lives of Remarkable People series tried to present Pushkin and in the end was less than successful. How Pushkin was portrayed in Russian biography gives us a chance to explore a telling crossroads of the history of Russian literature and the history of genre, particularly the genre of “life-writing.” Biography itself is one thing, but the biography of a writer must include his works, and as scholars have argued, Pushkin is not just a writer, he is the writer, which complicates his biographer’s task. In exploring Pushkin’s biography both within and beyond the ZhZL series, the article considers audience as well as genre: how does a biography for a general audience differ from a scholarly biography? Inevitably in Pushkin’s case, the life has to include the work, and this nexus makes an exploration of these biographies particularly relevant for literary scholars today.

Анджела Бринтлингер
Замечательный Пушкин

Статья рассматрывает два вопроса: историю биографической литературы об А.С. Пушкине и подходы к Пушкину писателей биографической серии Жизнь замечательных людей, в конечном счете не вполне успешные. Между тем история о том, как Пушкина изображали в русско-язычной биографии, приводит к перекрестке истории русской литературы и истории жанра, в особенности жанра «жизнеописания». Одно дело биография, биография именно писателя воля-неволя включает его произведения и, как утверждают ученые, Пушкин является не просто писателем, а Писателем с большой буквой, тем самым усложняя задачу биографа. Рассматрывая биографию Пушкина в серии ЖЗЛ и за ней, статья принимает во внимание и жанр и читателей: как отличается биография для широкой публики от научной биографии? В случае Пушкина жизнь не может не включить творчество, и эта связь должна особенно заинтересовать литературоведов сегодня.

ROBERT BELKNAP AND CAROL APOLLONIO
Dostoevsky in the Lives of Remarkable People

There have been four ZhZL biographies of Dostoevsky: E.A. Soloviev's slight 1891 work (96 pp.; reprinted in the 1890s, 1912, and 1922); Leonid Grossman’s (1962, reprinted in 1965); Yuri Seleznev’s (1981); and Liudmila Saraskina’s (2011; 824 pp.). It is not surprising that seven decades passed between Soloviev’s book and Grossman’s, given Gorky’s hostile attitude toward Dostoevsky. By the late 1950s, Crime and Punishment had entered the high school curriculum, and it was time to declare Dostoevsky “remarkable.” Grossman’s articles, his chronology of Dostoevsky’s life and works, and the ten-volume 1956 collection of Dostoevsky’s works of which he was the lead editor, were indispensible resources for scholars. His 525-page ZhZL biography is authoritative, substantial and accessible to any educated reader; it was translated into English in 1975. Seleznev’s book features more nationalism and religion than Grossman’s, and it is more effortfully literary in structure. Both Grossman and Seleznev freely present Dostoevsky’s inner thoughts, as authors do for an unsophisticated readership. They both move beyond Soviet officialdom’s simplistic condemnation of Demons; Grossman argues that the novel offers psychologically rounded identities of its revolutionary protagonists; Seleznev finds that the hero of the novel is “the People.” Saraskina’s magnificent biography, unlike its predecessors, offers a thorough scholarly apparatus, with rigorous documentation for every assertion. Its interpretations of the novels are original, innovative, and firmly based in the writer’s life and context.

Роберт Белкнап и Kэрол Аполлонио
Биографии Ф.М. Достоевского в серии “Жизнь замечательных людей”

В серии «ЖЗЛ» опубликованы четыре биографии Ф. М. Достоевского: E.А. Соловьева (96 стр., 1891; перепечатана в 1890 гг., в 1912 и в 1922 гг.); Л.П. Гроссмана (525 стр., 1962; перепечатана в 1965 г); Ю.И. Селезнева (543 стр., 1981); и Л.И. Сараскиной (824 стр., 2011). Учитывая враждебное отношение Горького к Достоевскому, не удивительно, что после биографии Соловьева прошло семь десятилетий до появления на свет биографии Гроссмана. К концу 1950 гг. роман «Преступление и наказание» вошел в программу школьных чтений, и Достоевский был признан «замечательным». Исследования Гроссмана, его летопись жизни и творчества Достоевского и вышедшее под его общей редакцией десятитомное собрание сочинений Достоевского (1956) стали необходимыми научными источниками для ученых. Его биография в серии «ЖЗЛ» авторитетна, основательна и доступна пониманию любого образованного читателя (англ. перев. 1975 г.). В книге Селезнева патриотические и религиозные мотивы звучат настойчивей, чем у Гроссмана, и она имеет более продуманную литературную структуру. И Гроссман и Селезнев смело передают внутренние мысли Достоевского, как принято у писателей, обращающихся к общему читателю. Оба автора уделяют серьезное внимание находившемуся в немилости у советских властей роману «Бесы». Гроссман утверждает, что психология революционных героев романа передана глубоко и правдиво; Селезнев называет героем романа «Народ». По сравнению со своими предшественниками, превосходная биография Сараскиной является наиболее научной по форме и отличается обилием примечаний. Ее интерпретации романов Достоевского оригинальны, научно обоснованы и опираются на тщательно проверенные факты жизни писателя.

CARYL EMERSON
Remarkable Tolstoy, from the Age of Empire to the Putin Era (1894–2006)

Between 1894 and 2006, the ZhZL series published four Lives of Tolstoy. This essay focuses on the first (tsarist-era) and the last (post-communist) biographies, which reflect in turn the guidelines for the Series laid down by its two powerful editors, Florentii Pavlenkov and (after 1933) Maksim Gorky. The first, by Evgenii Soloviev, was a compact attempt to assess the enormous scandal of Tolstoy while the great writer was still alive, without degrading his thought. The last (post-communist) volume, a monumental narrative by Aleksei Zverev and Vladimir Tunimanov with century of scholarship at its disposal, approached Tolstoy as a priceless legacy that must nevertheless be made relevant to the New Russia. (The two Soviet-era biographies, one by Viktor Shklovsky and the other a wartime pamphlet by Nikolai Gudzii, resemble more the style of their authors than their subject.) The problem for all Tolstoy biographies, as for Tolstoy himself, was too many words—and their inherent unreliability. Drawing on Boris Tomashevsky and Yurii Lotman, the essay addresses general problems of literary biography in the Russian 19th century. Finally, Tolstoy’s conflicted attitude toward his own work, and toward his own person, is sampled through select crisis-points in the two biographies: the confession of 1881, the writer’s primary allegiance (to family or to the peasant), and the relation to the Church.

Кэрил Эмерсон
«Замечательный» Толстой с имперских времен до путинских дней

С 1894 по 2006 гг. в биографической серии «Жизнь замечательных людей» вышли четыре биографии Л.Н. Толстого. Данный доклад посвящен двум из них: первой, изданной еще в царскую эпоху, и последней, изданной уже в постсоветское время. Оба жизнеописания представляют собой дополнительный интерес и с точки зрения издательской практики, так как являются ярким воплощением принципов издания, заложенных его двумя влиятельными редакторами, Ф.Ф. Павленковым, а после 1933 г. и Максимом Горьким. Первая биография, написанная Е.А. Соловьевым-Андреевичем, представляет собой краткую прижизненную оценку скандальной личности Толстого, не принижающей значения Толстого-мыслителя. Последняя, постсоветская, биография писателя, монументальный труд А.М. Зверева и В.А. Туниманова, основан на материале ста лет исследований Толстого. Авторы подходят к творчеству Толстого как к бесценному наследию, которое должно стать более доступным современной России. Две биографии советского периода, работа В.Б. Шкловского и памфлет Н.К. Гудзия, не рассматриваются мной по той причине, что отражают скорее личности авторов, нежели предмет их описания. Проблема многих жизнеописаний Толстого (как и самого Толстого) в чрезмерном обилии текста и расплывчатости слов и понятий. С помощью идей Б.В. Томашевского и Ю.М. Лотмана я обращаюсь к некоторым из проблем, характерных для русской литературной биографии XIX в. Рассматривая то, как две биографии трактуют такие кризисные моменты жизни Толстого, как исповедь 1881 г., противоречия между его преданностью семье и крестьянам, а также его конфликт с церковью, я рассуждаю о болезненном отношении Толстого к своим работе и личности.

VICTORIA SOMOFF
Nonresistance to Fiction: Archaic Folktale vs. Later Tolstoy

This paper offers a case study in the historical poetics of narrative forms across the orality-literacy (folklore-literature) divide. Juxtaposing oral and literary narratives, it describes the transformations – on the level of genre, emplotment, characterization, and narrative conflict – that oral artistic forms undergo when engaged by literary discourse. The material for this study is Tolstoy’s later novella The Forged Coupon, which is commonly read as vividly illustrating Tolstoy’s ideas of universal brotherhood and nonresistance to evil. The paper places the novella in a very different context, namely, that of oral art, or folklore, and shows that the mechanistic development of The Forged Coupon is best understood not as a speculative or moralistic exercise but rather as a literary reenactment of an archaic folklore plot. My analysis of both cumulative folktales and The Forged Coupon shows how Tolstoy’s adherence to the generic bounds of its principally amoral oral traditional source significantly reconfigures the initially didactic stance of The Forged Coupon. While the paper focuses on the dynamics and discursive potential of cumulative narration in a literary narrative, it also aims for a more satisfactory interpretation of the oral cumulative tale itself and highlights some of the concerns related to the study of this form of folk narrative.

Виктория Сомова
Непротивление вымыслу: архаическая сказка и поздний Толстой

Статья посвящена проблеме типологического взаимодействия устного (фольклорного) и письменного (литературного) жанров и рассматривает направление и сущность трансформаций, которые устный жанр претерпевает в литературном повествовании на уровне сюжета, конфликта и системы персонажей. Материалом статьи является повесть Льва Толстого «Фальшивый купон», которая обычно интерпретируется в свете идей позднего Толстого о непротивлению злу насилием и универсальном братстве. Статья помещает «Фальшивый купон» в другой контекст, контекст фольклора, и утверждает, что «механическое» разворачивание событий повести может быть рассмотрено не как иллюстрация моральной или философской идеи, а как воспроизведение и литературная трансформация архаического сюжета кумулятивной сказки. Сравнительный анализ устных кумулятивных сказок и повести Толстого показывает, как следование жанровым параметрам принципиально внеморального фольклорного жанра сказки преобразует изначально дидактическую установку «Фальшивого купона». Несмотря на то, что работа посвящена прежде всего повествовательному потенциалу кумулятивного сюжета в литературном произведении, в задачи статьи также входит прояснение жанровых особенностей фольклорной кумулятивной сказки и обсуждение истории и проблем ее изучения.

ALINA ISRAELI
Dative-infinitive Constructions with the Particle ЖЕ in Russian: Taxonomy and semantics

This article represents the first comprehensive analysis of infinitive constructions with the particle ЖЕ and provides a full taxonomy. It examines three meanings of the particle and explores the possible combinations of the construction with and without the negative particle НЕ. It takes into account various word orders and establishes where the word order is semantic and where it is grammatical. In addition the article establishes instances where the addition of ЖЕ to a base non–ЖЕ infinitive construction changes the meaning radically compared to those where the ЖЕ infinitive construction represents the semantic sum of a base construction plus ЖЕ.

Алина Израэли
Инфинитивные конструкции с частицей ЖЕ, таксономия и семантика

В статье рассматриваются инфинитивные конструкции с частицей ЖЕ. Анализ показывает, что существует три различных частицы ЖЕ: дискурсивная частица ЖЕ1, которая напоминает собеседнику об уже известной информации, ЖЕ2, которая указывает на кореферентность двух субъектов, и противительная частица ЖЕ3, которая указывает на противопоставление двух субъектов. В инфинитивных конструкциях с частицей ЖЕ строго закреплен порядок слов. Все конструкции рассматриваются отдельно и в сопоставлении с аналогичной конструкцией без ЖЕ. В результате выделяются конструкции, в которых семантика сводится к сумме базовой конструкции плюс значение ЖЕ, и конструкции, в которых семантика конструкции несводима к ее составляющим.

VOLUME 60, NUMBER 1 SPRING 2016

SERGEY TYULENEV
Vsemirnaia Literatura: Intersections of Translating and Original Literary Writing

In this article, the early Soviet translation project Vsemirnaia Literatura (1918–1924) will be analyzed from the point of view of the sociology of professions as applied to translation studies. The Vsemirnaia-Literatura project was initiated as a measure to secure one interest group’s control over literary translation in Soviet Russia. The group was structured and acted in a fashion that allows considering it an important step in forming translation as a profession. The project secured a niche for literary translation as a social activity, which, although closely related to original literary writing, started to emancipate from the latter. A governing structure (an editorial board and administrators), which made sure that a high professional standard in literary translation was observed, was formed. The group also took care of raising new generations of literary translators. In short, Vsemirnaia Literatura significantly contributed to laying the foundation for the Soviet school of literary translation.

Сергей Тюленев
«Всемирная литература»: между художественным переводом и оригинальной литературной деятельностью

В настоящей статье издательский проект «Всемирная литература» (1918–1924) в его переводческой части рассматривается в терминах социологии профессий. Проект «Всемирная литература» стал попыткой одной группы обеспечить себе контроль над литературным переводом в Советской России. Структура и деятельность группы позволяют говорить о ней как о важном шаге в формировании перевода как профессии. Проект позволил художественному переводу начать эмансипироваться от оригинальной литературной деятельности, впрочем не порывая с ней прочных связей. Была сформирована управляющая структура (редакционный совет и администрация), которая следила за тем, чтобы художественный перевод осуществлялся на высоком профессиональном уровне. Группа также взяла на себя подготовку новых поколений литературных переводчиков. Иначе говоря, «Всемирная литература» внесла значительный вклад в формирование основ советской школы литературного перевода.

SUSANNA WITT
Translation and Intertextuality in the Soviet-Russian Context: The Case of Georgy Shengeli’s Don Juan

Although Russian writers have always tended to engage in literary translation as an integral part of their work, during Soviet times this tradition was artificially reinforced due to the political and ideological restrictions placed on original writing. This article explores some implications of the massive rechannelling of authorial energy into translation work which took place at the time, becoming a notable feature of Soviet culture. As writers-turned-translators had to reconcile creation with recreation, it is necessary, it is argued here, to approach translations from the Soviet period much in the same way as original writing, that is, as literary works in the context of the target culture as a whole. Such a standpoint will foreground relations between translations and indigenous literature, or in other words, problems of intertextuality.

Drawing on Lawrence Venuti’s elaboration of translation as a “unique case of intertextuality” (2009), the article provides an analysis of Georgii Shengeli’s 1947 rendition of Byron’s Don Juan against the background of Shengeli’s biography and literary career. Archival material and critical writings are used to demonstrate how translation in this case provided a medium for intertextual dialogue and literary polemics pertaining specifically to the target culture. For Shengeli — as a poet, verse theorist and translator — the act of recontextualization had a significance beyond the ambition to recreate source-work intertextuality, one that had a bearing precisely on the substitutional function of literary translation typical of his epoch.

Сусанна Витт
Перевод и интертекстуальность в советско-русском контексте: Дон-Жуан Георгия Шенгели

В России художественный перевод издавна считался неотъемлемой частью творчества писателя. В советское время, однако, эта традиция была усилена, главным образом, из-за политических и идеологических ограничений, наложенных на оригинальное творчество. В настоящей статье рассматриваются несколько последствий такой массовой переориентации авторов — ставшей чуть ли не отличительной чертой советской культуры — для исследования переводов этого периода и их теоретического осмысления. Превращенный в переводчика автор был вынужден мирить собственное творчество с воссозданием творчества другого. Поэтому исследователю необходимо подходить к переводам, сделанным в это время, так же, как к оригинальному творчеству, то есть, как к литературным произведениям в контексте советской культуры в целом. При таком подходе на передний план выходят связи между переводами и оригинальной литературой, или, другими словами, проблемы интертекстуальности.

На основе разработки концепта интертекстуальности по отношениию к переводу, предложенной Лоренсом Венути (2009), в статье анализируется русский перевод байроновского Дон Жуана, сделанный Г.А. Шенгели в начале 1940-х годов и выпущенный ГИХЛом в 1947 году. Материалы из биографии и литературной деятельности Шенгели, в том числе и архивные, используются с целью продемонстрировать функционирование перевода (этого «уникального случая интертекстуальности») как средства для диалога и литературной полемики по отношению к культуре-реципиенту /target culture/. Для Шенгели — поэта, стиховеда, переводчика — акт реконтекстуализации английского классика имел значение, выходящее за рамки воссоздания оригинальной интертекстуальности — значение, связанное именно с той функцией замены, которая была характерной чертой для многих переводов его эпохи.

BRIAN JAMES BAER
From International to Foreign: Packaging Translated Literature in Soviet Russia

English Abstract: This article traces the effects of a broad shift in Soviet thinking on internationalism and nationalism on the theory and practice of translation. This shift, characterized by a move away from radical internationalism toward traditional forms of Romantic nationalism, began in the late 1930s and culminated in the post-war period. The article examines this shift in post-war Soviet culture as manifested in writings on translation, on the one hand, and in the publication of translated literary works, on the other. Special attention is paid to the journal Foreign Literature, founded in 1955, focusing on the selection of texts for translation, the bundling of those texts in special issues, and on the critical literature, images and even graphics that accompanied the translations. The article highlights translation as an especially productive lens through which to examine the contradictions and tensions in post-war Soviet culture.

Брайан Джеймс Бэр
От интернационального к иностранному: Переводная литература в Советском Союзе

Статья исследует последствия, к которым привели изменения в понимании интернационализма и национализма в теории и практике перевода. Данные изменения, характеризующиеся отходом от радикального интернационализма и обращением к более традиционным формам романтического национализма, которые наметились в конце 1930-х годов и достигли своего пика в послевоенный период. Анализ проводится на основе исследования статей и книг, посвященных переводу, с одной стороны, и публикаций переводных литературных произведений, с другой. Особое внимание уделяется публикациям в журнале «Иностранная литература» (основан в 1955-м г.)—выбору текстов для перевода, принципам составления специальных выпусков, подбору фотографий и других иллюстраций, сопровождающих переводы. Статья показывает переводческую деятельность как своеобразный объектив, позволяющий лучше увидеть противоречия и проблемы в советской послевоенной культуре.

DANIEL A. BROOKS
Fetishizing Dialogue: Apostrophe and Prosopopoeia in Blok’s “Cleopatra”

This paper examines Aleksandr Blok's famous conceptualization of Symbolism's “thesis” and “antithesis” periods through the lens of Blok's “Cleopatra” (“Kleopatra,” 1907). Blok's poems about the ethereal Beautiful Lady and the corporeal Unknown Woman traditionally structure the transition between thesis and antithesis, but “Cleopatra” straddles both periods. Its eponymous subject – here, a simulacrum in a turn-of-the-century wax museum – troubles the poem's lyric subject, a would-be poet and presumed stand-in for Blok. He apostrophically addresses Cleopatra as a (thesis-era) muse, signaling his disrespect for this modern (antithesis-era) “prostitute.” However, his attempt to restore a Derzhavinian rapport between poet and monarch awakens the waxen Cleopatra, who rejects the aid of her impudent savior. Blok's poem thereby complicates Walter Benjamin's famous conceptualization of reproducible simulacra and auratic originals, and instead argues that phantasmagoric fetishes can indeed inspire, and participate in, poetic dialogue. In the process, Blok enacts the prosopoetic death of his obsolete, thesis-era double, inviting us to read “Cleopatra” meta-autobiographically, a work that dramatizes the transition between thesis and antithesis periods of Russian Symbolism.

Даниэль Брукс
Фетишизация диалога: Апострофа и прозопопея в «Клеопатре» Александра Блока

На примере стихотворения Александра Блока «Клеопатра» (1907) статья исследует блоковскую концепцию «тезиса» и «антитезиса» в контексте истории русского символизма. Kак известно, «тезис» отражается в блоковских стихах об oдухoтвopeннoй Прекрасной Даме, a «антитезис» в стихах о пpocтитуткe Незнакомке. Представляется, что «Клеопатра» охватывает оба этих периода. Заглавная героиня блоковской «Клеопатры» – то есть, симулякр в паноптикуме началa ХХ века – тревожит лирического субъекта, претендующего на звание Поэта и, кроме того, по-видимому олицетворяющего эстетическую позицию самого Блока. Используя апострофу, лирический cубъект обращается к Клеопатре как к традиционной музе страсти и красоты, и порицает ее восковой симулякрум--на показ для всех, как любая «проституткa»--за то, что она стала музой периода «антитезисa». Он пытается «уговорить» вocкoвую царицу вернуться в мир державинской гармонии и одической торжественности, в мир, кoтoрый в пoэзии eщe гocпoдcтвовaл вo время «тезиса»--oднако, его попытка восстановить прошлое вызывает протест в “Клеопатрe”, которaя отказывается от помощи своего самозванного спасителя. Она не возрaжает против своего нового облика «музы толпы». Таким образом, стихотворение как бы комментирует позднейшие мысли Вальтерa Беньяминa, который определил разницу между воспроизводимыми симулякрами и aуратическими подлинниками тeм, что фантасмагорические фетиши способны создавать поэтический диалог, и участвовать в нем. Поэтому, в конце концов, Блок вызывает прозопопеей смерть своего устарелого двойника периода «тезиса», который видит истинную поэзию только в ультра-романтических категориях, что дает возможность интерпретировать «Клеопатру» как мета-автобиографию, то есть как произведение, выражающее переход русского символизма от «тезиса» к «тезису».

SIDNEY ERIC DEMENT
Architectural Details from Moscow’s Sandunov Banyas in M. A. Bulgakov’s The Master and Margarita

In his manuscripts for The Master and Margarita, M. A. Bulgakov wrote two different versions of Woland’s Ball: a small Ball held within the three-dimensional confines of Apartment 50 and a large Ball in the “fifth-dimension,” made famous in the published editions of the novel. One of the defining differences between these two versions is that generalized banya imagery, with significant architectural details from the Sandunov Banyas (Sanduny) in Moscow, characterizes the second, larger version of the Ball. This article contextualizes and interprets banya imagery in The Master and Margarita, drawing on textual evidence from Bulgakov’s manuscripts, the cultural history of Sanduny, and the ideological tasks of banya architecture in the Soviet 1920s and 1930s. Allusions to the architecture of Sanduny, one of Moscow’s most elite institutions before and after the Revolution, deepen and enhance the parallels between Roman and Soviet power in the novel, complicating the notions of cleansing and purification inherent in banya architecture.

Сидней Эрик Демент
Архитектурные детали московских Сандуновских бань в романе М. А. Булгакова «Мастер и Маргарита»

В черновиках романа “Мастер и Маргарита,” М. А. Булгаков оставил две разные версии Великого бала у Сатаны. Первая версия — малый бал, устроенный в трехмерном пространстве Квартиры № 50. Вторая версия — большой бал в “пятом измерении,” хорошо известный читателям по изданным версиям романа. Одно из существенных различий между двумя версиями заключается в том, что второму, большому балу приданы как обобщенная «банная» образность, так и специфические архитектурные детали Сандуновских бань (Сандуны) в Москве. В данной статье рассматриваются в историческом и культурном контексте банные образы в “Мастере и Маргарите,” с опорой на текстуальные свидетельства в булгаковских рукописях, культурную историю Сандунов, и идеологические задачи советской архитектуры бань 20-ых и 30-ых годов. Ссылки на архитектуру Сандунов одного из самых элитарных заведений в Москве до и после Революции, углубляют параллели между римской и советской властью в романе и делают понятия чистки и очищения, присущие архитектуре бани, более многогранными.

NATALIA KALOH VID
Retranslations: Do They Get Us Back to the Source Text? Six English Retranslations of M. Bulgakov’s The Master and Margarita

Mikhail Bulgakov’s novel The Master and Margarita (1940, 1966), a highly complex and multi-layered narrative, is a challenge for any translator. Because Bulgakov’s narrative was translated into English six times, with the first two translations published in the same year, 1967, and the latest in 2008, the novel offers a unique insight into shifts in translation strategies, not only from a synchronic, but also from a diachronic perspective. The emphasis in much current translation research is based on the theory that retranslations tend to be getting back to the source text. To test the validity of this claim my analysis focuses on translations of Sovietisms in six English translations of the novel by, Ginsburg (1967), Glenny (1967), Burgin and O’Connor (1995), Pevear and Volokhonsky (1997), Karpelson (2006) and Aplin (2008). The term Sovietisms refers to lexical items characteristic of Soviet discourse in the 1930s; they are word-formations of “Soviet Russian.” Bulgakov’s language is saturated with Soviet vocabulary referring to various cultural and socio-political elements of Soviet reality. Sovietisms occur at various levels (lexical, syntactic, stylistic and rhetorical) and should be carefully considered by translators as being a significant characteristic of Bulgakov’s style. The article focuses on the translations of lexical Sovietisms . A complete domestication of Sovietisms may lead to a loss of some connotative meaning essential for understanding the context, while foreignization of terms which are most likely unknown to western readers may disturb the fluidity of reading and cause confusion. The purpose of my article is thus to demonstrate the use of domesticating/foreignizing strategies in regard to Sovietisms employed by Bulgakov’s translators over the last four to five decades and to assess the translation choices made, while testing the assumption that the first translations were more target-oriented than the subsequent ones. My comparative analysis employs the Retranslation Hypothesis as well as taxonomies suggested by Vlakhov and Florin (1995), and Davies (2003); they form the basis for this case study.

Наталья Калох Вид
Повторный перевод: возвращение к оригиналу? Роман М. Булгакова «Мастер и Маргарита» в английских переводах

Роман Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» (1940, 1966)—это многоуровневое, сложное произведение, которое очень сложно переводить. Тем не менее роман был переведен на английский язык шесть раз, начиная с первых двух переводов, опубликованных в 1967 году и заканчивая последним на сегодняшний день переводом, сделанным в 2008 году. Такое количество переводов предоставляет уникальную возможность проанализировать переводческие методы не только с синхронной, но и с диахронной перспективы. Настоящее исследование ставит целью проверить справедливость теории повторного перевода, основанной на том, что повторные переводы, как правило, ближе к оригиналу, чем первые. Для этого автор анализирует переводы советизмов в шести английских переводах романа, сделанных Гинзбург (1967), Гленнием (1967), Бургиной и О'Коннор (1995), Пивером и Волохонской (1997), Карпельсоном (2006) и Аплином (2008). Термин советизм относится к лексическим единицам, характерным для советского дискурса в 1930-е году, к так называемым словообразованиям «советского русского языка». Язык Булгакова насыщен советизмами, которые обозначают различные культурные и социально-политические элементы советской действительности. Советизмы появляются на различных уровнях (лексическом, синтаксическом, стилистическом и риторическом) и должны быть тщательно рассмотрены переводчиком как одна из главных характеристик стиля Булгакова. В статье рассматриваются переводы лексических советизмов. Полное «одомашнивание» советизмов может привести к потере некоторых смысловых оттенков, существенных для понимания контекста, в то время как «отчуждение» этих терминов, которые скорее всего неизвестны западным читателям, может нарушить процесс чтения и даже привести к путанице. Цель данной статьи—проиллюстрировать использование переводческих методов как «одомашнивания», так и «отчуждения», применяемых переводчиками Булгакова на протяжении последных четырех-пяти десителетий, и оценить их, основываясь на гипотезе повторного перевода, согласно которой первые переводы должны быть ближе целевой публике, чем последующие. Данный сравнительный анализ основывается как на теории повторных переводов, так и на таксономиях, предложенных Влаховым и Флориным (1995) и Дэйвисом (2003).

VOLUME 59, NUMBER 4 WINTER 2015

STILIANA MILKOVA
From Rome to Paris to Rome: Reversing the Grand Tour in Gogol’s “Rome”

Gogol lived in Rome intermittently between 1837 and 1847 and there he penned some of his most important works. As he himself claimed, Rome provided him with the necessary distance to see Russia and write about it. But despite his long sojourn in Italy, he did not produce a significant text on an Italian theme or a travel narrative. The narrative fragment “Rome” (1842) is the only literary record of Gogol's residence in Italy. In this article I approach “Rome” as a travel narrative which follows the intellectual and aesthetic education of a Roman prince over the course of two journeys – first, from Rome to Paris, and then back, from Paris to Rome. I argue that structurally, the fragment is organized by physical movement through European and Roman space and rhetorically, the text adopts the literary and visual tropes of the eighteenth-century Grand Tour to Italy. I read “Rome” as Gogol's attempt to mobilize his reliance on distance in the services of a Grand Tour narrative and thus inscribe himself within a Western European tradition of travel writing and literary sightseeing. But the Gogolian Grand Tour arrives with a twist: Gogol reverses the traditional itinerary Paris – Rome, and posits Rome as both originating point and final destination, with Paris merely as a detour – and, as I suggest, as a foil to Rome. Just as Rome works as a foil to Russia, Paris becomes Gogol’s optical device through which to descry his beloved Rome. To approach “Rome” through the framework of the Grand Tour is to propose a new understanding of the text as the Italian travel narrative Gogol otherwise did not produce.

Стиляна Милкова
“Из Рима в Париж и обратно: классическое путешествие ‘гранд тур’ в отрывке Н.В. Гоголя ‘Рим’”

Гоголь жил в Риме с перерывами между 1837 и 1848 годами, и в Риме он написал некоторые из наиболее значительных своих произведений. Как сам он утверждал, Рим дал ему возможность увидеть и описать Россию на необходимом для этого расстоянии. Но несмотря на довольно долгое пребывание в Италии, он не запечатлел ее ни в одном значительном произведении, не создал нарратив-путешествие по Италии. Отрывок “Рим” (1842)—единственное художественное доказательство гоголевского пребывания в Италии. В данной статье я рассматриваю “Рим” Гоголя как прозу, написанную в жанре путешествия, предпринятого римским князем с целью интеллектуального и эстетического образования сначала из Рима в Париж, а потом обратно—из Парижа в Рим. Я привожу аргументы в доказательство того, что гоголевский текст композиционно организован вокруг физического перемещения по Европе и Риму, а риторически текст заимствует литературные и визуальные метафоры классического образовательного путешествия “гранд тур” 18 столетия. Я рассматриваю “Рим” как гогоевскую попытку активизировать нарратив “гранд тур” и таким образом вписаться в западно-европейскую традицию нарратива путешествия и описания литературных достопримечательностей. Но гоголевский “гранд тур” оказывается с подвохом: Гоголь переворачивает традиционное путешествие Париж-Рим и изображает Рим одновременно и как начальную точку путешествия, и как его финал. Так же, как Рим служит фоном для рассмотрения образа России, Париж становится для Гоголя своеобразным оптическим устройством, позволяющим рассмотреть внимательнее его любимый Рим. Рассмотрение отрывка “Рим” в рамках классического образовательного путешествия “гранд тур” позволяет прийти к новому и более глубокому пониманию этого текста как разновидности классического романа-путешествия об Италии.

CONNOR DOAK
What's Papa For? Paternal Intimacy and Distance in Chekhov’s Early Stories

This article examines father figures in a selection of Chekhov’s early stories, including “Grisha,” “Papasha,” “At Home,” “Oysters,” “Misery,” and “Requiem.” While most existing criticism on Chekhov highlights the role of the tyrannical father in his work, this article finds that these stories evince an anxiety not so much about the father’s tyranny, but rather his distance—both physical and emotional—from his children. In this respect, the article draws on existing historical and sociocultural research on nineteenth-century fatherhood (Igor Kon, John Tosh and others), which has moved away from the portrait of the nineteenth-century father as a patriarch with unlimited power towards a more nuanced view of him as a subject who operates within specific historical conditions. Similarly, I argue that we should read Chekhov’s fictional fathers not as all-powerful authoritarian figures, but as subjects who must negotiate the boundaries of masculinity and the inequities of socioeconomic systems. Through theoretically-driven close readings of individual stories, and a comparison with Korolenko’s “In Bad Company,” I suggest that Chekhov’s stories reveal broader sociocultural anxieties about fathering practices in the industrializing society of late nineteenth-century Russia. I argue that Chekhov’s stories express paternal distance through an exploration of the language barrier that often exists between fathers and children, and show specific problematic configurations of gender and class shape that barrier. This fresh approach to Chekhov’s fictional fathers does not merely illuminate his stories in a new way, but also paves the way for a revisionist approach to the familiar “fathers and sons” topos in nineteenth-century Russian literature more broadly.

Коннор Доук
“Для чего существует папа?”: Отцовская интимность и дистанцированность в ранних рассказах Чехова

В этой статье анализируется роль отца в некоторых ранних рассказах Чехова: “Гриша”, “Папаша”, “Дома”, “Устрицы”, “Тоска”, “Панихида”. В отличие от большинства критиков, которые сосредотачивают внимание на образе отца- тирана в творчестве Чехова, я считаю, что эти рассказы раскрывают не столько тиранство отца, сколько его физическую и эмоциональную дистанцию от своих детей. Статья опирается на современные историко-социокультурные исследования отцовства в девятнадцатом веке (Игорь Кон, Джон Тош и другие). Эти исследователи отошли от традиционного портрета отца девятнадцатого века— патриарха с неограниченной властью. Напротив, они изображают его как зависимого субъекта, который действует в рамках определенных исторических условий. Исходя из этих исследований, я утверждаю, что мы должны рассматривать отцов в рассказах Чехова не как всемогущие авторитарные фигуры, но как субъектов, сталкивающихся с нормами маскулинности и несправедливости социально-экономических систем. Мой научно-методический подход к рассказам совмещает анализ текстов и применение современных теорий маскулинности и отцовства; проводится также сравнение между творчеством Чехова и повестью Короленко “В дурном обществе”. В результате я показываю, что рассказы Чехова выражают широкую социокультурную озабоченность ролью отца в семье в конце девятнадцатого века в России, в эпоху индустриализации и больших общественных и экономических перемен. В творчестве Чехова отдалённость отца прежде всего выражается в языковом барьере между отцами и детьми, и этот барьер связан с конкретными конфигурациями пола и класса. Статья не только предлагает новые интерпретации рассказов Чехова, но и кладет начало ревизионистскому подходу к теме “отцов и детей”, одной из центральных тем русской литературы девятнадцатого века.

PER-ARNE BODIN
Tsvetaeva and History: On The Demesne of the Swans and the poem, “To the Tsar – at Easter”

In this article I study the complex of relations between the poet and time in the broad sense, using the same reasoning and questions as actualized in Tsvetaeva’s 1930s essays. The study focuses on Lebedinyi stan (The Demesne of the Swans), which contains sixty-two poems written between March 1917 and December 1920. The cycle is conceived as a diary in verse that reflects both the historical events of the time and Tsvetaeva’s own biography.

I have singled out for closer analysis and interpretation the third poem in the cycle and the second one chronologically: “Tsar'iu - na Paskhu” (“To the Tsar – at Easter”), dated the first day of Easter 1917, but I also refer to the cycle as a whole.

The historicity of the poem is analyzed in relation to the genre of the Easter poem, to the time when it was written, to the personal biography of the poet and to the situations in which she recited the poem to different audiences, as well as from the perspective of Tsvetaeva’s own view of the relation between the Poet and History.

Пер-Арнэ Бодин
Цветаева и история: Лебединый стан и стихотворение «Царю – на Пасху»

Опираясь на положения, разработанные в эссе Цветаевой 1930-х гг., статья рассматривает комплекс отношений между поэтом и временем в широком смысле. В центре исследования—цикл Лебединый стан, состоящий из 62 стихотворений, написанных в период с марта 1917 г. по декабрь 1920 г. Цикл написан в форме дневника в стихах, в нем отражаются исторические события данного периода и биография Цветаевой.

Для анализа и интерпретации выбрано третье стихотворение цикла (второе в хронологическом порядке) “Царю—на Пасху”, датированное первым днем Пасхи 1917 г., которое рассматривается в контексте всего цикла. Историчность стихотворения анализируется с точки зрения жанра пасхального стихотворения, времени его написания, биографии поэта, ситуации, в которой Цветаева читала стихотворение в различных аудиториях, а также с учетом отношения самой Цветаевой к связи поэта с историей.

JOSEPH SCHLEGEL
The Shapes of Poetry: Andrei Bely’s Poetics in Vladimir Nabokov’s The Gift

This article employs the analytical methodology outlined by Andrei Bely in his essay “Lyric Poetry and Experiment” (“Lirika i eksperiment,” 1910) to determine the role of poetry in Vladimir Nabokov’s final Russian-language novel The Gift (Dar, 1938). Nabokov provides several direct references to Bely’s poetics in The Gift and further evidences his reliance on Bely’s system in his analytical volume Notes on Prosody (1964). In addition to The Gift’s protagonist, Fyodor Godunov-Cherdyntsev, this article evaluates the creative potential of two other featured characters: Yasha Chernyshevsky, the passionate yet amateur poet whose life ends tragically in suicide, and N. G. Chernyshevsky, the famous radical critic, whose biography comprises the fourth chapter of the novel. For Yasha Chernyshevsky, Bely’s analytical methods ultimately serve a destructive role due to the young poet’s inability to break free from a pattern of imitation; N. G. Chernyshevsky, on the other hand, fails to recognize the formations of unaccented syllables, which thereby precludes his proper understanding of Russian verse form. Compared to the dilettantism of Yasha Chernyshevsky and the poetic poverty of N. G. Chernyshevsky, Godunov-Cherdyntsev’s natural poetic abilities provide exemplary forms. Shapes created from the patterns of unaccented syllables serve to highlight Godunov-Cherdyntsev’s literary abilities. Godunov-Cherdyntsev’s early volume of poetry reveals his artistic potential and provides insight into his search for an ideal linkage between form and content.

Джозеф Шлегель
Формы поэзии: Поэтика Андрея Белого в “Даре” Владимира Набокова

Применяя аналитическую методологию, намеченную Андреем Белым в эссе “Лирика и эксперимент” (1910), статья определяет роль поэзии в “Даре” (1938), последнем русском романе Владимира Набокова. Набоков предоставляет несколько прямых ссылок на поэтику Белого в “Даре”; кроме того, его аналитическая работа Notes on Prosody (1964) также свидетельствует о зависимости Набокова от системы Белого. В этой статье я не только анализирую сочинения главного героя “Дара”, Федора Годунова-Чердынцева, но также оцениваю творческий потенциал двух других персонажей: Яши Чернышевского, страстного поэта-дилетанта, чья жизнь трагически заканчивается самоубийством, и Н. Г. Чернышевского, известного критика радикального направления, чья биография составляет четвертую главу романа. В случае Яши Чернышевского, аналитические методы Белого в итоге играют гибельную роль из-за неспособности молодого поэта вырваться из шаблона подражания. С другой стороны, Н. Г. Чернышевскому не удается распознать формы безударных слогов, что, в конце концов, препятствует правильному пониманию им русской системы стихосложения. По сравнению с дилетантизмом Яши Чернышевского и с поэтической незрелостью Н. Г. Чернышевского, природные поэтические способности Годунова-Чердынцева создают образцовые литературные–формы. Фигуры, созданные из форм безударных слогов, подчеркивают литературные способности Годунова-Чердынцева. Ранняя книга стихов Годунова-Чердынцева обнаруживает его художественный потенциал и проливает свет на его поиски идеальной связи между формой и содержанием.

INÉS GARCÍA DE LA PUENTE
Bilingual Nabokov: Memories and Memoirs in Self-Translation

This article reflects on memories, language, translation and literary creation in the autobiographical oeuvre of Vladimir Nabokov. Nabokov wrote his memoirs first in English (Conclusive Evidence), then self-translated them into Russian (Drugie berega), and created a revised English version (Speak, Memory). I track how his memoirs evolved from English to Russian, the language in which most of the memories narrated took place, and back into English. By including Speak, Memory in my analysis I put to test the results of previous literary studies, which had paid more attention to the English-to-Russian rewriting.

My work first shows that whereas the English rewriting increases the amount of detail in the text, the Russian gives rise to the most emotional changes. Second, I am able to demonstrate that the relationship between narrator and reader is closer in Russian than in English, thus pointing to an aspect of Nabokov’s creation that has often been misinterpreted. Finally, I incorporate the results of psycholinguistic studies on Russian-English bilinguals into my own analysis. I conclude that Nabokov’s bilingual autobiographical self can be better understood through trans-disciplinary research that combines psycholinguistics with translation and literary study.

Инэс Гарсиа дэ ла Пуэнтэ
Двуязычный Набоков: Воспоминания и мемуары в авторском переводе

В данной статье обсуждается тема воспоминаний, языка, перевода и литературного творчества в автобиографических произведенииях Владимира Набокова. Набоков написал свои воспоминания на английском (Conclusive Evidence), затем сам перевел их на русский (Другие берега), и создал обновленную английскую версию (Speak, Memory). Я прослеживаю, как преобразуются его мемуары при переводе с английского на русский, язык на котором происходит большинство описанных воспоминаний, и затем при обратном переводе на английский. Включая Speak, Memory в мой анализ, я подвергаю проверке результаты предыдущих исследований, уделявших больше внимания англо-русскому переводу.

Моё исследование выявляет, что в то время как английский перевод увеличивает количество деталей в тексте, русский перевод приводит к усилению эмоционального тона. Кроме того, я демонстрирую, что отношения между повествователем и читателем ближе в русском варианте, чем в английском, указывая, таким образом, на аспект творчества Набокова, который часто бывает ошибочно истолкован. Наконец, я включаю в свой анализ результаты психолингвистических исследований русско-английских билингвов. Я заключаю, что двуязычное автобиографическое Я Набокова может быть лучше понято с помощью междисциплинарного подхода, комбинирующего психолингвистику с литературными и переводными исследованиями.

VOLUME 59, NUMBER 3 FALL 2015

ALEXANDER V. MAIOROV
The Cult of St. Daniel the Stylite among the Russian Princes of the Rurik Dynasty

The influence of Grand Princess Euphrosyne (second wife of Prince Roman Mstislavovitch) explains the appearance among the Galician-Volhynian princes of Christian names which were unusual and unique for the Rurikides. This is the name Daniel, which was later included into the name list of the Moscow princes. This name spread among the princes due to the expansion of the cult of St Daniel the Stylite and the rising interest in the attributes of Stylitism. This can be seen in sphragistics and in the numerous architectural monuments of Galician-Volhynian Rus' of the 13th–early 14th century. Thanks to the family links between the Galician-Volhynian and the Vladimir-Suzdal princes, this cult spread in the North-Eastern Rus' and later to Moscow.

The fact that Euphrosyne of Galicia was the daughter of Basileus Isaak II explains the unexpected rise of interest in Stylitism among the princes of Rus' and their milieu. According to Niketas Choniates, Emperor Isaak II especially sympathized with the Stylites and the ascetics and patronized them. Thus he astonished his contemporaries, since the Stylites had lost the influence over the emperors that they had exerted at the time of iconoclasm. The Byzantine hagiography concerning Sts. Daniel the Stylite and Leo the Great Tsar explains the connection between the names of Daniel and Leo among the descendants of Roman Mstislavich. Daniel the Stylite was the spiritual father and the main adviser of Emperor Leo I. Apparently this relationship was reflected in the names of the father and the son, the Galician-Volhynian princes Daniel Romanovich and Lev Danilovich.

Александр В. Майоров
Культ святого Даниила столпника среди Рюриковичей

Влиянием великой княгини Евфросинии (второй жены князя Романа Мстиславича) объясняется появление среди князей Галицко-Волынской Руси необычных и уникальных для Рюриковичей христианских имен. Это, прежде всего, имя Даниил, которое впоследствии вошло также в именослов московских князей. Появление такого имени в княжеской среде связано с распространением культа Святого Даниила Столпника и растущим интересом к атрибутам столпничества. Подтверждение этому можно видеть в сфрагистике и многочисленных архитектурных памятниках Галицко-Волынской Руси XIII – начале XIV веков. Благодаря семейным связям между галицко-волынскими и владимиро-суздальскими князьями этот культ распространился в Северо-Восточной Руси, а позже в Москве.

Тот факт, что Евфросиния Галицкая была дочерью византийского императора Исаака II Ангела, объясняет неожиданный рост интереса к столпничеству среди князей Древней Руси и их окружения. Согласно Никите Хониату, император Исаак II испытывал особый интерес к столпникам и другим христианским подвижникам и всячески покровительствовал им. Подобное отношение поражало его современников, поскольку столпники уже давно потеряли влияние на императоров, которым они пользовались ранее, до эпохи иконоборчества. Византийская агиографическая традиция относительно Святых Даниила Столпника и Льва Великого Царя объясняет связь между именами Даниил и Лев среди потомков Романа Мстиславича. Даниил Столпник был духовным отцом и главным советником императора Льва I. По-видимому, эта связь была отражена в именах отца и сына, галицко-волынских князей Даниила Романовича и Льва Даниловича.

ALEXANDER ZHOLKOVSKY
Performance as Power and Power as Performance in “Belshazzar’s Feasts” by Fazil Iskander

The story of “Belshazzar’s Feasts,” from the three-volume saga Sandro of Chegem , first saw light in the United States in 1979 -- not in Russia, where it was written in 1973 but could only be published in 1988. Iskander’s brilliant portrayal of Stalin puts the novella on the same level as The First Circle by Solzhenitsyn. The fictional plot revolves around Uncle Sandro’s participating in a dance concert in the presence of Stalin in 1935. He impresses Stalin with his act, sliding all the way up close to Stalin on his knees while blinded by his hood pulled over his eyes. But Stalin suspects he has seen the man before. The secret of their first encounter will ensure the suspense of the narrative, focused on the feast in an Abkhazian sanitarium honoring Stalin and featuring his inner circle: Beria, Voroshilov, Kalinin and others.

Iskander’s plot construction is remarkable for its theatricality. His characters do not so much communicate verbally as perform before each other. Often they keep silent, but strike telling postures and assume marked facial expressions. When they do speak, rather than stating what they mean, they say something else, expecting the other to infer their message from the silent language of mime. Reading Iskander, one is immersed in intense semiotic interaction. His “theatrical scenes” are often power plays—“symbolic duels” at times, and at other times combat between an underdog and an authority figure bent on crushing the resistance or even the personality of the opponent.

The essay does justice to the rich intertextual background of the novella, featuring, among others, motifs from Alexander Pushkin’s Captain’s Daughter (and the broader Walter-Scottian topos of encounters of the everyman protagonist with a major historical figure), Friedrich Schiller’s drama William Tell , and the Bible’s Book of Daniel .

Александр Жолковскиий
СЕМИОТИКА ВЛАСТИ И ВЛАСТЬ СЕМИОТИКИ. «Пиры Валтасара» Фазиля Искандера

Рассказ «Пиры Валтасара» из трехтомной саги Сандро из Чегема не вошел в состав подцензурной новомирской публикации (1973) и отдельного книжного издания (1977), впервые увидел свет в США (1979), а на родине был напечатан только во время перестройки (1989). Это вымышленная история выступления, в 1935 г., дяди Сандро, члена абхазского танцевального ансамбля, перед Сталиным. Сталин восхищен его эффектным номером: он подлетает к ногам вождя вслепую, с башлыком опущенным на глаза. Но Сталин подозревает, что он уже где-то видел этого «абрека». Потрясающей разгадки их первой встречи читателю приходится ждать до конца рассказа, а тем временем глазами Сандро даются картины пира в абхазском санатории, устроенного вождем Абхазии Нестором Лакобой в честь Сталина. Среди гостей – Берия, Ворошилов, Калинин…

Характерная черта искандеровского письма -- пристрастие его персонажей ко всякого рода «пантомимам», превращающее сюжет в серию своего рода семиотических игр. Перед нами своеобразный театр мимики и жеста. Персонажи не столько общаются напрямую, сколько разыгрывают друг перед другом сценические этюды. Часто они делают это молча, а говорят не столько то, что думают сколько то, что заставит собеседника прийти к желанному для говорящего выводу. Со своей стороны, собеседник напряженно вчитывается в разыгрываемые перед ним пантомимы. Читая Искандера, мы погружаемся в мир напряженного семиотического взаимодействия. Эти театральные сценки иногда носят характер символических поединков, соперничества равных или борьбы между отстаивающим себя подчиненным и пытающейся подавить его властной фигурой. В «Пирах Валтасара» этот театральный мотив предстает во множестве разновидностей, пронизывает текст и работает на центральную в нем тему власти.

В статье учитывается богатый интертекстуальный фон рассказа, включающий, среди прочего, «Капитанскую дочку» Александра Пушкина (и стоящий за ней вальтер- скоттовский топос очной ставки рядового героя с властителем), драму «Вильгельм Телль» Фридриха Шиллера и библейскую книгу пророка Даниила.

JACOB EMERY
Danilo Kiš’s Metafictional Genealogies

This article describes the metaphorical identification of genealogy and language that is central to Danilo Kiš’s overarching project. In The Family Cycle and “The Encyclopedia of the Dead,” the documentation of history and the continuity of generations are worked into a single figurative system. This system has three major functions. First, children and texts complexly interact in the larger endeavor to preserve traces of the fragile past into an uncertain future. Second, the compulsion to identify with dead generations dramatizes the attractions and dangers inherent in fiction—overidentification with a character that overwhelms the reader’s or writer’s personality on the one hand, promiscuous dissolution into a world of metaphor on the other. Finally, genealogical figures form a metapoetic level that mirrors and focuses interpretation of the literary text. Notably, the dialectic between narrative and genealogy illuminates the hermeneutic circle in which finite texts appear as fragmented miniatures of some universal text, a book of nature or a “whole life.”

Sažetak Džejkob Emeri
Metapoetička geneologija Danila Kiša

Ovaj essej opisuje metaforičku identifikaciju jezika i geneologije koja igra centralnu ulogu u prozi Danila Kiša. U Porodičnom cirkusu i Enciklopediji mrtvih istorijska dokumentacija i kontinuitet generacija uvedeni su u isti figurativni sistem s tri glavne funkcije. Prvo, deca i tekstovi kompleksno utiču jedno na drugoga u težnji da se sačuvaju tragovi krhke prošlosti na putu u nesigurnu budućnost. Drugo, kompulsivnost identifikacije s mrtvim pokolenjima dramatizuje draži i opasnosti inherentne u književnosti: s jedne strane, preterano identifikovanje s junakom -- do te mere da nadvlada ličnost čitaoca (ili pisca), ili s druge strane, nekritičko rastvaranje u poetički svet. I treće, geneološke figure ostvaruju metapoetički nivo, u kojem se odražava tekst i fokusira njegova interpretacija. Važno je pomenuti i da dijalektika pripovesti i geneologije rasvetljava hermeneutički krug, u kojem se ograničeni tekstovi pojavljuju kao minijaturni fragmenti nekog univerzalnog teksta, knjige prirode ili „čitavog života”.

ANASTASIA KOSTETSKAYA
Symbolism in Flux: the Conceptual Metaphors of World Liquescence across Media, Genres, and Realities

“Symbolism in Flux: the Metaphor of World Liquescence across Media, Genre and Realities” examines cultural implications of conceptual metaphor, in this case the metaphor of liquescence of the human emotional domain. The central question discussed in my paper is how poetics of water is metaphorically present in visual discourses of boundary transgression and blending, both static and dynamic, namely painting and film of the Russian Symbolist period. In my analysis of the painterly and cinematic texts selected, I apply concepts from cognitive linguistics, specifically Conceptual Metaphor Theory and Conceptual Blending Theory that see the roots of the human proclivity for metaphor in somatic embodied experiences. They provide tools and terms useful for theorizing discourses that implement the “water principle” as their modus operandi in approaching various metaphysical issues. They are particularly instrumental within the specific historical-cultural context of Russian Symbolism with its close attention to stirrings of the soul which in many cases are expressed via the “water metaphor.” I look at representations of the conceptual blend fusing human and water ontologies in these “Silver Age” texts: two paintings by V. Borisov-Musatov and two scenes from a film by E. Bauer. The innovative aspect of my work is found in my applying it to interacting art forms, which supports the central stance of Conceptual Metaphor Theory: that metaphor is not just a figure of language, but first and foremost, a figure of thought.

Анастасия Костетская
Символизм в своем теченьи: метафора жизни как океана, размывающего границы между видами искусства, жанрами и мирами

Эта статья исследует культурную специфику метафоры, которая представляет мир людей, в первую очередь, эмоциональную сферу, как мир водный. В центре внимания моей статьи - вопрос о том, как поэтика воды метафорически присутствует в зримых образах размывания границ или слияния, как статичных, так и динамичных, а именно, в живописи и кино периода русского символизма. Анализируя живописные и кинематографические тексты, я использую понятия из области когнитивной лингвистики: теория концептуальной метафоры и теория концептуальной интеграции (слияния) видят корни человеческой способности к метафоризации в физическом опыте нашего тела. Такой подход позволяет теоретическое осмысление дискурсов, использующих “водный принцип” в качестве своего основного метода. Этот принцип прослеживается в метафизике русского символизма, уделявшего особое внимание тончайшим движениям души, которые в русском языке в большинстве случаев передаются при помощи “водной” метафоры. Я рассматриваю примеры концептуальной метафоры, в которой человеческое и водное сливаются воедино, на примере следующих текстов “серебряного века”: двух полотен В. Борисова-Мусатова и двух эпизодов из фильма Е. Бауэра. Инновационным аспектом моей работы является применение лингвистической теории к анализу находящихся в интенсивном взаимодействии невербальных форм искусства. Это подкрепляет центральное положение концептуальной теории метафоры о том, что метафора – это не только фигура языка, но, прежде всего, фигура мысли.

OSCAR E. SWAN
Polish ‘Partner Nouns’: Their Varieties, Countability, and Gender

This paper examines the varieties and gender status of ‘partner nouns’ in Polish, including wujostwo ‘uncle and wife’, profesorostwo ‘professor and wife’, and other such nouns which belong to a dying breed of nouns referring to marital partners. As small as this class of nouns is, their examination raises several issues. Among other things it involves us in an examination of whether or not partner nouns can combine with numerals, for on this question, according to Saloni 1976, their gender, or agreement class (soglasovatel'naja klassa, after Zaliznjak 1964), depends. After discussing partner nouns as a lexical-semantic class, including their socio-linguistic aspect (from the contemporary point of view, their commonly perceived sexism), we direct attention to the question of the agreement class of partner nouns in - (o)stwo based on their combinability, or lack of it, with numerals. We conclude that they are logically countable, but that in practice they are not counted for lack of need, the lack of an appropriate counting model, and because of the existence of a serviceable paraphrase model for avoiding having to count them. In the end, we conclude that, in any case, numerical combinability cannot be used as a reliable indicator of gender in Polish, because the system of collective numerals on which it is mainly based is atrophying and unstable. As to their gender, in Contemporary Standard Polish partner nouns in -(o)stwo appear to be in the final stages of changing from masculine personal plural gender to neuter¸ a changeover that seems largely to have escaped the notice of normative grammarians.

Oscar E. Swan
“Rzeczowniki partnerskie” w języku polskim: ich odmiana, policzalność, rodzaj

Niniejszy artykuł analizuje odmianę i status rodzajowy w języku polskim tak zwanych ‘rzeczowników partnerskich’, takich jak: wujostwo ‘wujek i jego żona’, profesorostwo ‘profesor i jego żona’, generałostwo ‘generał i jego żona’ i innych tego typu rzeczowników, należących do powoli zanikającej klasy rzeczowników odnoszących się do par małżeńskich. Badanie tej liczebnie niewielkiej klasy rzeczowników rodzi szereg problemów. Powstaje między innymi pytanie, czy rzeczowniki partnerskie mogą łączyć się z liczebnikami, bo od tej kwestii, zgodnie z Zygmuntem Salonim (1976), zależy ich klasa zgody (soglasovatel'naja klassa , Zaliznjak, 1964). Po omówieniu rzeczowników partnerskich jako klasy leksykalno-semantycznej, w tym ich aspektu socjolingwistycznego (ze współczesnego punktu widzenia, ich nagminnie postrzegany seksizm), poświęcamy uwagę kwestii klasy zgody rzeczowników partnerskich na - (o)stwo w oparciu o ich łączliwość, lub brak łączliwości, z liczebnikami. Dochodzimy do wniosku, że są one logicznie policzalne, ale w praktyce nie bywają policzalne z powodu braku takiej potrzeby, braku odpowiedniego modelu policzenia, jak również z powodu istnienia prostego modelu parafrazy pozwalającego na uniknięcie konieczności ich policzenia. W końcu dochodzimy do wniosku, że bez względu na inne rodzące się pytania, łączliwość z liczebnikami nie może być stosowana jako wskaźnik rodzaju gramatycznego w języku polskim, dlatego, że system liczebników zbiorowych, na którym teoria ta głównie się opiera, jest niestabilny i znajduje się w stadium daleko posuniętej atrofii. Jeśli chodzi o ich rodzaj, to we współczesnym języku polskim polskie rzeczowniki partnerskie zakończone na - (o)stwo są w końcowej fazie przejścia z rodzaju męskoosobowego na rodzaj nijaki—procesu, którego opis w dużej mierze umknął uwadze gramatyków normatywnych.

VOLUME 59, NUMBER 2 SUMMER 2015

MICHAEL WACHTEL
Charts, Graphs, and Meaning: Kiril Taranovsky and the Study of Russian Versification

The present paper reviews a classic work of scholarship on Russian verse, Kiril Taranovsky’s Russian Binary Meters. The analysis demonstrates that the two sections of the book are tacitly at odds with each other, and that the more famous second part (on “regressive accentual dissimilation,” and more generally the evolution of rhythmic patterning in various meters) does not fully take into account the observations of the first part (on accentuation in Russian verse). In particular, two elements are missing from the second part: the role of hypermetrical stress and the relative strength of stresses on strong syllables. Taranovsky recognized these phenomena, but they are nowhere reflected in his statistical data and conclusions, presumably because to take them into account would require an element of subjectivity. Taranovsky and his followers were proud that they could produce verifiable (repeatable) results. However, these results can only be repeated by scholars who agree on the same strict set of rhythmic conventions. The author of this essay argues that these conventions are oversimplifications. By omitting the question of hypermetrical stress, Taranovsky ignores some of the most important and memorable lines of Russian poetry. And by disregarding the question of relative stress, he creates an “acoustical” model of poetry that in no way corresponds to how it is actually recited. The paper ultimately suggests that scholars of verse should be more concerned with poetry as performance and less with the attempts to turn verse rhythm into an exact science.

Майкл Вахтель
Таблицы, диаграммы и семантика: стиховедение Кирилла Тарановского

Настоящая работа посвящена ключевой в истории русского стиховедения книге Кирилла Тарановского «Русские двусложные размеры». В ней есть некоторое несовпадение двух частей исследования. Знаменитая вторая часть (в которой формулируется принцип «регрессивной акцентной диссимиляции» и рассматривается историческое развитие ритмики разных размеров) не принимает в расчет некоторые наблюдения первой части о метрических константах, доминантах и тенденциях. В частности упускаются из виду две существенные проблемы: сверхсхемные ударения и неравномерность ударений на сильных иктах. Тарановский прекрасно понимал эти проблемы, но они никак не отражены в его подсчетах и выводах, скорее всего потому, что их анализ требовал определенной доли субъективности. Тарановский гордился тем, что его результаты можно верифицировать и будущие исследователи должны будут прийти к тем же выводам. А на самом деле его результаты повторяются только когда ученые принимают те же условности в характеристике ритма, что и Тарановский. Автор данной работы считает, что такие условности упрощают суть русской ритмики. Избегая проблемы сверхсхемного ударения, Тарановский игнорирует некоторые особо памятные и существенные для русской поэзии строки. А когда он предполагает, что все сильные икты равноударны, он создает акустическую модель русского стиха, которая никак не соотносится с тем, как стих звучит на самом деле. В заключение автор статьи утверждает, что попытка Тарановского сделать стиховедение точной наукой, при всех ее несомненных достижениях, страдает тем, что основана на упрощенных предпосылках. Важен не только письменный/печатный текст, но и текст произносимый.

TIMOTHY D. SERGAY
“A Music of Letters”: Reconsidering Eikhenbaum’s Melodics of Verse

Boris Eikhenbaum’s daring study of verse intonation, The Melodics of the Russian Lyric Verse [Melodika russkogo liricheskogo stikha], published by OPOIAZ in 1922, was a landmark text in Eikhenbaum’s biography and the history of Russian Formalism. This retrospective review-essay sets Melodics in multiple contexts. These include the “phonocentrism” of early 20th-century Russian culture, the interest in Germano-American Ohrenphilologie (aural or acoustic philology) shared by scholars of the Institute of the Living Word; Eikhenbaum’s estrangement from both the linguistics of Eduard Sievers and the circumspect academicism represented by his friend Viktor Zhirmunsky; his attraction to the early Formalist concepts of Viktor Shklovsky and Osip Brik; and even, despite his initial revulsion for Futurism, his acceptance in verse-study methodology of a Futurist concept of considerably desemanticized poetic language. A methodological critique of Melodics and related articles correlates Eikhenbaum’s interest in verse declamation with the concept of osmyslennaia intonatsiia [“meaningful or conceptualized intonation”] then being developed by the musicologist Boris Asafyev. Eikhenbaum, a serious student of the violin and piano, and the composer-theorist Asafyev noted one another’s work on speech intonation with great sympathy. They shared an interest in Mussorgsky’s conscious derivation of melos from speech, but their models of intonation, it is argued here, proved incompatible, even antithetical. A review of logical conundrums in Melodics, partly supported by Zhirmunsky’s contemporary review, focuses on a contradictory relationship to a causative model of linguistics and “technical” empiricism, and a fundamental petitio principii in Eikhenbaum’s presumption that in verses of “the melodious type” “the melodic use of speech intonation is the fundamental factor in their composition” (Melodics 17). What remains of permanent value in Melodics is a body of brilliant syntactical observations on Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, Tiutchev, and Fet. As Eikhenbaum himself argued: “theories perish or change, but the facts discovered and established with their help remain” (Melodics 195).

Тимоти Сёргэй
"Музыка букв": Еще раз о "Мелодике стиха" Эйхенбаума.

Первые десятилетия ХХ-го века были эпохой заостренного интереса к «звучащей литературе», к «звучащему», «живому» слову в русской культуре, в особенности в области филологии, в среде ранних «формалистов», но не только. Данная статья посвящена ретроспективному и несколько обобщающему разбору блестящей штудии молодого опоязовца Бориса Эйхенбаума «Мелодика русского лирического стиха» (1922 г.) — знакового текста в традиции русской “Ohrenphilologie”, то есть (в переводе С.И. Бернштейна), «произносительно-слуховой филологии». Рассматривается «Мелодика» в контексте жизненных и научных обстоятельств написания, в том числе, в сети личных и интеллектуальных отношений автора с Виктором Жирмунским, Виктором Шкловским и другими. Рассматривается «Мелодика» еще и в контексте определенного «массива» тематически связанных с ней эйхенбаумовских статей, вышедших в основном в газете «Жизнь искусства» и посвященных таким проблемам, как «иллюзия сказа», поэзия и проза, чтение стихов. Привлекаются данные и наблюдения таких биографов и знатоков Эйхенбаума, как М.О. Чудакова, Е.А. Тоддес, Р.О. Якобсон, Carol J. Any, James M. Curtis, И.П. Смирнов, и др. Основное внимание в статье сосредоточено сначала на сопоставлении трактовок роли «речевой интонации» в стиховедческих работах Эйхенбаума, с одной стороны, и в музыковедческих и педагогических работах выдающегося музыковеда, почти ровесника Эйхенбаума (и лично знавшего его) Бориса Асафьева, с другой. Затем рассматриваются удивительная далекость методологии Эйхенбаума в «Мелодике» от «технической», эмпирической лингвистики и музыковедения и связь этой методологии с его общим «раннеформалистским» поиском «художественно-абстрактного замысла» литературного текста. Именно в абстрактном и расслоенном видении художественного слова сказывается глубокий пересмотр Эйхенбаумом его первоначального отвращения к русскому футуризму. Можно в общем согласиться с выводом Жирмунского, что в «Мелодике» именно мелодика ускользает от внимания молодого Эйхенбаума и заменяется чисто синтаксическими данными. Зато «Мелодика» остается кладезем метких наблюдений над синтаксическими особенностями лирических стихов «напевного типа» у Жуковского, Пушкина, Лермонтова, Тютчева и Фета.

OLGA PETERS HASTY
Dancing Vowels: Mandelstam in the Mouth

This article centers on Osip Mandelstam’s reading of his 1922 lyric «Я по лесенке приставной», which I consider in light of declamation studies of the time and the subsequent observations on vowels made by linguists who discounted those studies. I first provide a sketch of the work of Sergei Bernshtein and Sofia Vysheslavtseva, two declamation theorists who were personally acquainted with Mandelstam and whose work both informed and was, in turn, informed by his declamations. I then go on to reflect on what we can glean from the way Mandelstam reads his lyric. Taking my cue from Bernshtein’s and Vysheslavtseva’s emphasis on the motor experience of poetry and from Mandelstam’s own privileging of vowels in his reading, I chart the movement of the tongue that the articulation of these vowels demands. This reveals what might be called choreography in the mouth – gestural patterns that lead into a somatic experience of the poem and provide it with an additional layer of structure. I close by thinking about what is lost when the oral realization of a poem is disregarded.

Ольга Петерс Хейсти
Танцующие гласные: Звучащий Мандельштам

Статья анализирует декламацию Осипом Мандельштамом стихотворения «Я по лесенке приставной» (1922), которая рассматривается, с одной стороны, в связи с теориями декламации того времени, а с другой, в соответствии с последующими наблюдениями над гласными лингвистов, отрицавших эти теории. Вначале дается краткое описание работ Сергея Бернштейна и Софьи Вышеславцевой, двух теоретиков декламации, которые были лично знакомы с Мандельштамом. Основываясь на значимости, которую Бернштейн и Вышеславцева придавали моторным импульсам, а также на подчеркнутом выделении гласных самим Мандельштамом при чтении своих стихов, я предлагаю таблицу, прослеживающую движение языка, произносящего ударные гласные данного стихотворения. Таким образом выявляются артикуляционные жесты, которые способствуют соматическому восприятию стихотворения и создают дополнительный уровень его структуры. В заключение говорится о потерях, связанных с игнорированием того, как поэзия воспринимается на слух.

SARA FELDMAN
Jewish Simulations of Pushkin’s Stylization of Folk Poetry

This article examines the prosody and other features of Hebrew and Yiddish translations of Eugene Onegin , which were composed as a part of Ashkenazi Jewish cultural movements in Eastern Europe, Russia, and Palestine. Russian literature played an important role within the history of modern literature in both Hebrew and Yiddish. Translating Russian literature tested the limits of the literary Yiddish and Hebrew languages. Due to the novel’s status in the Russian canon and its poetic forms, translating it was a coveted literary challenge for high-culture artistic production in Jewish languages. I examine this phenomenon using Pushkin’s simulation of folk poetry in the “Song of the Girls.” Due to the different social and textual functions of Yiddish and Hebrew, as well as their linguistic features, translatability of even formal characteristics differed from one Jewish language to another. The changes in Hebrew pronunciation during this period were reflected clearly in the changing limits of the ability of writers to translate Onegin . Though motivated by an inward-facing drive to produce modern and Western literature in one Jewish language or another, these translations were also a manifestation of the cultural bond between secular, East European Jewish intellectuals and Russian literature.

Сара Мириам Фельдман
Еврейские подражания русским стилизациям народной поэзии

Статья рассматривает просодию и другие особенности переводов «Евгения Онегина» на иврит и на идиш. Русская литература играла важную роль в становлении современной еврейской литературы на этих двух языках. Кроме того, перевод русской литературы способствовал развитию иврита и идиша как литературных языков. Еврейские переводы центрального текста русской литературы, выполненные с сохранением онегинской строфы, способствовали созданию современной высокой культуры на еврейских языках. Я рассматриваю этот феномен через стилизацию Пушкиным народной поэзии в «Песне девушек». Благодаря различиям в социальных и текстуальных функциях идиша и иврита (а также их различающимся лингвистическим характеристикам), переводимость русских «народных» стихов на каждый из этих языков зависела от его свойств. Например, изменения в произношении иврита, которые имели место в данный период, повлияли на особенности переводов «Евгения Онегина» на этот язык. Хотя побуждением еврейских переводчиков было желание создать современную литературу западного типа на идише или иврите, эти переводы также свидетельствовали о культурной связи между восточно-европейской еврейской интеллигенцией и русской литературой.

ייִדישע סימולאַציעס פֿון רוסישער סטיליזאַציע פֿון פֿאָלק-פּאָעזיע
שׂרה פעלדמאַן

דער אַרטיקל באַהאַנדלט דער פֿראָזאָדיע און די אַנדערע אָפּשייד-סימנים פֿון די ייִדישע (פֿון א. י. גראָדזענסקין און לייב ניידוסן) און העברעיִשע (פֿון דוד פרישמאַנען, אַבֿרהם שׁלאָנסקין, און אַבֿרהם לעווינסאָנען) איבערזעצונגען פֿון "יעווגעני אָנייגין". די איבערזעצערס האָבן אַן אָנטייל גענומען אין די ייִדישע קולטורעלע באַוועגונגען אין מזרח-אייראָפּע, רוסלאַנד, און פּאַלעסטינע. ווען מע האָט איבערגעזעצט די רוסישע ליטעראַטור, האָט מען איינצײַטיק אויפֿגעדעקט די גבֿולות און אויסגעברײַטערט די מעגלעכקײַטן פֿון די ייִדישע שפּראַכן. דאָס איבערזעצן פֿון דעם וויכטיקן און באַוווּסטן רוסישן ראָמאַן, מיט זײַנע קאָמפּליצירטע פֿאָרמען, איז געווען אַן אַמביציענער אַרויסרוף פֿון דער אויסאַרבעטונג פֿון דער הויכער קולטור אין די ייִדישע שפּראַכן. די דערשײַנונג איז דאָ אויסגעפֿאָרשט דורך פּושקינס סטיליזאַציע פֿון פֿאָלקסלידער אין "דאָס ליד פֿון די מיידלעך". צוליב די באַזונדערע סאָציעלע און טעקסטועלע פֿונקציעס פֿון ייִדיש און העברעיִש, ווי אויך זייער שפּראַכיקע פּראָטים, זײַנען אַפילו די טעכנישע פּראָטים ניט געווען איבערגעזעצט גלײַך אין די צוויי שפּראַכן. ווײַל די הבֿרה פֿון דער העברעיִשער שפּראַך האָט זיך געביטן, באַווײַזן די פֿארשיידענע העברעיִשע איבערזעצונגען די אַנטוויקלונג פֿון דער העברעיִשער הבֿרה און פּראָזאָדיע. הגם די איבערזעצערס האָבן געהאַט אַ מאָטיוואַציע צו שרײַבן מאָדערנע, מערבֿדיקע ליטעראַטור אויף די צווי ייִדישע שפּראַכן, האָבן זיי אויסגעזאָגט דאָס ײִדיש-רוסישע קולטורעלע שׁײַכות.

EDWARD WAYSBAND
Vladislav Khodasevich’s “On Your New, Joyous Path” (1914–1915): The Russian Literary Empire Interferes in Polish-Jewish Relations

This paper contextualizes Khodasevich’s unfinished poem “On Your New, Joyous Path” (1914–1915) as his poetic response to his precarious Russian-Polish-Jewish self-awareness as well as to contemporary Polish-Jewish tensions. I argue that for both predicaments, Khodasevich proposes an identical solution: the redemptive assimilation into Russian imperial, supranational culture. This vision crystallized during World War I. At that time, the key dichotomy underlying Khodasevich’s imperial project – between the national and the imperial – took the form of opposition between Polish particularism and the universalism of Russian culture. Yet an attempt to realize this vision in the poem discussed underscores its inner ambiguity, since it reinforces clear-cut imperial narratives of Russia as the epitome of humanitarian values while leaving the logic of imperial power struggle untouched. Conflicting Jewish and Polish identities and the historical circumstances of the Polish-Jewish tensions are considered as a context for the poem’s vision of Russian messianic superiority. In conclusion, I discuss the reception of Khodasevich’s assimilatory project by his target audience.

Эдуард Вайсбанд
Стихотворение Владислава Ходасевича «На новом, радостном пути» (1914–1915): Русская литературная империя вмешивается в польско-еврейские отношения

Данная статья рассматривает незаконченное стихотворение Ходасевича «На новом, радостном пути» (1914–1915) в качестве поэтической реакции на противоречия в его русско-польско-еврейском самосознании, а также на осложнения польско-еврейских отношений в начале Первой мировой войны. Целью статьи является показать, что в обоих случаях Ходасевич видит русскую имперскую, наднациональную культуру способной примирить личностные и национальные конфликты. Во время Первой мировой войны ключевая для имперского видения Ходасевича дихотомия между «национальным» и «имперским» приняла форму оппозиции между польским партикуляризмом и универсализмом русской культуры. Однако попытка реализовать эту установку в обсуждаемом стихотворении обнаружила ее внутреннюю неоднозначность, поскольку провозглашая Россию олицетворением общегуманистических ценностей, такая установка одновременно утверждала русскую патерналистскую позицию в отношении Польши. Противоречия в польско-еврейской идентичности Ходасевича и исторические обстоятельства польско-еврейского конфликта привлечены в качестве контекста для утверждения в стихотворении мессианского превосходства России по сравнению с Польшей. В заключительной части статьи я обсуждаю рецепцию русского культурного империализма Ходасевича кругом его современников.

ALEXANDER NAKHIMOVSKY
Toward a History of the Soviet Language: Archival Documents, Electronic Sources, and the National Corpus

The subject matter of this paper is the "Soviet language" (SovYaz for short), a variety of Russian that was used in official contexts during the Soviet period. The use of the term "Soviet language" does not signify a commitment to viewing it as a language or a dialect in the linguistic sense. The question of whether SovYaz is, in fact, a social dialect sensu stricto, is beyond the scope of this paper and irrelevant to its purposes, although the materials presented here may help clarify the argument.

This study of SovYaz seeks to utilize three relatively recent developments: newly opened archives with previously unimaginable sources of linguistic data; abundant searchable texts in electronic form; and a powerful new research tool, the National Corpus of the Russian Language (NCRL). The goal is methodological--to illustrate an approach to the study of SovYaz made possible by these new developments.

The paper makes extensive use of the following procedure. First, a feature of SovYaz is identified in two documents selected for close reading, one a newspaper article, the other a top-secret NKVD report. That feature is then traced through other sources, including NCRL. The evolution of the feature is followed from the pre-revolutionary period to later times, sometimes all the way to the 21st century. Finally, the feature is described in some detail. In my experience, the emergence of the National Corpus makes possible a research methodology that transcends a close reading of selected documents but works well with it.

Александр Нахимовский
Заметки к истории советского языка: архивные материалы, оцифрованные документы и Национальный Корпус Русского Языка

Настоящая статья предлагает новый подход к изучению истории «советского языка». (В статье используется сокращение СовЯз [SovYaz].) В статье не предполагается, что «советский язык» действительно представляет собой особый язык или социо-диалект: эта проблема остается за пределами статьи и никак не относится к ее целям, хотя предложенные результаты могут оказаться полезными при дальнейшем обсуждении проблемы.

Статья основывается на трех сравнительно недавних обстоятельствах: открытый доступ ко многим архивам, которые содержат прежде невообразимые объемы лингвистических данных; обилие оцифрованных текстов, по которым можно совершать поиск; и Национальный Корпус Русского Языка. Это открывает возможности для новых подходов к теме. Настоящая статья представляет некоторые методологические принципы и предварительные результаты.

В статье часто используется следующая процедура. Во-первых, в результате внимательного прочтения избранных документов (газетная статья, доклад НКВД), обнаруживается некая специфическая черта СовЯза. История этой черты прослеживается в группе оцифрованных документов и в Корпусе Русского Языка, с момента первого появления в Корпусе до настоящего времени. Это позволяет детально описать особенности этой лингвистической черты и ее эволюцию. Можно утверждать, что возникновение Корпуса Русского Языка делает возможной новую методологию, которая включает в себя кропотливое прочтение отдельных документов, но также служит основанием для более объективного анализа.

VOLUME 59, NUMBER 1 WINTER 2015

Dušan Radunović
On “Secondary Aesthetics, Without Isolation” : Philosophical Origins of Bakhtin’s Theory of Form

This paper discusses the philosophical origins as well as the social context of Mikhail Bakhtin’s theory of aesthetic form. Bakhtin’s critique of the Russian Formalist conception of form, which reaches its most elaborate form in his 1924 article “The Methodological Questions of Literary Aesthetics” (“K voprosam metodologii estetiki slovesnogo tvorchestva”), is methodologically rooted in various strands of neo-Kantian philosophy and aesthetics, most notably, in the works of Hermann Cohen and Broder Christiansen. It was from the neo-Kantian philosophical repertoire that Bakhtin derived his foundational argument that aesthetic activity represents a “secondary creation.” Art, according to Bakhtin, stands in contrast to the “primary creative acts” of cognition and ethical judgment, hence it encounters a “reality” that had already been articulated and ordered by cognitive and moral acts. In keeping with this principle, Bakhtin postulates that the aesthetic act is the reassessment of, rather than a direct intervention into, empirical reality. In this constellation, artistic form is seen as the quintessential achievement of aesthetic activity that incorporates, but is categorically irreducible to, cognitively and ethically inarticulate material. Having traced the philosophical origins of Bakhtin’s meditation on form in turn-of-the-century German neo-Kantianism, the paper finally aims to appraise Bakhtin’s inquiry into aesthetic form, especially his emphatic rebuttal of the Russian Formalist assertion of the idea of aesthetic autonomy, against the background of more general trends in the humanities, both European and Russian, toward the separation and specialization of disciplines. Bakhtin’s neo-Kantian unitary vision of arts and humanities, the paper concludes, was fundamentally in conflict with the modernizing tendency in arts and humanities, the offshoots of which he recognized, and thus fervently denied, in a number of contemporaneous artistic and intellectual movements and practices.

Душан Радунович
О «вторичной эстетике, без изоляции»: Философские корни бахтинской теории формы

Тема данной статьи—социальные и философские предпосылки ранней концепции художественной формы Михаила Бахтина. Главным стремлением молодого Бахтина было отвергнуть в методологическом смысле концепцию «формы как материала», развиваемую его современниками—русскими формалистами. Бахтинская критика формалистской эстетики формы, которая получает наиболее развитое выражение в статье «К вопросам методологии эстетики словесного творчества»(1924), основана на предпосылках неокантианской философии, прежде всего, на эстетических концепциях Германна Когена и Бродера Христиансена. Из репертуара немецкого неокантианства Бахтин также заимствует свой ключевoй аргумент—что эстетическая деятельность является ≪вторичным творчеством≫. В отличие от ≪первичных≫ актов познания и морального суждения, искусство ≪преднаходит≫ упорядоченную действительность, которая уже оценена познанием и этическим суждением. Таким образом, Бахтин утверждает, что художественное творчество является скорее переоценкой эмпирической дей- ствительности, чем прямым вторжением в эмпирическую действительность. При таком подходе художественная форма является существенным признаком/ выражением вторичной, оценочной эстетической деятельности, фундаментально несводимой к познавательно и этически неопределяемому понятию материала. Наиболее значимым моментом бахтинской теории является понятие эстетического объекта. Скорее психическое, чем материальное понятие, эстетический объект является результатом формальной деятельности по преимуществу; таким образом, Бахтин считает именно эстетический объект сверхзадачей эстетического анализа. Статью завершает оценка резкой критики Бахтиным концепции эстетической автономии, развитой представителями русского формализма. Автор статьи заключает что, в соответствии с традиционными взглядами неокантианства на будущее гуманитарных наук, цель бахтинской критики идеи эсте- тической автономии, так же как и его критики формалистской эстетики формы– отрицание процесса модернизации и специализации научных дисциплин.

Eliezer Papo
The Last Supper and “Kneževa večera,” Parallels and Their Resonances in Traditional Christian and Serbian Folk Culture

The New Testament episode of the Last Supper has powerful images of the suffering Jesus; of Judas, the evil disciple who betrayed him; and of Peter, the good but fainthearted disciple, who—torn between his loyalty to Jesus and his self-preservation instinct—denied his master three times in the course of a few hours, only to re-emerge as one of Christ’s most faithful apostles. This episode does not only reflect the relation of the early Church to the Jews but was also used for centuries to construct and reconstruct the relations between the two religious communities. Symptomatically, the name of the disciple who plays a diabolical role in the scene, Judas, is an eminently Hebrew (Jewish) name. Even more interestingly, it ‘happens’ to be identical with the ethnonym of the Judeans, the descendants of the biblical tribe of Judah, the inhabitants of New Testament Judaea, the later Jews. The anti-Semitic potential of the New Testament’s Last Supper was often used in traditional Christian society for creation and nourishment of anti-Jewish sentiments; or, even worse, as a pretext for anti-Jewish actions on the part of the elites (legislation, mass expulsion, etc.) or the common masses (riots, pogroms, etc.).

Interestingly, in the Serbian folk-parallel of the Last Supper, the famous epic song “Kneževa večera,” this New Testament episode is thoroughly Serbianized. Jesus is replaced by the Serbian Prince, Lazar; Peter by the Serbian national hero Miloš Obilić; and Judas by the Serbian traitor Vuk Branković. For many different reasons, the most prominent of which are analyzed in this article, this epic song had a much bigger impact on Serbian folk culture and folk imagination than did the original New Testament story. Fortunately for the Jews, this meant that one of the most powerful traditional Christian anti-Semitic stereotypes was quite neutralized in Serbian folk culture. However, unfortunately for the Serbian-Bosnian relationship, the Serbian parallel of the Last Supper created equally powerful images, which proved capable of producing and nourishing anti-Islamic and anti-Muslim stereotypes and sentiments in Serbian popular culture.

This article is dedicated to a comparison of the New Testament story with its Serbian epic parallel, as well as to an analysis of the resonance of each of the two texts among their traditional publics.

Eliezer Papo
Tajna večera i “Kneževa večera”: Paralele i njihovi odjeci u tradicionalnoj hrišćanskoj i srpskoj narodnoj kulturi

Novozavjetna epizoda Posljednje večere (sa moćnim slikama stradalnog Hrista; Jude—zlog učenika koji ga je prokazao; dobrog, ali strašljivog učenika Petra - koji je, razapet između vjernosti učitelju i nagona za opstankom, u toku nekoliko sati tri puta zanijekao Hrista, samo da bi na koncu postao jedan od najvjernijih Hristovih apostola) ne reflektuje samo stav Prve Crkve prema Jevrejima, nego je vijekovima uvijek ponovo korištena, interpretirana ili reinterpretirana u konstrukcijama i rekonstrukcijama međusobnih odnosa hrišćanskih i jevrejskih zajednica. Simptomatična za odnos Prve Crkve prema Jevrejima je činjenica da je ime zlog učenika eminentno jevrejsko/ hebrejsko—i to, ni manje ni više, nego ime identično sa imenom Jakovljevog sina, Jude, rodonačelnika istoimenog plemena, po kome su imenovani i država Judeja i njeni stanovnici. Antisemitski potencijal novozavjetne Posljednje večere često je korišten u tradicionalnim hrišćanskim društvima kao katalizator za stvaranje ili održavanje antijevrejskih sentimenata—ili, čak, kao opravdanje za antijevrejska djela elite (protjerivanje, konfiskacija i slično) ili širokih narodnih masa (pogromi, pljačka, prisilno pokrštavanje i slično). Srpska narodna paralela opštehrišćanske Posljednje večere, epska narodna pjesma “Kneževa večera”, posrbljava sve učesnike novozavjetne epizode, uključujući i Judu. Tako Hrista zamjenjuje Car Lazar; Petra srpski junak Miloš Obilić, a Judu izdajnik Vuk Branković. Time je jedan od najmoćnijih tradicionalnih hrišćanskih antijevrejskih sterotipa neutralizovan u srpskoj narodnoj kulturi. Istovremeno, pogubno po srpsko-bošnjačke odnose, srpska paralela Posljednje večere stvorila je podjednako moćne slike koje su se pokazale sposobnim da proizvode i njeguju antiislamske i antimuslimanske sentimente i sterotipe u srpskoj popularnoj kulturi.

Ovaj rad posvećen je uporedbi novozavjetne epizode sa njenom srpskom narodnom paralelom, te analizi odjeka svakog od ova dva teksta među njihovim tradicionalnim publikama.

Elena Pedigo Clark
“There like vast waters have come together sea and sky”: “Finland” and Finland in the Work of E. A. Baratynsky

This article provides a close structural and thematic reading of E. A. Baratynsky’s poem “Finland,” which is connected to a broader discussion of the position “Finland” and Finland hold in Baratynsky’s creative consciousness. Analyses of Baratynsky’s poetry have tended to focus on its rationalism and binary dualism; this article, in contrast, discusses the irrational and non-dualistic themes that can be found in the poems on Finland, especially “Finliandiia,” thus giving a fresh perspective on the Weltanschauung of one of Russia’s most important metaphysical poets. In particular, this article argues that contact with Finnish nature destabilized Baratynsky’s poetic persona, allowing it to transcend the binary system it had created for itself and find a higher purpose in the production of art.

Елена Педиго Кларк
Там необъятными водами слилося море с небесами: «Финляндия» и Финляндия в творчестве Баратынского

Эта статья предлагает подробный анализ тем и структуры стихотворения Е.А. Баратынского ≪Финляндия≫ и включает его в более широкий круг вопросов о месте ≪Финляндии≫ и Финляндии в творческом сознании Баратынского. В то время как исследователи поэзии Баратынского обычно сосредоточиваются на его рационализме и двойственности, данная статья рассматривает образы ирра- ционального и недвойственного в его произведениях. Таким образом, эта статья предлагает свежий взгляд на мировоззрение одного из ключевых русских поэтов-метафизиков. В частности, эта статья пoказывает, что контакт с финской природой нарушает психологическое равновесие лирического героя Баратынского и таким образом позволяет ему выйти за пределы двойственности, которую он сам для себя создал, и найти высшую цель для себя в творческом акте.

Jeff Parker
Solving Russian Velars: Palatalization, the Lexicon, and Gradient Contrast Utilization

Palatalized velars in Russian are often considered exceptional because they are neither fully predictable, nor clearly unpredictable. They are an example of a common phonological relationship in which sounds have the potential to distinguish words but are only utilized in limited contexts and/or lexical items. These “intermediate phonological relationships” (Goldsmith) are problematic for traditional phonological theories which make a binary distinction between predictable sounds (allophones; dealt with in the grammar) and unpredictable sounds (phonemes; dealt with in the lexicon). To deal with intermediate phonological relationships in a principled way we must reconsider assumptions about the type and amount of information stored in the lexicon.

In this paper I show that in Russian, both palatalized and non-palatalized velars occur in a variety of contexts, evidence that they have the potential to distinguish words. I also show, using information-theoretic metrics, that the potential is utilized to a minimal degree across both lexical items and phonetic contexts. However, and importantly, I show that many other consonants likewise do not fully utilize the (same) palatalization contrast across contexts. This suggests that velars are not an ‘exception’; instead, they represent a relationship which lies at one end of a continuum along which the palatalization contrast is utilized. I argue that it is not velars, or intermediate phonological relationships more generally, that are problematic. Rather, it is our assumptions about the type and amount of information speakers store that is at issue. I argue that memory-rich models of the lexicon, which assume a great deal of storage of phonetic, contextual and distributional information, better account for velars in Russian. Moreover, the type of relationship that velars represent is a natural and expected outcome in such models. Thus, Russian velars provide important evidence that pushes us to reconsider some of the basic assumptions of our phonological models and phonological relationships more generally, and the problem that has long vexed Slavists can be solved within a memory-rich model of the lexicon.

Джеф Паркер
Решая проблему русских задненебных согласных: палатализация, лексикон и континуум использования фонологических оппозиций

Палатализованные (≪мягкие≫) задненебные согласные в русском языке имеют особый статус, поскольку их появление можно предсказать лишь частично. Эти согласные являются примером часто встречающихся фонологических отно- шений, в которых звуки могут быть словоразличительными, но используются лишь в некоторых контекстаx и/или словоформах. Такие ≪промежуточные фоно- логические отношения≫ (Goldsmith 1995) представляют собой проблему для тра- диционных фонологических теорий, в которых звуки делятся на предсказуемые (аллофоны; содержатся в грамматике) и непредсказуемые (фонемы; содержатся в лексиконе). Таким образом, для научно-теоретической классификации вышеуказанных промежуточных фонологических отношений необходимо будет пере- смотреть существующие предположения о природе и количестве информации, содержащейся в лексиконе.

В данной статье я показываю, что и мягкие, и твердые задненебные согласные встречаются в разнообразных контекстаx, что доказывает их словоразличительный потенциал. Я также показываю, применяя метрики теории передачи информации, что и в лексических, и в фонетических контекстах этот потенциал реализуется в минимальной степени. Важно, однако, еще и то, что и многие другие согласные в различных контекстах не задействуют в полной мере противопоставление по палатализации. Этот факт дает основание предполагать, что задненебные согласные—не исключение; наоборот, они представляют отно- шения, которые находится на одной стороне континуума, вдоль которого осуще - ствляется противопоставление по палатализации. Я утверждаю, что вопрос заключается не в поведении задненебных согласных и не в промежуточных фонологических отношениях в целом. Проблема шире—в наших предположениях о природе и количестве информации, которая хранится в памяти носителей языка.

Я утверждаю, что для объяснения функционирования задненебных согласных в русском языке следует обратиться к моделям лексикона, в которых под- разумевается хранение больших объемов фонетической, контекстуальной и распределительной информации. Более того, тип отношений, представленный задненебными согласными, вполне ожидаем в подобных моделях лексикона. Таким образом, поведение задненебных согласных в русском языке заставляет нас пересмотреть основные положения традиционных фонологических моделей и фонологических отношений в целом, и вопрос, который уже давно волнует славистов, может быть решен в рамках моделей ≪богатой памяти≫.

Rachel Hayes-Harb and Jane Hacking
The Influence of Written Stress Marks on Native English Speakers’ Acquisition of Russian Lexical Stress Contrasts

Recent studies have provided evidence for a beneficial effect of orthographic input on the acquisition of second language phonological contrasts. In particular, the presentation of orthographic contrasts has been shown to improve L2 learners’ ability to differentiate newly learned words containing difficult auditory contrasts—for example, the letters ‘a’ and ‘e’ can help native Dutch speakers differentiate newly learned English words containing /æ/ and /ɛ/ (Escudero, Hayes-Harb and Mitterer). In the present research, we explored whether the diacritic marks typically used to indicate lexical stress in Russian pedagogical texts are similarly helpful to second language learners. We taught native English speakers with varying amounts of Russian language experience a set of Russian non-words containing lexical stress minimal pairs. In different word-learning conditions, we manipulated the presence of stress marks in the input to participants, and later tested participants on their ability to distinguish the newly learned lexical stress minimal pairs. We found no effect from the availability of stress marks for our participants, whose Russian language experience ranged from subjects with no exposure to Russian to students enrolled in third-year college-level Russian language courses. We conclude by discussing crucial differences between the learning conditions in the present study and real-world Russian language acquisition, and calling for future research that investigates the effect of lexical stress marks in more authentic learning conditions.

Рейчел Хаес-Харб и Джейн Хэкинг
Влияние обозначенного ударения на усвоение носителями английского языка контрастных по лексическому ударению пар в русском языке

Недавние исследования содержат доказательства положительного влияния орфографической информации при усвоении фонологических контрастов во втором языке. В частности, было показано, что презентация орфографических контрастов улучшает способность изучающих второй язык дифференцировать недавно выученные английские слова, содержащие сложные слуховые контрасты. Так, например, буквы ≪а≫ и ≪е≫ могут помочь носителям голландского языка различать английские слова, содержащие звуки /a/ и /ε/ (Escudero, Hayes-Harb & Mitterer, 2008). В настоящем исследовании мы попытались выяснить, могут ли диакритические знаки, обычно используемые в русском языке для обозначения лексического ударения в учебных текстах, быть столь же полезными учащимся, не являющимся носителями русского языка. Мы предлагали носителям английского языка с разной степенью владения русским языком выучить определённое количество несуществующих русских слов, содержащих минимальные пары, различающиеся по лексическому ударению. Варьируя учебные ситуации, мы изменяли наличие указанного ударения в пре- доставляемой участникам информации, а затем проверяли их способность дифференцировать вновь выученные минимальные пары, различающиеся по лексическому ударению. Мы не обнаружили, что наличие обозначенного уда- рения оказало влияние на участников исследования, чей уровень знания русского языка находился в широком диапазоне: от нулевого знания до третьего года изучения русского языка в колледже. В заключение обсуждается суще- ственное различие между условиями обучения в ходе настоящего исследования и условиями усвоения русского языка в реальном мире. Авторы считают целе- сообразным дальнейшее исследование эффекта обозначенного ударения в усло- виях, приближенных к аутентичным.

VOLUME 58, NUMBER 4 WINTER 2014

Andrea Oppo
A “Kantian” Shakespeare: The Defense of Morality in Shestov’s First Work

Lev Shestov’s first book, Shakespeare and His Critic Brandes (1898), seems to harbor a “secret,” which would explain the fact that for nearly a century this work remained virtually unknown. Defending Shakespeare against Georg Brandes’s “misguided” interpretation, Shestov seems strangely different from the person who, throughout his entire subsequent life, fiercely attacked any preaching of morality. Why did Shestov change his mind on that issue? And what position exactly did he defend in Shakespeare and His Critic Brandes that he would subsequently dismiss? These are two crucial questions that are dealt with in this article, which investigates the very beginnings of Shestov’s philosophy and offers a key to understanding how the Russian philosopher began his path toward anti-rationalism and anti-moralism.

Андреа Оппо
«Кантовский» Шекспир: защита нравственности в первом малоизвестном труде Шестова

Автор статьи исходит из впечатления, что первая книга Льва Шестова «Шекспир и его критик Брандес» (1898) сокрыла в себе «секрет», который может послужить объяснением тому, почему почти на протяжении века эта книга оставалась фактически неизвестной. Защищая Шекспира от «неверного» толкования Георга Брандеса, Шестов кажется странно непохожим на человека, который на протяжении всей последующей жизни будет яростно нападать на любые моралистские проповеди. Почему Шестов изменил свое мнение по поводу этой темы? И какую конкретно точку зрения он защищал в книге «Шекспир и его критик Брандес», отвергнув ее позже? В данной статье затронуты два этих важнейших вопроса, проводится исследование самых истоков философии Шестова и предлагается ключ к пониманию того, как русский философ начал свой путь к антирационализму и антиморализму.

Leslie O’Bell
“After the Ball”: Tolstoy Revisits Childhood

The story “After the Ball” is one of Tolstoy’s shortest works, yet it is highly representative of him. It especially seems to exemplify all the qualities of the late Tolstoy, from its totally focused style to its socially charged content. The story divides into two main scenes linked by a key image, that of the formal dance. The first setting for the dance is the society ball itself with its set steps and figures executed to the strains of the mazurka, and other music. Here, in his youth, our narrator reaches what he describes as the peak experience of his life, his love for the regal Varenka. The second setting is the punishment gauntlet on the morning after the ball when a simple soldier is driven through the ranks to the sound of fife and drum, his body jerking back and forth under the blows of his assembled company as our narrator watches in shock and horror. The artistic logic of the sequence impels the reader to an irresistible conclusion: the dance orchestrated by privilege is replaced by this grotesque dance of power. So this is a story of trauma and revelations, the story of a life-changing experience.

True to Tolstoy’s practice as a writer, the message carried in the pattern of images is complemented by a philosophical frame-discussion which explicitly raises the question of what conclusions should be drawn from the tale. In this case, the philosophical questions are not posed by the authorial voice, but are generated by the group to which the story is addressed and by the narrator himself. They are some of the same questions that absorbed Tolstoy throughout much of his life. Can we know right from wrong, or does our social milieu determine our views? Wasn’t it pure chance that the narrator happened on the scene that changed his life?

My purpose in this essay is to delve into the creative history of the story, to see where it comes from and what it has to show us about Tolstoy’s development as a writer. Personal experiences and the historical reality are part of the picture, yet they were not the only factors in the genesis of “After the Ball.” Like so many literary compositions, “After the Ball” also issues from the past of the writer’s creative life, from his experiences in writing an earlier work or works. In this case, it reflects Tolstoy’s recasting of elements from one of his own primary sources, the novella Childhood written nearly half a century before. “After the Ball” recycles and reworks material from Childhood in a way which is meaningful for the older writer. This is far from simple self-repetition for lack of new material, or a convenient way to fulfill a literary commission. Rather it reveals a form of deep patterning that occurs naturally, without overt self-referentiality. Tolstoy feels impelled to respond to the mute reproach of the page of memory, but in the end we can feel the affirmation of his identity: I am still myself.

Лесли О’Белл
«После бала»: Толстой в раздумьях над «Детством»

Поздний рассказ «После бала» (1903) -- одно из самых коротких произведений Толстого, но в то же время одно из самых для него характерных. Рассказ можно разделить на две основные сцены, которые связаны ключевым образом танца. Первая реализация танца это сам бал. Вторая реализация танца—штрафной строй на утро после бала , когда простого солдата прогоняют сквозь строй под звуки флейты и барабана: танец, оркестрованный привилегией, превращается в гротескный танец власти. Рассказчик объясняет, что он пытался убедить себя на утро после случившегося, что полковник, который руководил наказанием знает что-то такое, что оправдывает его поведение, но как он ни старался, он не мог понять причины этой жестокости и в итоге оказался неспособным к военной или какой-либо иной службе. Рассказчик также объясняет, что после этого случая и его восторженная любовь к дочери полковника Вареньке угасла. Итак, это рассказ о психологической трамве и разоблачении, повествование о случае, который круто меняет привычное течение жизни.

Цель моей статьи состоит в том, чтобы исследовать историю создания рассказа, раскрыть его истоки и проследить на его примере эволюцию Толстого как писателя. Как многие литературные творения, «После бала» связан с предыдущей творческой жизнью писателя и вытекает из опыта написания его более ранних работ. В данном случае это отражает процесс переработки Толстым элементов одного из своих собственных первоисточников—повести «Детство», написанной почти за полвека до появления рассказа. Связь между двумя произведениями не является неожиданностью, если мы вдумаемся в содержание сюжета рассказа о потере детской невинности, о вынужденном взрослении и столкновении с жизненной реальностью – все те проблемы, которые впервые встречает на своем пути автобиографический герой Толстого в «Детстве». Модель для рассказа о бале была уже выработана в «Детстве» в эпизодах, посвященных мазурке. В черновом введении к своим «Воспоминаниям» (1903) Толстой поясняет, что в это время он перечитал «Детство» для того, чтобы избежать повторений, и сожалеет, что написал такую плохую, чрезмерно литературную и неискреннюю вещь. Он особенно упрекал себя за определенную форму политкорректности, за попытку представить в выгодном свете демократические тенденции, в которые сам еще не уверовал в тот период. Наверное, подобные соображения побудили Толстого обратиться к созданию рассказа «После бала».

Я предлагаю рассмотреть рассказ как попытку Толстого переписать страницу своей памяти. Это дает ему возможность вывести на передний план социальное содержание, которое было лишь частью фона в «Детстве». То, что герой «После бала» испытал как неудачу, становится одним из немногих истинных моментов в его жизни, благодаря которому происходит переворот сознания. Но ощущение больной совести присутствовало с момента создания «Детства». Кажется, что во время работы над рассказом «После бала» Толстой снова открыл рукопись «Детства», как будто возвращаясь к процессу его создания. В рассказе автор использует заново и перерабатывает материал из «Детства», придавая ему форму, значимую для более зрелого писателя.

José Vergara
Kavalerov and Dedalus as Rebellious Sons and Artists: Yury Olesha’s Dialogue with Ulysses in Envy

In my article I examine Yury Olesha’s use of James Joyce’s Ulysses as both a subtext and a counter-discourse in his novel Envy. I do not suggest that there is a tidy and direct Joycean “influence” in Olesha, nor that Envy is simply a pastiche of themes and images from Ulysses. Rather, in writing his extremely ambiguous novel, Olesha drew from what he saw in Joyce’s text and from what his conversations about it with others revealed to him. These impressions and images are transformed within the context of Envy into something familiar, yet wholly Olesha’s creation. Olesha engages in this project in order to challenge certain ideas laid out by Joyce regarding father-son relationships and the invention of a literary lineage.

I begin with a brief survey of statements made by Olesha on Joyce, Olesha’s access to Ulysses in the early years of the Soviet Union, and the handful of comments made by other scholars regarding this intertextual connection. While similarities have been previously noted in passing, a sustained comparative analysis between Olesha and Joyce has not been undertaken. Many similarities between the two novels can be noticed at various levels: structure, plot, character, style, and language. Individually they may seem coincidental. However, as they accrue it becomes clearer that the two works resonate strongly with one another. For example, characters such as Buck Mulligan and Molly Bloom find their distorted reflections in Olesha’s Andrei Babichev and Anechka, respectively.

The impact of Joyce on Olesha’s novel should of course not be overstated, though it merits further analysis as a representative example of Joyce’s broader influence on Russian culture post-Ulysses . In re-reading Envy through the lens of Ulysses, we can better understand the novel’s thematic concerns and its relation to trends in European Modernism at large. These connections can best be understood as a response from one writer to another as he attempts to conceptualize the issues facing his generation in a new epoch. I propose that Olesha adapted these elements and thematics of Ulysses to counter Joyce’s proposition that one may rewrite one’s lineage or history by means of the creative imagination. Given the historical and cultural circumstances surrounding Olesha, he found such an endeavor impossible. His response, Envy itself, aims to critique such a proposition by inverting and problematizing Joycean motifs.

Хосе Вергара
Кавалеров и Дедал как мятежные сыновья и художники: диалог Юрия Олеши с «Улиссом» Джеймса Джойса в «Зависти»

В настоящей статье впервые подробно рассматривается литературный диалог Юрия Олеши с «Улиссом» Джеймса Джойса. Когда два произведения читаются вместе, становится ясно, что Олеша устанавливает параллели с романом Джойса посредством заимствованных элементов из «Улисса», прежде всего на уровнях персонажа, сюжета и темы. Олеша делает это для того, чтобы дать свой вариант некоторых джойсовских мотивов. Между тем как Джойс утверждает свободу «сына» отвергнуть авторитет «отца»—биологического или духовного—и выбрать самостоятельность в образе жизни и творчестве, Олеша рассматривает эти же вопросы в советском контексте и предполагает невозможность для своего героя, Николая Кавалерова, следовать по стопам Дедала. Использование джойсовских аллюзий в «Зависти» также способствует выражению другой важной темы романа – конфликта между художником и обывателем. Данное сравнительное исследование показывает, что хотя Кавалеров и преследует задачи похожие на творческие цели Дедала, исторические обстоятельства, усугубленные его собственным раздвоением чувств, мешают его успеху.

Conor Klamann
“A New Villon”: Modern Art as Theft in Works by Osip Mandelshtam, Boris Pilnyak, and Konstantin Vaginov

The present article examines the role of the artist-thief in Boris Pilnyak’s 1929 novella Mahogany and Konstantin Vaginov’s 1933 novel Garpagoniana. Though both works are primarily concerned with the fates of citizens left behind by Stalin’s “Great Break,” neither features the expected proletarian hero. Rather, the works reserve their positive accents for unscrupulous artists who make only brief appearances late in the narrative. The reason for this, I argue, is that both Pilnyak and Vaginov intend their artist-thieves as models for their own ironic modes of authorship.

My study begins with a brief overview of the relationship between irony and theft in the early Stalin years, using Osip Mandelstham’s Fourth Prose as an example of the way an author might use irony to “steal” from monologic Soviet discourse. Next I analyze Pilnyak’s and Vaginov’s texts in the context of broader trends in Soviet culture. What I show is that both works represent subtle interventions in contemporary debates regarding the nature of Soviet vitality and timeliness. Rather than using the terms of conventional polemic, however, Vaginov and Pilnyak treat their topical subject matter subjectively and ironically, subtly substituting their own terms for the “official” ones. In a final touch, each author underscores the criminality of his enterprise not only by valorizing thieves, but by lacing his text with material “borrowed” from uncited sources.

Конор Кламан
Новый Вийон: Модернистское искусство как кража в произведениях Осипа Мандельштама, Бориса Пильняка и Константина Вагинова

В известном анализе эстетики социалистического реализма «Советский роман. История как ритуал» (1981 [рус. перев. 2002]), Катерина Кларк отмечает сходство советской литературы со средневековой иконописью: согласно Кларк, оба вида искусства создают копии канонических образцов. Искусствоведы Александер Вуд и Кристофер Нэйгел, авторы монографии «Анахронный ренессанс» (Anachronic Renaissance , 2010) противопоставляют процесс копирования, доминантный в искусстве Средневековья, «анахронному» искусству, которое впервые появилось в Европе в XV–XVII вв. В отличие от воспроизведений иконописи, «анахроннoe» (или «модернoe») искусство собирает разнородные элементы из многочисленных источников и упорядочивает их согласно личному стилю художника. До-«модерный» художник делает копии; «модерный» художник собирает, синтезирует и иронизирует. Неудивительно, что «модерный» художник, который «присваивает» чужие вещи, иногда сравнивается с вором. Это сравнение стало особенно распространенным в первой части двадцатого века, когда поколение «модернистических» писателей значительно расширяло и углубляло эстетику эклектицизма. В данной статье рассматривается образ художника-вора в произведениях трех крупных советских авторов ранне-сталинского периода — Осипа Мандельштама, Бориса Пильняка и Константина Вагинова. В каждом произведении автор приравнивает себя к вору, а творческий процесс — к воровству. Это уподобление одновременно подчеркивает и «модерность», и «преступность» иронического, интертекстуального искусства при становящемся все более «средневековым» сталинском режиме.

Stanley Bill
Melting in the Mirror: Woman, Body, and Self in the Poetry of Czesław Miłosz

Broadly speaking, the scholarship on Czesław Miłosz has tended to privilege the transcendental aspiration of his writings, in the face of which the physical body inevitably appears as a tomb or temptation. In this paper, I emphasize a more positive Miłoszean attitude to the body, suggesting a poetic solution to the problem of the metaphysical “I” alienated from its own corporeal existence. Specifically, I analyze certain key passages in which the potential dissolution of the integral, metaphysical and traditionally “masculine” subject appears in a distinctly positive light. Particularly in the latter part of his poetic career, Miłosz increasingly embraces a “feminine” and corporeal model of what I term the “weak self,” which he links both with certain highly traditional archetypes of “femininity” and with the basic nature of his own poetic art. Poetry itself is “feminine” in gender according to Miłosz, since it “opens itself and waits for a creator, a spirit, a daemon.” I argue that this peculiar poetic “feminism” is simultaneously conservative and radical, since it tends to express itself through schematic stereotypes, while potentially re-evaluating them. Finally, I explore the ways in which Miłosz’s “feminism” raises fundamental questions about how poetic language functions.

Stanley Bill
Rozpływając się w lustrze. Kobieta, ciało i koncepcja „ja” w poezji Czesława Miłosza

Na podstawie wybranych wierszy Czesława Miłosza, artykuł analizuje pojęcie cielesności w zestawieniu z metafizyczną, Miłoszowską koncepcją „ja”. Autor podkreśla, że w twórczości Miłosza potencjalny rozpad integralnego, metafizycznego i tradycyjnie „męskiego” podmiotu poetyckiego przedstawiony jest w wyraźnie pozytywnym świetle. Dowodzi, że zwłaszcza w późniejszym okresie twórczości Miłosz co raz częsciej sięga po „żeński” model tego co autor nazywa „słabą jaźń”, którą poeta łączy z tradycyjnymi archetypami kobiecości oraz z samymi podstawami sztuki poetyckiej. Autor dochodzi do wniosku, że w twórczości Miłosza kobieca cielesność oznacza twórcze załamanie się silnego, męskiego, poetyckiego podmiotu, jak i same źródło poezji.

Ludmila Isurin
“They call us names, they call us Russians!”: Nationality and Conceptual Non- equivalence

This paper takes an interdisciplinary approach to the study of identity and nationality in immigrants and, in particular, the intertwined issue of ethnicity and nationality as it is perceived and negotiated by Russian immigrants in the U. S. The narrow focus of this paper is to look at a conceptual non-equivalence of the term “nationality” within the framework of conceptual transfer; it draws on the data gathered in two separate studies. One was solicited by the U. S. Federal Government and conducted during the decennial 2010 US census; another was part of a large empirical project on Russian immigration. The findings show how the term “nationality” is negotiated by immigrants at the official level during the census enumeration, and how Russian immigrants want to be viewed by Americans in everyday life. The combined findings from both studies contribute to a complex issue of identity negotiation in Russian immigrants.

Людмила Исурин
«Они нас обзывают, они нас называют русскими!»

Национальность и концептуальная неэквивалентность

Междисциплинарный аспект этой статьи рассматривает вопрос идентичности и национальности, и в частности, вопрос этничности и национальности в восприятии русских иммигрантов в США. Более узкий ракурс статьи касается концептуальной неэквивалентности термина «национальность» в пределах теории смыслового смещения. Статья основана на данных двух исследований: первое было проведено во время последней переписи населения в США в 2010 году; второе является частью научного проекта, связанного с русской иммиграцией. Результаты двух исследований показали, как термин «национальность» интерпретируется иммигрантами на официальном уровне во время переписи населения и как русские иммигранты хотят, чтобы их воспринимали американцы в повседневной жизни. Данные двух исследований являются вкладом в изучение сложного вопроса негоциации идентичности иммигрантами. Ключевые слова: национальность, раса, идентичность, русский, концептуальная неэквивалентность, смысловое смещение.

VOLUME 58, NUMBER 3 Fall 2014

Jillian Porter
The Double, the Ruble, the Real: Counterfeit Money in Dostoevsky’s The Double

Contributing to a growing body of scholarship on the interconnections between literature and economics, this essay explores Fyodor Dostoevsky’s The Double (Dvoinik, 1846) in relation to the material history of Russian money. From the opening pages of the novella, the hero’s manipulation of devalued money and words invokes his double, the so-called “counterfeit Mr. Goliadkin.” I elucidate the links Dostoevsky posits between spending, speaking, and doubling in the context of the emerging aesthetics of Realism and with reference to the inflation and counterfeiting of government assignations [ assignatsii ] in the years leading up to Dostoevsky’s work on The Double. Viewing The Double as an oblique response to the Imperial financial crisis and monetary reforms of 1839–1843, I argue that the volatility of the Russian monetary sign aids Dostoevsky’s flight from Realist referentiality.

Джиллиан Портер
Фантастическая подделка: мотив денег в «Двойникe» Ф. М. Достоевского

Развивая положения недавних исследований взаимосвязей литературы и экономики, моя статья рассматривает повесть Достоевского «Двойник» (1846) в связи с материальной историей российской валюты. Уже в самом начале повести герой вызывает появление своего двойника (т.н. «фальшивого» или «поддельного» Голядкина) своими подозрительными манипуляциями с девальвированными деньгами и словами. Постулированная Достоевским мысленная ассоциация между денежными и словесными знаками (ассоциация, основанная на условном соотношении между денежным знаком и его ценностью, равно как и между словесным знаком и его значением) разъясняется здесь в контексте эстетики раннего реализма и со ссылкой на инфляцию и подделку государственных ассигнаций в годы, предшествовавшие авторской работе над «Двойником». После рассмотрения «Двойника» как косвенного ответа на денежную реформу 1839–1843 гг., в статье сделан вывод о том, что колебания курса рубля способствовали Достоевскому в его «побеге» от реализма в фантастику.

Eric Naiman
Kalganov

This article considers the significance of an often forgotten character, Kalganov, in The Brothers Karamazov. It applies to this secondary character two theories of minorness, as outlined in the work of Eve Kosofsky Sedgwick and Alex Woloch. After surveying the importance of close, even “suspicious” reading in Dostoevsky’s work in general and by Sedgwick in her treatment of homosexual characters in fiction, I suggest that in the character of Kalganov, Dostoevsky has provided us with a rare, sympathetic view of same-sex desire. The scene at Mokroe is particularly effective in naturalizing homosexual attraction as a compositional force in the scene’s disparagement of the Poles and celebration of Mitya’s and Grushenka’s heterosexual love. While Woloch’s most recent work focuses attention on the oppressive effects of marginalization reflected in the portraits of minor characters, my analysis of Kalganov leads me to suggest that ‘minorness’ and marginality can be refuges of privacy and discretion, where behavior and desire that might be castigated or proscribed at a text’s center can be more sympathetically represented. Marginality allows a character not to matter and accords him an independence and freedom that is not vouchsafed to more central, talkative figures even at a novel’s polyphonic core. I compare Kalganov’s independence from the pressures of the novel’s plot with the situation of The Adolescent’s Trishatov, a character who is subjected to what Sedgwick calls “universalizing discourse” and whose plight is in some respects similar to that of secondary characters in Dickens, as delineated by Woloch.

Эрик Найман
Калганов

В данной статье рассматривается Калганов, часто забываемый как исследователями, так и читателями второстепенный персонаж «Братьев Карамазовых». Калганов рассматривается здесь в ключе двух теорий «меньшинственности» (англ. «minorness»), представленных в работах Эвы Кософски Седжвик и Алекса Волоха. В статье подчеркивается важность медленного – и даже «мнительного» – прочтения романов Достоевского как необходимого условия для понимания трактовки гомосексуальных персонажей в творчестве писателя (именно такое прочтение рекомендуется Седжвик в ее анализе гомосексуальных литературных персонажей). Результатом такого прочтения «Братьев Карамазовых» становится вывод о том, что в Калганове Достоевский дает нам редкий в литературе того времени доброжелательный взгляд на гомосексуальное желание. Сцена пира в селе Мокрое особенно эффективно использует мотив гомосексуального влечения как непатологической сюжетной силы, пусть даже и на фоне приниженного изображения инородцев (дружбы двух поляков-«каплунов») и празднования гетеросексуальной любви Мити к Грушеньке. Волох обращает внимание на тяжелые последствия маргинализации второстепенных персонажей в анализируемых им английских и французских романах XIX¬ в.; мой анализ Калганова показывает, что «меньшинственность» и маргинальность могут оказываться убежищами, в которых те самые поведение и желание, которые должны были подвергаться преследованию в центре текста, могут быть положительно—или по крайней мере некритически – трактованы на его периферии. Маргинальность позволяет персонажу не иметь значения в динамике целостного сюжета, наделяя его независимостью и свободой в зонах «запрещенной» тематики, недоступным центральным, более разговорчивым персонажам, находящимся в полифонической сердцевине романа. Статья контрастирует независимость Калганова от сюжетных давлений с положением Тришатова в «Подростке». Под давлением требований «универсализирующего дискурса» (в терминологии Седжвик), нарративная судьба Трищатова до некоторой степени напоминает печальную долю второстепенных персонажей в романах Диккенса в трактовке Волоха.


Greta Matzner-Gore
Kicking Maksimov out of the Carriage: Minor Characters, Exclusion, and The Brothers Karamazov

Throughout his career Dostoevsky worried that his novels included too many storylines, devoted too much time on secondary plots and secondary characters, and that their form suffered as a result. This article argues that, in The Brothers Karamazov , Dostoevsky uses the formal dilemma he himself faced (can one compose an artistically coherent novel, while still respecting the human complexity of each and every character?) to reenact and reinforce through novel’s very narrative structure the moral questions that characters are continually raising in the story. Can we build a “harmonious,” unified society on earth that truly includes everyone, even the most disruptive, destructive, seemingly “unnecessary” people? Or are some people simply impossible to live with? First I focus my analysis on the lecherous, garrulous sponger and very minor character Maksimov. Maksimov’s minorness, his utter peripherality to both the social world of Skotoprigonievsk and the structure of the novel that encompasses it, is essential to his function in The Brothers Karamazov . In Maksimov the question of how to incorporate a seemingly “unnecessary” and socially disruptive person into the community becomes, simultaneously, the question of how to incorporate a narratively disruptive character into a novel. And just as the other characters never quite find a place for Maksimov in their lives, the chronicler never quite finds a place for Maksimov in his tale. Then I shift my attention to the collective Alyosha builds among the schoolboys (often interpreted as the ideal realization of brotherly love in the novel), and the famous “speech by the stone” he delivers to them. As Alyosha learns firsthand, it is just as difficult to build a harmonious, all-inclusive, brotherly community, as it is to compose an all-inclusive narrative (in this case, as speech), one that does not reduce or marginalize any of its characters, one that does not leave anyone out.

Грета Мацнер-Гор
«Трудно любить всех»: «старикашка» Максимов и проблема второстепенных героев в романе Ф. М. Достоевского «Братья Карамазовы»

В 1870 гг. Достоевского часто критиковали за загромождение произведений множеством персонажей и эпизодов. Достоевский серьезно относился к этой критике, и в набросках и планах к «Подростку» неоднократно задавался вопросом о том, сколько героев и cюжетов можно включить в один роман. Надо ли отвести второстепенным персонажам «место незначительнее» и сосрeдoтoчить действие лишь вокруг героя для того, чтобы написать «гармонический» роман? Откуда знать, кто первостепенен, а кто только второстепенен? Как говорит Грушенька, «всякий нужен… и по чему узнать, кто кого нужней?»

B данной статье рассматриваетcя влияние этой формальной проблемы на структуру и тематику последнего романа писателя. Автор статьи анализирует Максимова, пaродийного двойника Федора Павловича и периферийного персонажа. Согласно этому прочтению, трактовка образа Максимова ставит под вопрос мечту Алеши о создании «всемирного братства всех без исключения». Максимову, этому бездомному, надоедливому старикашке, трудно найти место и в обществе Скотопригоньевска, и в структуре самого романа. Калганов и Грушенька безуспешно пытаются ужиться с ним, и хроникер также отводит ему все более незначительнее место в своем повествовании.


Stanislav Shvabrin
“. . . A Sob that Alters the Entire History of Russian Letters . . . “: Cincinnatus’s Plight, Tyutchev’s “Last Love” and Nabokov’s Metaphysics of Poetic Form

The opening paragraph of Chapter Eighteen of Vladimir Nabokov’s Invitation to a Beheading contains a direct quotation from Fyodor Tyutchev’s poem “Last Love” (“Posledniaia liubov'”). A striking deviation from Nabokov’s practice of encrusting his mature literary texts with artfully disguised references and hidden allusions, this open evocation of the two specific lines from a specific poetic utterance tantalizes with its apparent accessibility, artlessness.

By introducing into the ongoing scholarly discussion of this apparent textual anomaly previously inaccessible archival materials, I demonstrate that this evocation amounts to a complex, profoundly meaningful image. In addition to enriching his novel with an interpretative citation of Tyutchev’s autumnal masterpiece the significance of which bears heavily on the plight of the novel’s protagonist, Nabokov’s evocation of “Last Love” represents an entire range of feelings stemming from his conflicted attitude toward one of the most exciting advances in the Russian poetics of his youth, the long-delayed triumph of accentual verse as a legitimate medium of literary poetry. A poem written in a binary dolnik long before such versification ceased to be seen as an eccentricity, Tyutchev’s “Last Love” presaged a development that was to become a formative impression of Nabokov’s early artistic career, an event the meaning of which he was to examine and reexamine in the course of his literary career.

Nabokov’s citation of a line of poetry that contained a deviation from standard syllabo-tonic versification bears an encoded expression of the emotional aura that such poetic rhythms had for him. My discussion of this phenomenon, therefore, becomes a study in the individual semantics of a given poetic meter that only to a certain extent overlaps with Kirill Taranovsky’s and Mikhail Gasparov’s pioneering inquiries into the nature of similar phenomena in a national literary tradition.

С. А. Швабрин
«…Всхлип, меняющий всю историю русской словесности…»: цинциннатов удел, тютчевская «Последняя любовь» и набоковская метафизика стихотворной формы

Внося ясность в вопрос о соотношении метра и смысла, ученые обыкновенно стремятся определить существо самых масштабных законов, довлеющих над семантикой стиха (так, К. Ф. Тарановский обращал внимание на психо-физиологические особенности перцепции стихотворной просодии, а М. Л. Гаспаров на механику бытования устойчивых смысловых ассоциаций внутри просодической традиции). На примере «Приглашения на казнь» В. В. Набокова я оговариваю проблему частного восприятия просодических явлений и рассматриваю индивидуальное набоковское осмысление тонического стиха по контрасту с силлабо-тоникой «золотого века» русской поэзии. Лишь отчасти наследуя попыткам постижения революционных изменений в стихе конца XIX-начала XX вв. такими представителями «“героической эпохи” русской метрики» (В. М. Жирмунский), как Андрей Белый и С. П. Бобров, изначально в своем читательском, затем стихотворческом, а в конечном счете и писательском обиходе Набоков выработал собственную мифологию «ломаного метра» или «паузника», выражавшую его индивидуальную эсхатологию русской культуры, отошедшей от пушкинских идеалов гармонии. Мифология эта находит яркое воплощение в «Приглашении на казнь», где Набоков прямо цитирует «Последнюю любовь» Ф. И. Тютчева и опосредованно реминисцирует «Голос из хора» А. А. Блока. Изучение как неизвестных ранее, так и считавшихся утерянными документов показывает, что асимметрическая просодия этих двух стихотворений соотносилась Набоковым и с его собственной метафизической интуицией, отраженной в ощущениях обреченного на гибель персонажа. За увиденными с неожиданной стороны известными набоковскими отсылками к этим знакомым произведениям, таким образом, открывается незнакомый доселе содержательный пласт и самого «Приглашения на казнь». Работа изложена простым, доступным языком и предназначена широкому кругу заинтересованных читателей.


Harriet Hustis and Maria Mostyka
The Starving Artist: Life, Death and the Role of the Storyteller in Varlam Shalamov’s “The Snake Charmer” and “Cherry Brandy“

In “The Snake Charmer” and “Cherry Brandy,” Soviet writer Varlam Shalamov uses the motif of the poet/storyteller in order to represent the paradoxes of Gulag life. In particular, Shalamov will link the function of the poet/storyteller with the figure of the dokhodyaga : in the gulags, the dokhodyagi—literally, “goners”—are prisoners who are slowly starving to death. By linking the starvation of a dokhodyaga with the figure of the poet/storyteller in “Cherry Brandy” and “The Snake Charmer,” Shalamov engages in an act of narrative substitution designed to communicate the truth of his experience of life and death in the Gulags. In “Cherry Brandy,” Shalamov attempts to describe the experience of a dying poet—specifically, the poet Osip Mandelstam, who may have died as a dokhodyaga in a transit camp in 1938. In “The Snake Charmer,” Shalamov tells the story of a friend’s survival as a camp “novelist”—that is, as the resident storyteller for a gang of criminals. In both tales, the act of storytelling becomes a literal and figurative means of surviving the threat of starvation, although what it means to survive in this manner will be called into question. In both stories, survival and literary composition are complex artistic endeavors that reimagine the alignment of art and immortality in the wake of the gulags.

Харриет Хустис и Мария Мостыка
«Голодающий художник»: жизнь, смерть и роль рассказчика в «Заклинателе змей» и «Шерри-Бренди» В. Т. Шаламова

Данная статья исследует образ поэта-рассказчика в «Заклинателе змей» и «Шерри-Бренди» В. Т. Шаламова. Функция поэта-рассказчика связана с образом «доходяги» – обреченного на голодную смертью заключенного. Именно образ «доходяги» позволяет Шаламову раскрыть парадоксы жизни и смерти в ГУЛАГе. Связь голодной смерти «доходяги» и фигуры поэта-рассказчика является повествовательным замещением, служащим уникальным способом передачи сущности соприкосновения Шаламова с жизнью и смертью в лагерях. В «Шерри-Бренди» Шаламов описывает смерть О. Э. Мандельштама, умершего, по всей вероятности, как «доходяга» в 1938 г. В «Заклинателе змей» Шаламов повествует о стратегии выживания своего друга Платонова, служившего «романистом» — рассказчиком у «блатных». В обоих рассказах акт повествования становится буквальной и образной стратегией выживания, однако именно в «Заклинателе змей» Шаламов ставит под вопрос нравственную сторону этой стратегии.

Данная статья утверждает, что повествование и выживание приобретают характер сложной творческой деятельности, с помощью которой Шаламов пытается переосмыслить меняющуюся роль «лагерной» прозы.


Hanne M. Eckhoff, Laura A. Janda, and Tore Nesset
Old Church Slavonic byti

Part One: Grammatical Profiling Analysis

There is controversy over whether byti ‘be’ in Old Church Slavonic functioned as an imperfective verb with an unusually large number of inflected forms or as an aspectual pair of verbs, reflecting its suppletive origin from two stems (es- and bū-). We offer an objective empirical approach to the status of this verb, using statistical analysis of 2,428 attestations of byti in comparison with 9,694 attestations of 129 other verbs. This makes it possible to accurately locate byti in the context of the verbal lexicon of Old Church Slavonic. The comparison is made via grammatical profiles, a method that examines the frequency distribution of each verb’s inflected forms. This comparison is undertaken in two rounds, one assuming that byti is a single verb, and the other assuming that it is a pair of verbs. Both assumptions yield reasonable results, and although the grammatical profile analyses do not suffice to solve the controversy, they lay the groundwork for further analysis in Part Two that argues for a single-verb interpretation of byti.

Part Two: Constructional Profiling Analysis

The verb byti ‘be’ in Old Church Slavonic appears in an unusually rich inventory of grammatical constructions. We analyze corpus data on the distribution of constructions in order to assess the status of this verb as either a single verb or an aspectual pair of verbs. Our study moves beyond a strict structuralist interpretation of the behavior of byti, instead recognizing the real variation and ambiguity in the data. Our findings make both theoretical and descriptive advances. The radial category structure is a central tenet of cognitive linguistics, but until now such structures have usually been posited by researchers based on their qualitative insights from data. We show that it is possible to identify both the nodes and the structure of a radial category statistically, using only linguistic data as input. We provide an enhanced description of byti that clearly distinguishes between core uses and those that are more peripheral and shows the relationships among them. While we find some evidence in support of an aspectual pair, most evidence points instead toward a single verb.

Ханне М. Экхофф, Лора А. Янда и Туре Нессет
Старославянский глагол быти

Старославянский глагол быти (часть первая: анализ грамматических профилей)

В статье обсуждается спорный вопрос о том, был ли старославянский глагол быти одним глаголом несовершенного вида с необычно большим количеством словоформ, или же мы имеем дело с видовой парой, отражающей две этимологические основы (es- и bū-). Предлагается объективное эмпирическое исследование вопроса, основанное на статистическом анализе 2,428 примеров употребления глагола быти в сопоставлении с 9,694 примерами 129 других глаголов. Предлагаемый анализ способствует точной локализации быти в глагольной лексике старославянского языка. При сопоставлении используется метод «грамматического профилирования», описывающий частотное распределение словоформ каждого глагола. Анализ проведен в два этапа. На первом этапе мы исходили из того, что быти является единым глаголом, в то время как на втором этапе быти рассматривался как глагольная пара. Оба варианта анализа дают правдоподобные результаты, и несмотря на то, что одного грамматического профилирования недостаточно для того, чтобы разрешить вышеназванное противоречие, такое профилирование формирует базу для дальнейшего анализа, который будет представлен во второй части исследования, где быти представлен как один глагол.

Старославянский глагол быти (часть вторая: анализ конструкционных профилей)

Старославянский глагол быти используется в необычно богатом наборе грамматических конструкций. Для разрешения вопроса о статусе этого глагола (один глагол или глагольная пара), мы анализируем распределение конструкций на корпусном материале. Признавая вариативность и неоднозначность данных, наше исследование выходит за рамки строго структурального подхода к употреблению быти. Предлагаемый анализ интересен как с точки зрения лингвистической теории, так и с точки зрения описания языка. Понятие радиальной категории является центральным для когнитивной лингвистики, и до настоящего времени радиальные категории предлагались на основе квалитативного анализа конкретных данных. Мы демонстрируем, что структуры категории выводимы из статистического распределения лингвистических данных. Мы предлагаем компактное описание глагола быти, в котором четко разделяются центральные и более периферийные употребления, а также показаны связи между ними. Несмотря на то что некоторые данные указывают на парность, интерпретация быти как одного глагола является более оправданной.

VOLUME 58, NUMBER 2 Summer 2014

Marko Pavlyshyn
Experiments with Audiences: The Ukrainian and Russian Prose of Kvitka-Osnovianenko

Hryhory Kvitka-Osnovianenko (1778–1843) is commonly regarded as a pioneer in Ukrainian literary history: he was the first to write fictional prose in vernacular Ukrainian and to create dignified, rather than comic, peasant characters. This article considers exemplary texts, both Ukrainian and Russian, from the corpus of his fiction in order to enquire into one aspect of the rhetoric of these works: the way in which they imagine, address and seek to change their audience.

Four conceptions of audience are detected as addressees of Kvitka’s prose: 1) the all-imperial Russophone educated public, projected as culturally homogeneous, though the effect of homogeneity is sometimes difficult to sustain, as in “Voyagers” (1842); 2) the all-imperial Russophone public, part of which, however, is visualized as manifesting some form of attachment to the territory, history or culture of Ukraine, as in “The Captain’s Daughter” (1840); 3) a subset of the empire-wide public differentiated from the remainder of the Empire’s educated stratum by its competence in Ukrainian, but culturally remote from the untutored majority of the Ukrainian population; this is the audience addressed by Kvitka’s comic works in Ukrainian, notably “The Soldier’s Portrait” (1833); and, finally, 4) the sum of all Ukrainian speakers, educated and otherwise. This last, the audience projected as the addressee of the sentimental tale “Marusia” (1834), is congruent with a modern nation in that is an imagined community transcending social distinctions and united by shared features both cultural (a language) and psychological (an intuition of who constitutes ethnic “Others”). The significant novelty of Kvitka-Osnovianenko lies in his evocation of this crypto-national audience.

Марко Павлишин
Експерименти з публікою: Українська та російська проза Квітки-Основ’яненка

Григорій Квітка-Основ’яненко (1778–1843) в історії української літератури зазвичай уважається піонером: він першим писав художню прозу українською народною мовою і першим зображував селян персонажами гідними, а не комічними. Стаття розглядає окремі Квітчині україномовні та російськомовні тексти з метою з’ясування одного виміру риторики цих творів: способу, як вони уявляють собі свою публіку, звертаються до неї та намагаються її змінити.

Для прози Квітки характерні чотири види уявного адресата: 1) загальноімперська російськомовна освічена публіка, спроектована як культурно гомогенна, хоч враження гомогенності не раз важко підтримувати, як, наприклад, в оповіданні «Вояжери» (1842); 2) загальноімперська російськомовна публіка, частина якої, однак, чимось прив’язана до території, історії чи культури України, як у випадку повісті «Панна Сотниківна» (1840); 3) підмножина загальноімперської публіки, відмежована від цілості освічених верств Імперії володінням українською мовою, але водночас віддалена від неосвіченої більшості українського населення; до цієї публіки промовляють Квітчині комічні твори українською мовою, зокрема – «Салдацький патрет» (1833); і, вкінці, 4) всі, хто розмовляють українською мовою, як освічені, так і неосвічені. Остання група – авдиторія, до якої звертається сентиментальна повість «Маруся» (1834) – в дечому співпадає з проектом модерної нації, оскільки вона є уявною позакласовою спільнотою, солідарність якої ґрунтується на основі як культурній (спільна мова), так і психологічній (інтуїтивне усвідомлення етнічного «Іншого»). Кардинальна новизна творчості Квітки-Основ’яненка полягає саме в тому, що в ній цю крипто-національну авдиторію для української прози змодельовано вперше.


Marianna Landa
Symbolism and Revolution: On Contradictions in Maximilian Voloshin’s Poems on Russia (1917–1920s)

This article addresses both long-overdue and latest topics in Voloshin studies and the history of Russian literary response to the Revolution during the civil war from the perspectives of post-Soviet literary criticism. Voloshin’s poems on revolution (1917–1920s), immensely popular among his contemporaries and post-Soviet readers but still understudied in literary scholarship, became the subject of recent criticism in Russia. This criticism posits the moral problem of the poet’s religious justifications of the atrocities of the Revolution in some poems as opposed to his unconditional protest against the same atrocities in other poems. The present study examines this criticism by comparing the poems representative of Voloshin’s diverging messages, and offers an answer in Voloshin’s own words as found in excerpts of recently published memoirs on the poet. Voloshin’s explanation is further analyzed in the context of his Symbolist artistic program and applied as an interpretative key to the three of his “controversial” poems cited in the memoir. The conclusion of these close readings illuminates the tragic paradox between the poet’s humanist and religious messages from the perspective of his hidden Symbolist religious agenda and provides new perspectives on the Symbolist response to the Revolution and Voloshin’s literary legacy.

Марианна Ланда
Символизм и революция: о противоречиях в стихах М. А. Волошина о России (1917–1920е)

В статье исследуются малоизученные и современные темы волошиноведения и истории восприятия революции символистами. Пользовавшиеся огромной популярностью во время революции и в постсоветское время, стихи Волошина о России (1917-1920е) все еще мало изучены в литературоведении, но недавно стали предметом критики в России. Эта критика ставит моральную проблему несовместимости между религиозным приятием революционного насилия в одних стихах Волошина и непримиримым протестом против того же насилия в других. Данное исследование сравнивает стихотворения, выражающие эти противоречия, и находит ответ в словах самого автора, найденных в недавно опубликованных мемуарах о нем. Объяснение Волошина анализируется в контексте его символистской теории творчества и используется как ключ к прочтению его трех «противоречивых» стихотворений, указанных в мемуарах. Результаты этих трех прочтений показывают, как поэт поддерживал и преодолевал трагический парадокс в своих стихах, и открывают новые перспективы в исследованиях символизма и революции и наследия Волошина.


Robert Efird
Deleuze on Tarkovsky: The Crystal-Image of Time in Steamroller and Violin

Despite its inescapable status as a “diploma film,” Steamroller and Violin occupies a crucial place in the works of Andrei Tarkovsky. Though it is sometimes neglected in critical studies, this short early film already poses the challenges to conventional cinematic practice characteristic of Tarkovsky’s later works; the camera moves with remarkable fluidity between subjective and objective angles, spatial relationships are subtly or sometimes drastically undermined, and palpable tensions emerge as different levels of reality or time seem to coexist, even overlap. In this respect, Gilles Deleuze’s theories on the ability of the medium to create direct images of time as a productive force, beyond the empirical succession of discrete moments and subordination to movement, has provided a pivotal but often difficult perspective on Tarkovsky’s cinema. Deleuze himself was no stranger to Tarkovsky’s work and uses the filmmaker’s ideas and writings specifically several times in the text of Cinema 2: The Time-Image to help define what this term means and describe how the direct image of time is possible.

While many of the concepts described in Cinema 2 do shed considerable light on what strikes so many viewers as unique, and often problematic, in all of Tarkovsky’s work, perhaps nowhere do Deleuze’s theories, particularly those of the crystal-image, conform to Tarkovsky’s practice as closely or clearly as they do in Steamroller and Violin. This article examines the film as a unique variation of Deleuze’s concept (one which predates most of the examples cited by Deleuze in Cinema 2) as well as the philosopher’s own pronouncements on the filmmaker. The short film provides an exemplary illustration of the crystal-image. Most importantly, however, the concept helps to reveal critical aspects of Steamroller and Violin that have passed largely unnoticed in the five decades since it was made.

Роберт Ифрд
Делез и Тарковский: Образ-кристалл времени в фильме Каток и скрипка

Несмотря на статус “дипломного фильма”, Каток и скрипка занимает важное место в работе Андрея Тарковского. Критики не всегда об этом упоминают, но этот короткий ранний фильм представляет собой вызов обычному кинематографическому стилю; камера движется удивительно гладко между субъективным и объективными точками восприятия; пространственная связь очень тонка и часто разорвана, и возникает ощущение, что различные уровни реальности и времени сосуществуют в одном пространстве, иногда накладываясь друг на друга. Теория Жиля Делеза о способности кино создавать образ времени как продуктивной силы, вне эмпирической смены моментов и подчинения движению, обеспечивает стержневой, но не всегда верно понимаемый взгляд на кинематограф Тарковского. Делез сам хорошо знал теории Тарковского, использовал идеи кинорежиссера и упомянутое им несколько раз в тексте Кино 2: Образ-время для определения термина и объяснения образа времени. Хотя многие концепции, объясненные в Кино 2, проливают свет на то, что зрители воспринимают как уникальное и часто проблематичное во всех работах Тарковского, нигде теория Делеза не приближается к практике Тарковского так близко, как в фильме Каток и скрипка, особенно теория образа-кристалла. В этой статье фильм рассматривается как уникальная вариация концепции Делеза (сформулированная большинством примеров, процитированных в Кино 2), так же как и определение самого режиссера. Этот короткий фильм представляет отличную иллюстрацию образа-кристалла. Но наиболее важно то, что эта концепция помогает обнаружить критические аспекты фильма Каток и скрипка, которые проходили незамеченными более полувека с момента его создания.


Ljiljana Šarić
Moving Into, Away, and Where Else? A Semantic Analysis of the Verbal Prefix u- in Bosnian/Croatian/Serbian

In contemporary BCS, the prefix u- is a phonetic and semantic coalescence of two distinct spatial concepts: one relates to containment (Late Common Slavic *vъ) and the other one to movement away (Late Common Slavic *u). These concepts are realized, for instance, in uskočiti ‘jump into’ vs. uteći ‘run away’.

Using a database of more than 1,100 u-verbs collected from various sources, this article examines how the two spatial schemas of u-, the ENTRY and the MOVE AWAY schema, relate to each other and how the concrete spatial meanings that these two schemas generate affect abstract meanings of the prefix. The analysis develops a semantic network of u-verbs based on the database showing that the two schemas underlie the semantic profile of all the u-verbs: both those with and those without any apparent spatial motivation.

Furthermore, the analysis demonstrates that the two seemingly contrasting schemas show not only differences, but also similarities. Illustrating form-internal antonymy, ENTRY and MOVE AWAY can be understood as a unity at a more abstract level. Moreover, these schemas blend at the constructional level. Because ENTRY and MOVE AWAY provide a basis for similar metaphorical inferences, many verbs can semantically be linked to both: for instance, both spatial schemas provide the spatial motivation of u- as a perfectivizer because both the “path into” and “path away from” can transform into metaphorical goal attainment.

Ljiljana Šarić
Semantička analiza glagolskoga prefiksa u- u bosanskom/hrvatskom/srpskom

U suvremenim b/h/s standardima, u- je fonetski i značenjski spoj dvaju različitih koncepata od kojih su oba prostorne prirode: jedan se odnosi na sadržavanje i slikovnu shemu spremnika (psl. *vъ), a drugi na odmicanje (psl. *u). Ti su naoko suprotni koncepti vidljivi, primjerice, u glagolima uskočiti i uteći. Na temelju baze podataka s više od 1100 u-glagola skupljenih u različitim izvorima, ovaj rad ispituje kako su dvije različite prostorne sheme prefiksa u-, ULAŽENJE i ODMICANJE,  povezane te kako se konkretno prostorno značenje koje one uvjetuju odražava na apstraktna značenja prefiksa u-. Analiza razrađuje značenjsku mrežu glagola s u- pokazujući da su dvije spomenute sheme u temelju svih u-glagola, i onih s očiglednim prostornim značenjem, kao i onih u kojima je prostorno značenje manje vidljivo. Nadalje, analiza pokazuje da dvije naoko suprotstavljene sheme imaju mnogih sličnosti. Ilustrirajući unutarobličnu antonimiju, ULAŽENJE i ODMICANJE mogu se na apstraktnoj razini shvatiti kao jedna kategorija: te sheme stvaraju osnovu za slična metaforička proširenja, te se mnogi glagoli s prefiksom u- mogu povezati s objema. Obje sheme, primjerce, mogu obrazložiti prostornu motiviranost prefiksa u- u ulozi perfektivizatora, jer se prostorni koncepti “puta u” i  “puta od” mogu transformirati u označavanje dostizanja cilja.


George Rubinstein
Russian Multiple Correlations as Binary Aspectual Oppositions

This article describes multiple aspectual correlations (further MAC) with more than two partners. Descriptions of Russian correlations of three partners (aspectual triplets) can be found in linguistic literature. However, descriptions of correlations with more than four partners are practically non-existent. Moreover, the existing definitions of MACs do not relate to aspectual quintuplets, sextuplets, etc. which scholars found in other Slavic languages, e.g. in Czech, but which have not been studied in Russian. Such a situation is justified by the following definition of MACs, as proposed by A.N. Tixonov and shared by many Russian linguists: “In multiple correlations one form of any aspect corresponds to two (rarely three) forms of the opposite aspect.” In the present article, another definition of MACs is proposed: “In multiple correlations any form of one aspect corresponds to any form of the opposite aspect.” This definition is based on the understanding of MAC as a chain composed of binary aspectual partners. This article widens the understanding of an aspectual pair by introducing its new kind – a cross-correlated pair, which satisfies all requirements of aspectual pairedness, including identity of the root, and lexico-semantic identity, but allows for some difference in synonymic affixes. Such relations can be exemplified by a quadruplet of two synonymic perfectives (окопа́тьp - обкопа́тьp дерево  ‘dig around a tee’) with their derived imperfectives (окапыватьi аnd обкапыватьi), which canform two standard pairs (окопа́тьp – окапыватьi  аnd обкопа́тьp – обкапыватьi), and two cross-correlated ones (окопа́тьp – обкапыватьi аnd обкопа́тьp – окапыватьi). In such pairs, semantic identity overcomes some difference in morphological expression. The article identifies the sources of multiple correlations, describes their pаttern types and supplies the schemas, illustrating aspectual oppositions graphically. Comparing paired aspectual correlations with multiple ones permits us to substantiate the benefits of the latter. They provide a multiplicity of ways to express the meaning required by speakers, in order to avoid the boredom of sameness, etc.

Георгий Рубинштейн
Многочленные корреляции в русском языке как бинарные видовые оппозиции

В статье описываются видовые корреляции  с числом членов больше двух. В лингвистической литературе имеются описания русских трёхчленных корреляций (видовых троек). Однако описания корреляций с числом членов более четырёх практически отсутствуют. Более того, существующие определения многочленных видовых корреляций не касаются  видовых пятёрок, шестёрок  и  т. д, которые учёные находят  в других славянских языках, например, в чешском, но которые не исследованы в русском языке. Такая ситуация оправдана следующим определением многочленных видовых корреляций, предложенным А.Н. Тихоновым и поддержанным рядом русистов: «В многочленных корреляциях одной форме того или иного вида соответствуют две (редко три) формы противоположного вида». В предлагаемой статье даётся другое определение многочленных корреляций: «В многочленных корреляциях каждой форме того или иного вида соответствует каждая форма противоположного вида». Это определение основано на понимании многочленной корреляции как цепочки, содержащей  видовые пары. В статье предлагается расширить понимание видовой парности  за счёт введения её новой разновидности – перекрёстной видовой пары, которая  удовлетворяет  всем требованиям видовой парности, включая одинаковость корня,  идентичность лексической семантики, взаимозаменяемость в идентичных контестах, но которая допускает некоторое различие синонимичных аффиксов (например, отирать (несов.) – обтереть (сов.) слёзы; брезгать (несов.) – побрезговать (сов.) есть немытые фрукты. В таких парах семантическая идентичность преодолевает некоторое различие в морфологическом  выражении. В статье идентифицируются источники таких корреляций, описываются типы их моделей  и приводятся схемы, графически изображающие видовые оппозиции. Сопоставление парных видовых корреляций с многочленными позволяет обосновать пользу выделения последних (представление множества способов выражения заданного значения, удовлетворение потребности говорящих разнообразить свою речь, преодолеть монотонность выражения и т.п.).


Oscar Swan
Just How Important is Explanation?: A Response

This article responds to a 2012 SEEJ article by VanPatten, Collopy, and Qualin concerning an experiment conducted to evaluate the effects of explicit grammatical explanation on the ability of adult learners to process subject-object inversion in Russian. The experiment is replicative of prior studies devoted to Spanish and German, which the authors adapt to Russian. In the end, the authors conclude that explicit grammatical explanation does not facilitate the learning task they set for their examinees. They further use the results of this experiment to cast doubt on the efficacy of explicit grammatical explanation in general. The present response argues that, because of inadequacies in explanation, experimental design and procedure, and a flawed understanding of the subject they are investigating, the experiment they describe cannot be used to assess the value of explicit grammar explanation in foreign language teaching.  

Osкар Сван
Насколько важно объяснение? Ответ

Данная статья является ответом на статью ВанПаттена, Коллопи и Квалина, опубликованную в 2012 году в SEEJ, в которой рассматривается эксперимент, проведенный с целью оценки эффективности объяснения грамматики на способность взрослых учащихся интерпретировать инверсию субъект-объект в русском языке. В этом эксперименте на материала русского языка  воспроизводятся проведенные ранее исследования на испанском и немецком языках. В результате эксперемента авторы приходят к выводу, что само по себе объяснение грамматического материала никак не способствует облегчению процесса обучения испытуемых. Авторы далее используют результаты этого эксперимента,  чтобы поставить под сомнение эффективность грамматического объяснения в целом. Настоящий анализ доказывает, что вследствие недостатков в объяснении, процедуре и даже в понимании самого предмета инверсии  описываемый эксперимент не может быть использован для оценки целесообразности объяснения грамматического материала в преподавании иностранных языков.

SEEJ VOLUME 58, NUMBER 1,  SPRING 2014

Greta Matzner-Gore
Gogol’s Language of Instability: “The Tale of How Ivan Ivanovich Quarreled with Ivan Nikiforovich” and the Problem of Identity

This article examines themes of mutability and impermanence in “The Tale of how Ivan Ivanovich Quarreled with Ivan Nikiforovich,” focusing on the way the narrator’s own disjointed prose morphs and distorts the already unstable world of Mirgorod. It identifies five disruptive rhetorical devices: transformative names, fantastic similes that turn into equalities, “too much information” similes (that compare an object to too many different things), “not enough information” similes (that declare an object incomparable, unlike anything at all), and illogical lists. It reads the famous final image of Mirgorod as an undifferentiated grey wasteland as evidence of the destruction metaphoric language can wreak in the world of Gogol’s fiction. The endless transformations wrought by narrator and characters alike (from the equation of Ivan Ivanovich to a gander that starts the quarrel, to the narrator’s transformative similes) take their toll. People and things lose their distinctiveness, and everything in Mirgorod starts to resemble everything else.       

Грета Мацнер­-Гор
Гоголевский язык нестабильности: “Повесть о том, как поссорился Иван Иванович с Иваном Никифоровичем” и проблема идентичности

Эта статья рассматривает темы изменчивости и неустойчивости в Повести о том, как поссорился Иван Иванович с Иваном Никифоровичем, в частности, то, как метафорический язык рассказчика изменяет и искажает художественный мир повести. Автор статьи концентрируется на пяти риторических фигурах: на именах, способных к трансформации; на сравнениях, которые неожиданно становятся тождествами; на тех моментах, когда рассказчик сравнивает один и тот же предмет со многими разными предметами или утверждает, что какой-либо предмет несравним (его ни с чем невозможно сравнить); и на нелогичных перечислениях. С точки зрения автора статьи, последний образ, который появляется в повести—образ монотонного, серого Миргорода—свидетельствует об опасности метафорического языка в художественном мире Гоголя. Нестабильная идентичность персонажей, трансформирующиеся сравнения и имена, которыми изобилует Миргород, побеждают.  Все в городе оказывается похожим на все, единство идентичности разрушается раз и навсегда.


Gary Rosenshield
Dostoevsky’s Notes from the House of the Dead: The Problem of Pain

There are relatively few literary landmarks before the twentieth century in which physical pain figures prominently. Though the representation of physical pain is also rare in nineteenth-century Russian literature, in several works of Tolstoy and Dostoevsky, physical pain plays a surprisingly vital role. Whereas In War and Peace and The Death of Ivan Ilyich, pain is tied to the revelation of truth, in Dostoevsky's Notes from the House it is much more linked, as in Aeschylus, Sophocles, and Dante, with the problem of justice. But Dostoevsky ranges much further in his portrayal of power, exploring the links between pain and class, pain and power, and pain and humiliation. He also does not confine himself to the victims of pain, the recipients of corporal punishment, he shows as much interest in its perpetrators.  Nor does he present the narrator, Alexander Petrovich Goryanchikov, as an objective observer. The narrator sometimes imagines himself a victim, however, as a member of the ruling classes, he, too, is implicated in that terrible practice of inflicting pain-- corporal punishment -- that he presents as endangering the moral fiber of the nation.

Гари Розеншильд
Записки мервого дома Достоевского: Вопрос о боли

В западной литературе до двадцатого века существует относительно мало литературных памятников, в которых концепция физический боли играла значительную роль. Хотя изображение боли редко встречается в русской литератре двенадцатого века, в некоторых произведениях Толстого и Достоевского физическая боль сильно влияет на все происходящее. В романах Война и мир и повесть Смерть Ивана Ильича, боль тесно связана с отктытием правды, но в Записках из мертвого дома Достоевского, также как и в пьесах Эсхила, Софокла и Данте, физическая боль гораздо теснее связана с вопросом о справедливости. В изображении боли Достоевский идет дальше своих предшестников, анализируя ваимоотношения боли и сословия, боли и власти, боли и оскорбления. Он изображает психологическое состояние не только идущих на телесное наказание но и исполяющих, иногда с усердием, телесное наказание – так называемых палачей. Достоевский не изображает рассказчика, Александра Петровича Горячникова, как объективного наблюдателя. Хотя рассказчик иногда представляет себя как жертву, он хорошо понимает, что как представитель начальства и дворянства, то есть член правящих классов, он не без вины перед народом, но, на самом деле, является соучастником страшного общественного зла – прмменения телесного наказания – которое угрожает разрушить моральные основы русского государства.


Henrietta Mondry
In Praise of Ethnic Dress: Konstantin Leontiev’s Politics of Diversity

This paper examines the nexus between Leontiev’s ideas on diversity in society and his representation of ethnic and quasi-ethnic male costumes of selected nationalities of Ottoman Turkey in the 1860s–1880s. Leontiev rejected the idea of race as a biological category. He praised ethnic diversity as part of his notion of complex diversity in society. While his model of society was based on biological principles, his views on ethnic cultural diversity were not related to the biological model of race.                                                    

Генриэтта Мондри
Хвала этнической одежде: политика разнообразия Константина Леонтьева

Данная статья ставит своей целью показать, как эстетические положения, основанные на социальной теории Константина Леонтьева, отражаются в описаниях народной одежды в его романах. Социальная теория Леонтьева была построена им на постулатах биологических наук.  В частности, ему принадлежит идея сложного цветения в природе и в социуме, основанная на многообразии видов в природе.  Его формализм был основан на идее деспотизма формы в природе. Леонтьев был дипломатом в Турции, где он познакомился с разнообразным по этническому составу населением. На основании многочисленных примеров из эссеистики и романов Леонтьева представляется возможным доказать, что писатель превозмог влияние таких теорий о внешности, как физиономика Лаватера, которая считается родоначальницей расовых теории 19 века. Уникальность позиции Леонтьева состоит в том, что он понимал этническое своебразие отдельных народов не вводя в принцип народности таксономий и иерархий, свойственных современной ему  концепции  расы.


Marina Rojavin
If the Swallow Made the Prince Happy: Translating Wilde into Russian

When reading Oscar Wilde’s The Happy Prince and the translations by Kornei Chukovsky and by P. Sergeev and G. Nuzhdin, the reader discovers different characters and different stories. The choice of the names of the main characters and, consequently, the grammatical gender of the chosen names, guides the plot development in the three works to different situations, while the semantics of images associated with the chosen names affects the language and artistic images of the stories overall and calls the reader for dissimilar connotations and associations. This article shows whether the translations are faithful to the original, what allusions the depicted images evoke, and how the translations are perceived within the receiving culture.

Марина Рожавин
Сделала ли Ласточка Принца счастливым (Оскар Уайльд на русском языке)

Читая «Счастливого Принца» Оскара Уайльда и два перевода, выполненных К.И. Чуковским и П. Сергеевым и Г. Нуждиным, читатель обнаруживает разных героев и разные истории. Выбор имени и его грамматический род приводит развитие сюжета к различным ситуациям в трех историях. В то же время семантика образов, связанная с выбором имени, влияет на язык и на художественность текстов в целом, вызывая у читателя разные коннотации и ассоциации. В настоящей статье показывается, насколько переводы соответствуют оригиналу, какие аллюзии вызывают изображаемые образы, а также насколько переводы соответствуют контексту русской культуры. 



Geoffrey Cebula
Aleksandr Tufanov’s Ushkuiniki, Historicist Zaum', and the Creation of OBERIU

This article reconsiders the theories and legacy of the poet Aleksandr Tufanov in light of his long poem The Pirates of Novgorod [Ushkuiniki]. Tufanov was a major figure in two intersecting narratives of the late Russian avant-garde: the effort to theorize zaum´ poetry and the formation of OBERIU. Previous attempts to evaluate his role in these narratives have paid insufficient attention to Pirates and its importance to Tufanov’s understanding of zaum´. Centered around an integral reading of this neglected work, the present article argues that Tufanov gravitated steadily toward a conception of language as an idealized carrier of cultural memory and of the poet as a subjective bridge to the national past. This utopian view of language provides grounds for reinterpreting the reasons underlying his break with the future oberiuty Daniil Kharms and Aleksandr Vvedensky. Moreover, it allows us to contextualize Tufanov’s poetic project as a response to the historical traumas of the Revolution and the First World War, one that affirms a radical continuity between Soviet present and prerevolutionary past.

Джефф Цебула
«Ушкуйники» Александра Туфанова, историчная заумь, и возникновение ОБЭРИУ

В данной статье рассматриваются творчество и языковые теории поэта-заумника Александра Туфанова (1877–1943), в частности, его поэма «Ушкуйники» (1927). На основе подробного анализа этой поэмы автор прослеживает эволюцию теоретических взглядов Туфанова, который постепенно приходил к мнению о том, что его заумное творчество является особым видом культурной памяти, а он сам неким сверх-историческим «баяном» (певцом), соединяющим настоящее с минувшими этапами в развитии русской культуры. По мнению автора, именно такие взгляды Туфанова могли способствовать его разрыву c будущими обэриутами, Д.И. Хармсом и А.И. Введенским. В то же время, своеобразная историческая задача туфановской зауми дает нам основание понимать «Ушкуйников» в более широком контексте, как попытку определения отношений между советской действительностью и национальным прошлым.


Oscar Swan
Sarah Palin był duży błąd [Sarah Palin was a big mistake]:AA and the in situ learning of Polish

Anne Applebaum, a well-known American journalist and author, has lived primarily in Poland for more than twenty years, working and raising a family. Formally untrained in Polish, she nevertheless has acquired sufficient facility in the language to give occasional interviews on Polish television, several of which have been recorded and placed on YouTube. The examination of the speech of these interview samples provides insight into the challenges faced by so-called ‘naturalistic’ English-speaking learners of morphologically complex languages. Rather than having acquired Polish exactly, Applebaum has developed what Seliker (1972) and followers have called a fossilized interlanguage, a personal linguistic system for interfacing between English and Polish, which she manipulates with remarkable skill. Rather than being idiosyncratic to Applebaum, features of this interlanguage are similar to what is described for American learners of morphologically complex languages in general, including ‘heritage speakers’ of these languages. Among other things this study underlines by extrapolation the importance of formal language training, along with the careful attendance to grammatical structure, at early stages of the language-learning process if language fossilization is to be avoided.

Oscar Swan
„Sarah Palin był duźy błąd”:  AA i nauka języka polskiego in situ.

Przedmiotem niniejszej pracy jest analiza osobliwego wariantu języka polskiego
mówionego, na podstawie materiału będącego zapisem wywiadów „na żywo”
udzielonych przez amerykańską dziennikarkę, która spędziła ponad dwadzieścia lat
w Polsce pracując i wychowując tam dzieci. Pomimo faktu, iż nigdy nie uczyła się
ona formalnie języka polskiego, nabyła wystarczających umiejętności językowych,
aby publicznie udzielać wywiadów dla polskiej telewizji. Niektóre z tych wywiadów,
związane z różnorodną tematyką, zostały nagrane i umieszczone na „YouTube.” Badanie cech językowych tych wywiadów od strony formalnej pozwala na analizę wielorakich trudności stojących przed tzw. „ naturalistycznymi”  anglojęzycznymi uczniami języka polskiego oraz języków morfologiczniezłożonych w ogóle. Zamiast przyswoić sobie struktury języka polskiego sensu stricto, osobie badanej udało się rozwinąć to, co Selinker (1972) i jego naśladowcy nazywają „interlanguage”, tj. system językowy leżący na granicy jednego języka (w tym przypadku rodzimego języka angielskiego) i drugiego (języka polskiego), który, w tym przypadku, jest manipulowany przez użytkownika w niezwykle zręczny sposób. Cechy tego „interlanguage” nie są typowe tylko dla naszego użytkownika, lecz przypominają cechy natywnych mówców języka angielskiego uczących się języków morfologicznie „trudnych” w ogóle, w tym „heritage speakers” tych języków. Niniejsza praca podkreśla potrzebę formalnej nauki języka strukturalnie trudnego, od pierwszego momentu kontaktu z nim, wraz z dokładną analizą jego struktur gramatycznych, w celu uniknięcia tzw. skostnienia językowego („language fossilization”).

VOLUME 57, NUMBER 4, Winter 2013

Pål Kolstø and Ulrich Schmid
Fame, Sainthood and Iurodstvo: Patterns of Self-Presentation in Tolstoi's Life Practice

As a social and religious teacher Tolstoy searched for a proper balance between community engagement and moral self-perfection. He warned equally against the “sin of Stylitism” (i.e. asceticism for the sake of one’s own salvation) and the “sin of socialism”. A possible via media between these two extremes was a specific phenomenon in Russian Orthodox spirituality known as iurodstvo. While iurodstvo in the West is mostly known as a kind of religious irrationality (“folly for the sake of Christ”), in Russia it is understood primarily as a path towards moral perfection which, in contrast to monasticism, can be pursued only v miru, in the world.

In his dairies and writings Tolstoy several times discussed the virtues of iurodstvo, also as a model for his own ministry. The iurodivye, like Tolstoy, aimed for a state of passionlessness, apatheia, which would enable them to endure the scorn of their fellow men. At the same time the ‘fool’, due to his unique position of being both in society and above its social convention, could censure human injustice, such as abuse of property, arbitrary power, and social arrogance, wherever it was found, calling down the wrath of heaven upon those who failed to repent. While these features of iurodstvo clearly appealed to Tolstoy, he nevertheless failed to adopt this form of spirituality as a model for his mission and holiness. The iurodivyi ‘preached’ only orally or through wordless action. This method Tolstoy was unable to restrict himself to. The ‘asceticism’ of abstaining from the written word was impossible for the inveterate writer.

Пол Колстë и Ульрих Шмид
Слава, святость и юродство: Модели саморепрезентации в жизненной практике Льва Толстого

Толстой разрывался между желанием вкусить, с одной стороны, мирской славы, с другой – Духа Святого. Он работал над собой в стремлении к совершенству и одновременно пытался как можно шире распространять свои религиозные взгляды. Для достижения этой противоречивой цели он выбрал для себя позу юродивого, тем самым исподволь утверждая тот мистический идеал Русской православной церкви, против которого он внешне так люто воевал. Одним из немногочисленных богословов, обративших внимание на исторические корни толстовской позы, был Василий Экземплярский (1875–1933). Русская православная церковь, однако, не признавала подобную точку зрения, и Экземплярский в 1912 году был вынужден покинуть кафедру в Киевской духовной академии.


Alexander Burry
A Stony Vengeance: Donjuanism and Retribution in Anna Karenina

This article analyzes allusions to the Don Juan theme in Tolstoy’s Anna Karenina. As critics have noted, Stiva’s recollection of the aria “Il mio tesoro” from Mozart’s Don Giovanni in the opening chapter recalls Tolstoy’s Biblical epigraph, as both passages signal divine retribution for erotic indiscretion. The parallels between the plotline involving Anna and The Stone Guest, though, indicate that Tolstoy had Pushkin’s The Stone Guest in mind as well. Tolstoy’s heroine betrays a stodgy older husband, as her namesake is about to do in Pushkin’s play. Like Donna Anna, Tolstoy’s protagonist brings a rigid Commander-like character (Karenin) together with a Don Juan figure (Vronsky) in a curious triangle in which the “two Alekseis” merge in a gesture of temporary reconciliation at her deathbed. This scene recalls Pushkin’s concluding stage direction of “provalivaiutsia,” indicating a motion of falling together, rather than the Statue’s traditional act of sending Don Juan to hell. Tolstoy develops this notion of the identity of ostensible opposites, as Karenin and Vronsky are both unable to provide Anna with the happiness she seeks. He also develops Mozart and Pushkin’s focus on the uncanny, inexplicable relationship between human actions and their consequences, by which the traditional direct vengeance on an unrepentant libertine becomes a more complex, inscrutable punishment. Tolstoy, similarly, depicts an irrevocable, inhuman agent of retribution waiting to crush what lies in its path. Both the stone statue that destroys Don Juan and the “cast-iron wheels” of the train that kills Anna represent inanimate objects that inexorably cut off human freedom and passion. More broadly, the fate of a rebel in both works serves as a starting point for Tolstoy’s political statement about his own times, as Anna’s death points to broader apocalyptic anxieties regarding Russia’s future.

Александр Бурри
Каменная месть: Донжуанство и возмездие в Анне Карениной

В настоящей статье анализируются аллюзии в Анне Карениной на оперу Дон Жуан Моцарта и пьесу Каменный гость Пушкина. Некоторые критики рассматривают сон Облонского в начале романа, в котором ему кажется, сначала, что приснилась моцартская ария «Il mio tesoro». Эта ария (и опера) разделяет тему сексуального разврата и его следствия с Анной Карениной, которая начинается с эпиграфом о возмездии Бога: «Мне отмщение, и аз воздам». Но в романе Толстого можно ещё найти мотивы из маленькой трагедии Пушкина. Анна изменяет суровому, пожилому супругу, как её тёзка, вдова Дона Анна, собирается предать память мужа в конце Каменного Гостя. В Анне Карениной Толстой еще рассматривает конфликт между супругом героини и молодым, развратным любовником. И Каренин, как командор в пьесе Пушкина, неожиданно «торжествует» над противником в этой борьбе, только в психологическом смысле: из-за великодушности и христианского прощения Каренина, Вронский чувствует унижение своего положения, и делает попытку самоубийства.

Делая такие параллели с донжуанской легендой, Толстой больше всего интересуется именно теми местами, где Пушкин изменяет донжуанский сюжет оперы Моцарта. В Анне Карениной, Толстой продолжает развивать интерес Моцарта и Пушкина к неотвратимости судьбы, и к связям между человеческими действиями и их последствиями. В опере есть некоторое чувство воздаяния: наказание Дон Жуана до некоторой степени соответствует его преступлению. С другой стороны, Пушкин подчёркивает отсутствие справедливости в судьбе Дон Гуана, так как его герой, кажется, только что впервые чувствует настоящую любовь (к Доне Анне). Таким способом Пушкин превращает традиционное наказание нераскаявшегося либертина в более сложное, загадочное возмездие. В «Каменном госте» более трудно понимать, откуда происходит возмездие, и почему. Толстой, подобным образом, изображает необъясимую силу, равнодушно уничтожающую все на своем пути. Так же как Пушкин, Толстой изображает нечеловеческий носитель возмездия, но он переводит этот образ в современный контекст. Вместо камня Пушкинской статуи, поезд, который губит Анну, символизирует неумолимое разрушение человеческой свободы и страсти. Более того, Толстой связывает тот же апокалиптический образ с актуальными политическими событиями своего времени: поезд ещё приносит смерть Вронскому и остальным добровольцам, направляющимся на смертельную войну в Сербии.


Mark Pettus
Staging “Hamlet”: The Ethical and Aesthetic Dimensions of Space in Pasternak’s Doctor Zhivago

In attempting to elucidate the enigmatic “theatrical” setting of the opening six lines of the poem “Hamlet,” while also explaining the poem’s classification as an “urban” poem, this paper describes an urban/provincial, public/private threshold that is deployed by Pasternak throughout the prose and poetry of the novel as a structural device capable of dramatizing his central ethical and aesthetic concerns. Chief among these is the problem of the ethical duty of the poet with regard to his historical age, in light of the Christian ethics and views of history and the self developed in the novel by Zhivago’s uncle, Vedeniapin. The article compares a number of examples from both the prose and poetry sections of the novel in order to describe the stance of the observing poet upon the threshold as aesthetically valuable only to the extent that it anticipates the ethically decisive step into history that, in imitation of Christ, affirms the eternal value of the self even as that self kenotically submits to its historical fate beneath the anonymizing gaze of the crowd. In particular, the article discusses the significance of sound upon the threshold (particularly the category of gulkost’), the notion of predel’nost’ in the poetry, and the reciprocating gazes of actor and audience. Finally, the paper concludes that it is not the form or the immediate content of “Hamlet” that makes it an urban poem, but rather the aesthetic and ethical concerns, intimately connected with the modern city, that are encoded in the space of “Hamlet.”

Марк Петтус
"Гамлет" на сцене: этические и эстетические параметры пространства в романе Пастернака" Доктор Живаго

В попытке пролить свет на загадочное "театральное" оформление шести вступительных строк поэмы "Гамлет", одновременно объясняя классификацию данной поэмы как "городской", настоящая статья предлагает описание городского/провинциального, публичного/частного "порога", который используется Пастернаком в прозаической и поэтической частях романа в качестве структурного приема, позволяющего наглядно подчеркнуть основные этические и эстетические вопросы, волнующие автора. Важнейшим из них является проблема этического долга поэта по отношению к его исторической эпохе в свете христианской этики, а также взглядов на историю и личность, развитых в романе Веденяпиным. В статье сравнивается ряд примеров из прозаической и поэтической частей романа с целью показать, что позиция наблюдающего поэта, находящегося "на пороге", является эстетически ценной лишь в том смысле, что она предвосхищает этически решающий шаг в историю, который, в подражание Христу, провозглашает вечную ценность личности, несмотря на то, что эта личность кенотически покоряется своей исторической судьбе под обезличивающим взглядом толпы. В частности, в статье обсуждается важность звуков на пороге (особенно категория "гулкости"), понятие "предельности" в поэзии и обмен взглядами между актером и зрителями. В заключение, в статье делается вывод о том, что не форма или непосредственное содержание "Гамлета" делают его городской поэмой, а эстетические и этические проблемы, тесно связанные с современным городом, которые зашифрованы в пространстве "Гамлета".


Petre Petrov
The Soviet Gnomic (On the Peculiarities of Generic Statements in Stalinist Officialese)

An easily identifiable, yet insufficiently studied feature of official Soviet discourse is the ubiquitous deployment of statements that spell out hallowed Marxist-Leninist principles, immutable laws of socio-economic development, or the ethical norms of socialist society. Examples of this are slogans like “The Party is the mind, honor, and conscience of our time”; “Cadres decide everything”; “Socialist democracy guarantees genuine people’s power and social justice.” These ideological messages are a particular cultural variety of the general semantic species known as “generic” or “gnomic” propositions. The article examines statements of this kind, arguing for their significance in understanding Soviet, and in particular Stalinist, ideology. By analyzing multiple instances of official discourse, it seeks to show that Soviet gnomic statements are often semantically indeterminate. In many contexts, they allow simultaneously two interpretations: a properly “universal” reading, abstracted from any specific time, place, or referent; and an “existential” one, aiming at an ongoing process or current state of affairs. This fact presents a challenge to influential semantic theories according to which gnomic statements should have only one—the universal—reading. It also raises intriguing questions about the ideological construction of reality within Stalinist culture.

Петър Петров
О семантике генерических высказываний в официальном дискурсе сталинизма

В данной статье рассматривается определенный тип идеологических высказываний, характерный для официального дискурса сталинского и, шире, советского, времени. Имеются ввиду генерализированные, генерические предложения типа «Социализм обеспечивает высокую производительность труда». На основе семантического анализа ряда примеров, показывается, что эти высказывания не только позволяют, но и предполагают двойственную интерпретацию. Рядом с генерическим значением (обобщенность, нереферентность, «вневременность»), они реализуют также экзистенциальную семантику (существование, локативность, событийность). Анализированные в статье примеры сталинского идеологического языка почерпнуты из главного партийного журнала «Большевик» за период 1930–1934 лет.


Yuliya Minkova
“Our Man in Chile, or Victor Jara’s Posthumous Life in Soviet Media and Popular Culture”

When General Pinochet’s junta took over the government of Chile in September of 1973 and detained thousands of people in a concentration camp at the National Stadium in Santiago on the suspicion of resistance, the folk singer, theater director, and communist Victor Jara was found among the victims. The Chilean martyr for communism comes to occupy the ideological space of the homo sacer in the Soviet press of the 1970s and 80s, where his image served to strengthen and legitimize the regime. I will specifically explore how these narratives establish the agency of the state as the authoritative and punishing subject outside of the culprit/pain causality through the exhibition of Victor Jara’s body.

Юлия Минькова
Наш человек в Чили: Посмертная жизнь Виктора Хары в советской прессе и поп-культуре.

В этой статье анализируется освещение советской прессой 1970х-80х годов фигуры чилийского певца Виктора Хары, убитого после прихода к власти диктатора Пиночета. Образ трагически погибшего коммуниста использовался в пропагандистских целях в роли homo sacer эпохи застоя, таким образом поддерживая и легитимируя советский режим. В первую очередь меня интересуют дискурсивные методы (например, выставление напоказ покалеченного тела Хары, многократные описания его ранений и т.д.), с помощью которых в этих текстах советское государство изображалось как могущественный и карающий субъект.


Frank Y. Gladney
О синтаксисе, морфологии и семантике аспекта в русском языке

Verbal aspect developed in Russian when iterative thematization was grammaticalized in prefixed verbs. Examples of iterative thematization (aka suffixes) are the -va- in znavál and the -yva- in písyval. These unprefixed forms are stylistically marked in modern Russian and limited to the past tense. The same thematizations occur in prefixed uznavál and zapísyval, which are not restricted to iterative use and are not stylistically marked; they are the regular imperfective forms of uznál and zapisál. Following aspectologists like Ju. S. Maslov and A. V. Isačenko, I treat verbal aspect as inflectional (syntactic). This means uznál and uznavál are forms of the same verb, not forms of two derivationally related verbs, uznat' and uznavat'. If uznál and uznavál are forms of the same verb—more precisely of the same prefix-verb compound [V [P /u/ ] [V /zna/ ] ]— its inflection besides introducing the ending /l/ must also introduce thematic -va- in imperfective use (nothing in perfective use as uznál is athematic). For aspectual inflection to operate, the prefixed verb must have the articulated structure [V P V ]. This enables the rules of morphology to provide contrasting thematization for znal and uznavál, although they are both imperfective. Verbal prefixation is effected by a sublexical phrase-structure rule that expands V as P V, followed in this case by the lexical insertions P  /u/ and V  /zna/. With verbal prefixation being handled in the syntax, aspectual morphology boils down to the thematization of the verb, e.g., -zna- to -znava- and -pis- to -pisyva- in imperfective use. A major role in verbal aspect is played the prefix. When it has spatial meaning, the P-V compound occurs freely in both perfective and imperfective sentences. When its meaning is abstract, the P-V’s occurrence in an imperfective sentence is restricted. And when it is semantically depleted (empty) the P-V cannot occur in an imperfective sentence.

Френк Гледни
Наш человек в Чили: Посмертная жизнь Виктора Хары в советской прессе и поп-культуре.

Глагольный вид возник в русском языке благодаря грамматикализации итеративной тематизации в префиксных глаголах. В беспрeфиксных формах знавал и писывал тематические элементы -ва- и -ыва- придают им значение итеративности, исключающее значение дуративности (в молодости он писывал стихи ~ *в тот момент он писывал письма). Но в префиксных формах узнавал и записывал -ва- и -ыва- подвергаются грамматикализации и этого ограничения нет. Вслед за Ю. С. Масловым и А. В. Исаченко автор относит глагольный вид к словоизмению, считая узнал/узнавал и записал/записывал формами одного глагола (точнее, одного префиксно-глагольного сложения). Словоизменение при формах узнавал и записывал имеет задачу введения тематических элементов -ва- и -ыва-. Применение этого правила требует структуру [V P V ], чтобы узнавал и записал получили иную тематизацию, чем знал и писал, при том же несовершенном виде. Глагольные структуры типа [V P V ] порождаются синтактическим правилом V  P V, за которым следуют лексические правила типа P  /za/ и V  /pis/. Таким образом глагольная префиксация отведена в область синтаксиса, причем аспектная морфология сводится к тематизации. Что касается семантики, главную роль играет значение префиксов. Если префикс имеет пространственное значение, сложение [V P V ] выступает свободно в предложениях с обеими видами. Если он имеет нуленое значение (ср. напишет, попросит, сделает и т. п.), [V P V ] ограничено предложениями совершенного вида. А если префикс имеет абстракное значение—в случае сложений большинством авторитетов отнесенных к разным способам действия—тут наблюдается преобладание итеративной тематизации.


VOLUME 57, NUMBER 3 Fall 2013

Ula Lukszo Klein
The Orientalist’s Gaze in Mariusz Wilk’s Wołoka

Mariusz Wilk’s 2005 travelogue/memoir Wołoka is the second in a series of works by Wilk about his life and travels in Northern Russia. Wołoka, perhaps more than the others, explicitly positions itself as a travelogue that emphasizes Wilk’s persistent interests in cross-cultural exchanges and self-discovery. This article explores the success of Wilk’s self-proclaimed tropa in light of recent work on postcolonial relations between Poland and Russia. Drawing on classic works of postcolonial theory by Gayatri Spivak, Edward Said, and Mary Louise Pratt, as well as more recent work on Polish postcolonial relations, I analyze the Orientalist bent of Wołoka. By examining Wilk’s role as the “monarch of all I survey,” his personal biases, as well as his rampant sexism, I argue that Wilk fails in his attempt to step beyond the relationship of Westerner and Other, even as he succeeds in challenging the dynamic of colonizer and colonized. Ultimately, Wilk’s work reveals his Orientalist gaze and the ongoing problematic relationship of Polish writers to Russia.

Ula Lukszo Klein
Spojrzenie orientalisty w Wołoce Mariusza Wilka

Wydany w roku 2005 opis podróży/pamiętnik pod tytułem Wołoka jest drugą z serii prac Mariusza Wilka na temat jego życia i podróży po północnej Rosji. Wołoka w większym być może stopniu niż pozostałe części całości, sytuuje się jako opis podróży, który podkreśla nieustające zainteresowanie Wilka zagadnieniami kontaktów pomiędzy kulturami z jednej i odkrywania samego siebie z drugiej strony. Autorka poniższego artykułu rozważa, na ile gatunek, który sam Wilk określa mianem tropy, pozwolił mu zrealizować postawione sobie zadania, w świetle nowszych prac na temat postkolonialnych zwiazków Polski i Rosji. W oparciu o klasyczne teksty teorii postkolonialnej autorstwa Gayatri Spivak, Edwarda Saida i Mary Louise Pratt, a także nowsze teksty omawiające polskie relacje postkolonialne, autorka analizuje orientalistyczną tendencję Wołoki. Poprzez analizę roli Wilka jako “monarchy wszystkiego, na co patrzę,” jego osobiste uprzedzenia, a także nieokiełznany seksizm, autorka dowodzi, że Wilkowi nie udaje się wyjść poza stosunek człowieka Zachodu oraz obcego, mimo że z powodzeniem kwestionuje on dynamikę pomiędzy kolonizowanym a kolonizatorem. Reasumując, proza Wilka stanowi dowód orientalizującego spojrzenia autora i problematycznego stosunku pisarzy polskich do Rosji.


Pavlo Shopin
Voroshylovhrad Lost: Memory and Identity in a Novel by Serhiy Zhadan

The article deals with the issues of memory and identity in the latest novel by Serhiy Zhadan. The author argues that the novel operates according to the productive divergence between modern narrative structure and postmodern narrative strategy. From the classical modernity’s vantage point, the novel can be read as a grand narrative of a redemptive journey of the main protagonist, which serves the purpose of familiarizing the readers with Ukraine’s recent past and its forgotten, neglected borderland inhabitants. As a postmodern work of art, however, Voroshylovhrad opens up new gaps in the interpretation of cultural memory and revisits the common understanding of the past, memory, forgetting, and the possibility of integrating Ukrainian society. While not unconditionally debunked, the modern narrative structure is destabilized by the postmodern narrative strategy, which is deployed most effectively in the trope of memory in the novel.

Павло Шопін
Втрачений Ворошиловград: пам’ять та ідентичність у романі Сергія Жадана

У статті мова йде про пам’ять та ідентичність у романі Сергія Жадана «Ворошиловград». Автор статті стверджує, що в романі закладено протиставлення сучасної композиції та постмодерністської наративної стратегії. З класичної точки зору сучасної літератури роман може бути інтерпретований як великий наратив спокутної подорожі головного персонажа, який служить меті ознайомлення читача з недавнім минулим України, а також з її забутими та маргіналізованими мешканцями на кордоні простору і часу. Як твір постмодерністського мистецтва «Ворошиловград» розкриває лакуни в інтерпретації культурної пам’яті та критично переосмислює загальноприйняте розуміння минулого, пам'яті та можливості інтеграції українського суспільства. Незважаючи на те, що сучасна композиція не спростовується в романі, постмодерністська наративна стратегія, найбільш ефектно передана через тропи пам’яті та ідентичності, порушує структурну цілісність твору.


LONNY HARRISON
The Numinous Experience of Ego Transcendence in Dostoevsky

This paper responds to recently debated questions of “reading Dostoevsky religiously” by investigating themes of personal transformation and ego transcendence in his works. They are seen as the writer’s chief response to the crisis of modernity. Contrary to conventional wisdom that sees a uniquely Russian derivation of his religious ideas, recent studies argue that motifs of Eastern Orthodoxy are occasional, and mostly peripheral in his novels. The present essay concurs that religious ideas in Dostoevsky have a syncretic foundation, and argues that his religious themes center on the idea of authentic self, elements of which emanate from sources familiar to Dostoevsky in syncretic philosophy of German Romanticism and Neoplatonism. Instances of visionary experience, epiphany, and personal insight in Dostoevsky’s narratives posit the reality of transcendent awareness where authentic self is aligned with primary consciousness beyond the ego or apparent self. Prince Myshkin, Elder Zosima, and Alyosha Karamazov are discussed as examples of inwardly illumined characters, who typify embodiments of the authentic self revealed by insight of a numinous quality. These works and selected nonfiction writings are cited to show that the focal point of Dostoevsky’s critique of modern secular reason and so-called rational egoism is the pre-modern idea that authentic self is revealed by a moral and aesthetic vision emanating from a transcendent order of being.

Лонни Харрисон
Мистический опыт преодоления эго в произведениях Достоевского

В продолжение дискуссии о «религиозном прочтении Достоевского», данная работа исследует темы трансформации личности и преодоления эго в произведениях Достоевского, как ответ писателя на кризис эпохи модерна. Вопреки общепринятому мнению о русских корнях его религиозных идей, недавние исследования показали, что мотивы православия являются случайными и в основном периферийними в романах Достоевского. Данная статья подтверждает, что религиозные воззрения Достоевского имеют синкретическую основу и утверждает, что религиозные темы в его произведениях базируются на идее подлинной сущности собственного «я», происходящей из синкретической философии немецкого романтизма и неоплатонизма, с которой был знаком Достоевский. Моменты визионерского опыта, прозрения и самопознания в его произведениях постулируют реальность трансцендентного сознания, где собственное «я» соответствует первичному сознанию вне эго или явной личности. Князь Мышкин, старец Зосима и Алеша Карамазов рассматриваются как примеры просветленных личностей, которые являются вариантами подлинного «я», выявленного проникновением в суть сверхъестественного. Примеры из романов и рассказов, публицистики и частной переписки писателя приведены с целью показать, что критика Достоевским современного понимания разума, в особенности так называемого «разумного эгоизма», сходна с архаичными идеями, объясняющими, как подлинный «я» раскрывается в нравственном и эстетическом свете, происходящем из трансцендентной сферы бытия.


CHLOË KITZINGER
“This Ancient, Fragile Vessel”: Degeneration in Bely’s Petersburg

This article examines the theme of degeneration in Andrei Bely’s Petersburg (Peterburg, 1916). A major cultural paradigm in late nineteenth and early twentieth century Europe, degeneration theory drew on the discourses of the social and natural sciences to describe and explain humanity’s perceived deterioration over time, positing a malignant interaction between heritable and environmental factors. The hero Aleksandr Ivanovich Dudkin's description of an insidious “illness [bolezn']” infecting the city hints at the novel's interest in this theoretical framework. Symptoms of biological degeneration and decadence characterize both Dudkin himself, and the novel's other main heroes, Nikolai Apollonovich and Apollon Apollonovich Ableukhov. In a close reading of the Ableukhov and Dudkin plotlines, the image of degeneration emerges as a thread uniting the novel's heroes both to one another, and to the city in which their story unfolds. This analysis suggests that the degeneration of Petersburg’s heroes extends to its modernist narrative, offering a paradoxical model for the innovative form of the novel itself.

Хлоя Кицингер
"Этот ветхий, скудельный сосуд": вырождение в романе Белого Петербург

В данной работе рассматривается тема вырождения в "Петербурге" Андрея Белого (1916). Теория вырождения, представлявшая собой важную культурную парадигму в Европе конца XIX - начала XX века, описывала и объясняла ухудшение человечества с точки зрения общественных и естественных наук, и настаивала на губительном взаимодействии между наследственными факторами и влиянием окружающей среды. Идея вездесущей и коварной "болезни," выраженная в романе прежде всего Александром Ивановичем Дудкиным, указывает на причастность романа к этой теоретической рамке. Симптомы вырождения и декадентства характеризуют и самого Дудкина, и других главных героев романа, Николая Аполлоновича и Аполлона Аполлоновича Аблеуховых. Образ вырождения соединяет героев романа и друг с другом, и с городом, в котором развертывается их история. Цель настоящей работы показать, что вырождение переносится с героев "Петербурга" на саму повествовательную ткань романа и служит моделью для формы романа в целом.


IRENE MASING-DELIC
Nabokov’s Mary as a Tragicomedy of Errors and Homage to Blok

In the émigré Berlin pension where Mary’s protagonist, the ex-white guard Ganin, lives and in which his rival for Mary’s affection, Alferov, settles, misconceptions about each other’s past, ideological positions, and behavioral motivations abound. Most deluded of all is Ganin who is convinced that Mary, now Mrs. Alferov and on her way from Soviet Russia to join Mr. Alferov, “still loves” him. He finds confirmation for his misguided assumptions in her love letters written to him during the Civil War, which he has kept over the years of emigration. A careful perusal of these letters indicates however that already in Russia Mary was considering other options than Ganin, including Alferov. More generally, there are indications that Ganin, when remembering the past, idealizes his Mary who may well have been a much less “poetic” creature than he recalls.

In fact, the recreation of his and Mary’s romance, which Ganin undertakes while wandering the streets of Berlin to a remarkable extent parallels the mythology of Aleksandr Blok’s Beautiful Lady, who is followed by fickle Columbine and finally vulgar Kat’ka in the poem The Twelve. This is a work by Blok that Nabokov detested but he used it for his own Mary-myth, especially in regard to the symbolic equation of the Beloved and the Homeland (Rodina). Blok’s impact on Nabokov’s writing is often seen as dwindling when the latter turns to writing prose. In Mary, Blok’s “poetic trilogy” (the three volumes of his poetry) strongly impacts the thematic structure of Nabokov’s novel, wherefore—in spite of all the reservations Nabokov may have had about Blok’s attitudes to the October Revolution—his Mary emerges as a distinct homage to Blok. Accepting the Blokian dictum that “youth has passed” and cannot be returned, Ganin bids farewell to Mary and any dreams about returning to Russia.

Ирэн Мазинг-Дeлич
Нaбoкoвскaя “Maшeнькa” кaк траги-комедия ошибок и кaк дань уважения Блoку

В берлинскoм пансионе для эмигрантов, гдe пpоживает бывший бeлoгвардеец Ганин, главный герой нaбoкoвскoгo рoмaнa “Maшeнькa,” и гдe недавно поселился его соперник в борьбе за любовь Машеньки, господин Aлферов, взаимные недоразумения насчет прошлого, идеологии и поступков постояльцев изобилуют. Главной жертвой подобных недоразумений является сам Ганин, убежденный, что Машенька, едущая к мужу Aлферову из Советского Союза, по-прежнему любит только его, Ганина. Подтверждение своим предположениям он находит в ее письмах времен гражданской войны, которые он сохранил; перечитывая их, он предается волшебным воспоминаниям. Oбъективный читатель, при внимательном прочтении этих писем, однако, обнаружвает, что воспоминания Ганина вряд ли соответсвуют действительности и, что уже в России Машенька подумывала о возможности других любовных связей, в том числе и с Aлферовым. Вспоминая прошлое, Ганин идеализирует свою Машеньку и их «роман». Она, судя по некоторым проскальзывающим чертам характера и поведения героини, была менее «поэтическим созданием», чем видится Ганину через призму его ностальгии.

Воспоминания, которым Ганин предается, бродя по улицам Берлина, на самом деле, воспроизводят Блоковский миф о Прекрасной Даме, которую заменяют «картонная невеста» Коломбина и вульгарная Катька из «Двенадцати». Набоков, который очень не любил «Двенадцать», все же использовал образ Катьки в своей мифологии «Прекрасной Машеньки», “изменившей свой облик.” Считается что влияние Блока на Набокова стало ослабевать после того, как он обратился к прозе. Структура «Машеньки», однако, во многом определяется блоковской трилогией (три тома его поэзии). В результате, несмотря на набоковское неприятие «Двенадцати», его роман - дань уважения Блоку, так как «первая любовь» никогда не забывается, что бы ни случилось впоследствии. «Не забыть» не значит «повторить». Ганин понимает, что “молодость прошла” и прощается с мечтой о воссоединении с Машенькой, как и с мечтой о возврате в Россию.


ADRIAN WANNER
Lolita and Kofemolka: Vladimir Nabokov’s and Michael Idov’s Self-Translations from English into Russian

Michael Idov is the first writer since Vladimir Nabokov to self-translate a novel from English into Russian. His 2009 debut novel Ground Up was published under the title Kofemolka in Moscow. Idov’s translation was clearly done in dialogue with Nabokov’s 1967 russification of Lolita. Lolita and Ground Up both present formidable challenges to a Russian translator. This article compares the various translational strategies that the two writers have adopted to render American popular culture and slang, bilingual puns, foreign accents, sound effects, and poetry. While Nabokov’s self-translation of Lolita has received a rather mixed reception, Idov’s Russian version of Ground Up was an unquestionable success with Russian readers. Both Nabokov and Idov expressed disappointment with their Russian self-translations and proclaimed them to be inferior to the American original of their novels. Nevertheless, given that the practice of self-translation conflates the roles of author and translator, reading the English and Russian versions of Lolita and Ground Up/Kofemolka side by side can yield valuable insights and allows for a fuller, stereoscopic understanding of the text.

Адриан Ваннер
Лолита и Кофемолка: Автопереводы Владимира Набокова и Михаила Идова с английского на русский

Михаил Идов – первый писатель со времен Владимира Набокова, осуществивший автоперевод своего романа с английского на русский язык. Его опубликованный в 2009 г. роман-дебют «Ground Up» вышел в Москве под названием «Кофемолка». Перевод Идова сделан в явном диалоге с набоковской русской версией «Лолиты» 1967 года. Оба романа заключают в себе выдающиеся трудности для переводчика. Статья сопоставляет разнообразные стратегии перевода, которые эти два писателя выбирают, чтобы передать американскую поп-культуру и сленг, двуязычную игру слов, иностранный акцент, звуковые эффекты и поэзию. В то время как набоковский автоперевод «Лолиты» был воспринят неоднозначно, русская версия романа Идова пользуется безусловным успехом у русского читателя. Как Набоков, так и Идов высказывали свою неудовлетворенность результатом автоперевода с английского на русский и заявляли, что русская версия их романов уступает своему американскому оригиналу. Тем не менее, поскольку практика автоперевода предполагает слияние роли писателя и переводчика в одном лице, одновременное чтение английской и русской версий романов «Лолита» и «Ground Up/Кофемолка» дает более глубокое и полное понимание текста за счет определенного «стереоскопического» эффекта.


VOLUME 57, NUMBER 2 SUMMER 2013

Katy Sosnak
The Many Faces of Raskolnikov: Преступление и наказние as 1950s Popaganda

This article examines one of the many stages in the “afterlife” of Fyodor Dostoevsky's Prestuplenie i nakazanie through two graphic novel adaptations from 1950s Japan and America: Tezuka Osamu's Tsumi to batsu (Crime and Punishment, 1953) and Rudy Palais's Classics Illustrated: Crime and Punishment (1951). The former represents a political allegory of Japanese national trauma in the postwar period (1945-56), while the latter reveals traces of McCarthyism and anti-Semitism during the Cold War in America. Approaching Prestuplenie i nakazanie through the lens of both popular art and propaganda (popaganda), the author’s reading demonstrates not only how different cultures and historical epochs interpreted Dostoevsky's classic, but also the ways in which visual representation may shed light on certain properties of the original text—namely the novel's political potential.

Кейти Соснак
Разные лица Раскольников: Преступление и наказние кад Попаганда 1950-х лет

Настоящая статья обращается к «загробной жизни» (известный термин Вальтера Беньямина) романа «Преступление и наказание» (1866) Ф.М. Достоевского в Японии и в Америке в пятидесятые годы. В обеих адаптациях роман превратился в комиксы, или что касается японской адаптации, в «мангу». В статье рассматривается, как история Родиона Раскольникова пересказывается в Иллюстрированной классике и манге Тезуки Осаму. В японской адаптации утверждается, что недавняя история японского участия во Второй мировой войне формирует Раскольникова, который, как неудавшийся сверхчеловек, становится метафорой послевоенной японской личности. В американской адаптации утверждается, что современный процесс Этель и Юлиуса Розенбергов играет роль в изображении Раскольникова, который похож на еврея. Таким образом, обе адаптации действуют как попаганда, т.е. отражают не только то время, когда писались, но и взаимодействие илеологии и массовой культуры.


Michel De Dobbeleer and Dieter De Bruyn
Graphic Grotesque? Comics Adapatations of Bohumil Hrabal and Bruno Schulz

Although the practice of adapting the classics of world literature into the comic medium has always been popular, there seems to be a shift in preference away from the classical adventure stories toward the more experimental (or, at least, less realist and “adaptogenic”) texts from the literary canon. If we concentrate on the “Slavic” situation, among the more recent graphic narrative adaptations we do not discover only the usual suspects with a rich adaptation history such as Lev Tolstoy and Fyodor Dostoevsky, but also less obvious names such as Bohumil Hrabal (Une trop bruyante solitude (2004) by Lionel Tran, Ambre, and Valérie Berge) and Bruno Schulz (Heimsuchung und andere Erzählungen von Bruno Schulz (1995) by Dieter Jüdt).

This essay explores the Hrabal and Schulz examples in order to tackle the question of the adaptability of modernist or at least less realist – in this case: grotesque – literature into visual artistic media – in this case: comics. As Linda Hutcheon has demonstrated, adaptations are the result of a complex process of “creative reinterpretation” and “extensive, particular transcoding”. What this essay focuses on, therefore, is whether, and if so, how these graphic narrative adaptations of modernist fiction have reinterpreted and transcoded the typically grotesque features of their literary counterparts.

The analysis shows that comics adapters can choose, on multiple levels, between a plethora of more or less medium-bound devices to compensate in an inventive way for the so-called “sacrifices” made during the adaptation process. In their adaptation Tran, Ambre and Berge, while omitting the more ludicrous traits of Too Loud a Solitude, managed to retain the intriguing complexity of both the content and the form of the protagonist’s inner musings over his own tragedy. Jüdt, for his part, may have sacrificed part of the equivocality of Schulz’s phantasmagoric literary world, but he clearly succeeded in visually rendering the grotesque imagery, the semiotic density as well as the narrative salience of the adapted text. As critical readings of their literary counterparts, finally, Jüdt’s work hints at the dominance of semiosis over mimesis in Schulz’s stories, whereas the Hrabal adaptation demonstrates the universal applicability of the novella’s humanist theme.

Michel De Dobbeleer a Dieter De Bruyn
Grafická groteska? Komiksová adaptace děl Bohumila Hrabala a Bruna Schulze

Esej analyzuje grafickou narativní adaptaci románu Bohumila Hrabala Příliš hlučná samota (Une trop bruyante solitude, 2004), autoři: Lionel Tran, Ambre a Valérie Berge, a povídek Bruna Schulze Heimsuchung und andere Erzählungen von Bruno Schulz (1995), autor: Dieter Jüdt, za účelem vyrovnat se s otázkou adaptovatelnosti modernistického, přinejmenším méně realistického – v tomto případě groteskního - literárního textu do umělecké podoby prostřednictvím vizuálních médií, v tomto případě do podoby komiksu. Rozbor ukazuje, že tvůrci komiksu mají k dispozici velké množství prostředků mnohovrstevné úrovně, více či méně vázaných na média, s jejichž pomocí kreativním způsobem kompenzují ty stránky originálu, které museli během v procesu adaptace tzv. “obětovat”. Přestože Tran, Ambre a Berge ve své adaptaci Příliš hlučné samoty vypouštějí některé směšně absurdní rysy díla, dokázali zachovat poutavou celistvost obsahu a formy ve vnitřní hloubavosti protagonistů přesahující jejich vlastní tragédii. Jüdt naopak “obětoval“ onu část Schulzova fantasmagorického literárního světa, která se může jevit jako dvojznačná, avšak vizuální ztvárnění groteskních představ adaptovaného textu, jeho sémiotickou hustotu, stejně jako narativní výraznost lze hodnotit jednoznačně jako zdařilé.

Michel De Dobbeleer i Dieter De Bruyn
Groteska grafyczna? Adaptacje komiksowe dzieł Bohumila Hrabala i Brunona Schulza

Artykuł skupia się na dwóch adaptacjach tekstów literackich autorstwa Bohumila Hrabala (Lionel Tran, Ambre, i Valérie Berge, Une trop bruyante solitude (2004)) oraz Brunona Schulza (Dieter Jüdt, Heimsuchung und andere Erzählungen von Bruno Schulz (1995)) w ramach kwestii adaptacyjności literatury modernistycznej albo przynajmniej w mniej stopniu realistycznej – w tym wypadku: groteskowej – do wizualnych mediów artystycznych – w tym wypadku: komiksu. Analiza pokazuje, że adaptując w formie komiksowej ma się do dyspozycji, na różnych poziomach, cały wachlarz mniej lub bardziej specyficznych (dla danego środku) chwytów kompensujących w sposób kreatywny tak zwane “ofiary” w wyniku procesu adaptacyjnego. W swojej adaptacji Tran, Ambre i Berge, omijając cechy bardziej absurdalne Zbyt głośnej samotności, potrafili zachować intrygującą złożoność zarówno treści jak i formy kontemplacji wewnętrznych bohatera o swojej tragedii. Jüdtowi natomiast, chociaż był zmuszony zrezygnować z części niejednoznaczności świata literackiego Schulza, świetnie udało się przekazać w formie wizualnej zarówno obrazy groteskowe, gęstość semiotyczną, jak i znamienność narracyjną tekstu adaptowanego.


José Alaniz
The ([Post-] Soviet) Zone of Dystopia: Voronovich/Tkalenko’s Sterva

Adapting concepts and settings from the “stalker” stories inaugurated by the classic sci-fi novel Roadside Picnic (Piknik na obochine, 1972) by Boris and Arkady Strugatsky, elaborated upon in the film Stalker (1979) by Andrey Tarkovsky and reinvented as a militaristic “first-person shooter” video game S.T.A.L.K.E.R.: Shadow of Chernobyl (2007) by the Ukrainian developer GSC Game World, the landmark 2010 Russian graphic novel Sterva by Andrey Tkalenko and Elena Voronovich traverses a transmedial “stalkerverse” that intersects prose, cinema, screenwriting, fan fiction, video games, manga, and much else. The work’s startling visual/verbal heterogeneity of sources speaks to the comics medium’s capacities for bridging different media while maintaining a coherent, multi-layered message in a Russian context. While not explicitly a “political” work, Sterva reflects the dark cynicism and anomie of much youth culture in the Putin/Medvedev era, evoking as well the lingering specter of Soviet atrocities. Its action set-pieces; the trauma processed by numerous characters, including its heroine; and most of all, its intricately metaphorized depictions of the post-apocalyptic “Zone” through unique comics techniques, all betray the spectre of the Russian 20th century and its horrors. The foregoing demonstrates the decades-long adaptability of the Strugatskys’ original concepts across several media, arguing for the viability of the Russian graphic novel in a market traditionally hostile to comics.

Хосе Аланиз
([Пост-] Cоветская) зона дистопии: «Стерва» Ткаленко и Воронович

Адаптируя концепции и контексты «сталкеровской» истории, впервые предложеные классическим научно-фантастическим романом «Пикник на обочине» Бориса и Аркадия Стругацких (1972), разработаные далее в фильме «Сталкер» Андрея Тарковского (1979), и вновь рождённые в милитаристской, "шутер от первого лица" видеоигры «S.T.A.L.K.E.R: Тень Чернобыля» (2007) и в её продолжениях, предлагаемых украинской компанией GSC Game World, знаменательный русский графический роман «Стерва» Андрея Ткаленко и Елены Воронович (2010) проходит через некий транс-жанровый "сталкеровский мир," возникший на пересечении прозы, кино, сценаризма, фанфика, видеоигры, манги и многих других жанров. Поразительная визуальная и словесная гетерогенность источников произведения говорит о возможностях комикса соединять различные жанры, сохраняя при этом связное многослойное значение в российском контексте. Не будучи явным «политическим» произведением, «Стерва» отражает чёрный цинизм и аномию большой части молодёжной культуры в эпоху Путина / Медведева, а также всё ещё присутствующий призрак советской кошмарности. Ключевые действия прозведения, травмы перенесённые его многочисленными персонажами, в том числе его героиней, и, более всего, его сложно метафоризированые изображения пост-апокалиптической "Зоны," достигнутые уникальными методами комикса, все представляют призрак российского 20-го века и его ужасы, демонстрируя многолетнюю адаптивность оригинальных концепций Стругацких в многочисленных жанрах и приводя доводы в пользу жизнеспособности российского графического романа на рынке традиционно враждебном комиксу.


Kristina Toland
Rozanov’s Prosopopeia: Voices from Beyond the Grave of Autobiography

During the period of 1911 to 1918 Vasilii Rozanov produced a number of autobiographical works that venture beyond life writing into other literary forms and even forms of visual communication. Although incorporating photos and other documents into texts has become a common feature in autobiographical writing, Rozanov’s practice of combining physically altered family photos and facsimile reproductions of his original handwriting with printed text remains unique. As used in his 1912-1915 small experimental publications, these images are integral to his “fallen leaves” genre and to the physical format of the book. As this paper will demonstrate, Rozanov’s original use of photographic images in his autobiographical writings, together with his critique of the written word, presages and contributes to the ongoing critical discussion of the representative potential and limitations of visual and textual forms of self-documentation. While expanding on Shklovskii’s inspired yet cursory observations, this paper further contextualizes Rozanov’s approaches to various forms of self-documentation in terms of indexicality. Expressing his specific dissatisfaction with the inadequacy of language, Rozanov critiques not only literary conventions, but language as a system of symbolic communication that encompasses various forms of signs. Furthermore, Rozanov’s literary experiment illuminates the peculiar death associations that permeate both the medium of photography and the autobiographical text. Rozanov’s “fallen leaves” serve as both the physical records of corporeal materiality and their opposite—as metaphors for non-existence.

Кристина Анатолиевна Толанд
Prosopopeia Розанова: голоса из могилы автобиографии

Созданные в период с 1911 по 1918 гг. автобиографическиe произведения Василия Розанова выходят за рамки традиционных жанровых норм, совмещая в себе экспериментальные нарративные приемы. Heсмотря на то, что включeние в тексты фотографий и другиx документов со временем переросло в устойчивую для автобиографических техтов практику, такие Розановские приемы, как совмещение измененных семейных фотографий и факсимильныx репродукций первоначальных рукописных фрагментов с печатным текстом книги остаются уникальными для жанра явлениями. Oригинальное использование Розановым фотографий в его автобиографических сочинениях, наряду с его концептуальной критикой печатного и даже письменного словa, предвещает последовавшие поиски в области применения в художественном тексте визуальных и текстовых форм документации. Oтталкиваясь от замечаний Шкловского, этa статья трактует подходы Розанова к различным типам "индексации" и воспроизведению и каталогизации явлений и событий с целью наиболее точного воссоздания авторской жизни. Выражая свою неудовлетворенность ограниченными возможностями литературного текста в узком понимании этого слова, Розанов ищет новые подходы к языку как к универсальной символическoй системе коммуникации, которая включает в себя различные формы индексов и знаков.


James McGavran
Laughing like a Child in Two Mayakovsky Poems

According to Vladimir Mayakovsky’s autobiography I Myself, the uniqueness of his sense of humor was impressed upon the poet at an early age (see the section entitled “1st Memory”). Taken at face value, his memoir reveals that for as long as he could remember, he was a stand-alone figure with regard to humor: he found it where others did not, or rather, he created it where others were unprepared or unable to see it. Mayakovsky’s concept of laughter, moreover, was divided into two opposed spheres: the adult and the children’s, the official and the unofficial. Adult, official laughter was the laughter of a depersonalized group at an individual, and children’s laughter entailed a sort of acting out or performance on the part of that individual. Individual opposition to mob laughter emerges as a central thematic concern in two of Mayakovsky’s poems of the 1910s, “Violin and a Bit Nervously” (1914) and “Being Good to Horses” (1918). In both poems, Mayakovsky allies himself as speaker with a lone victim of widespread scorn, offering idiosyncratic consolations that utilize his own humor—a humor steeped in the language and attitudes of childhood—as an antidote to and shield from vicious laughter. Viewed as depictions of public laughter and Mayakovsky’s private response to it, the poems provide interesting commentary on the theories of Charles Baudelaire and Henri Bergson. Close reading of the poems highlights these connections and ultimately reveals the positive and negative potential of laughter in Mayakovsky’s poetics—its power to create or destroy, unite or alienate.

Джеймс МакГавран
Взрослый и детский смех в двух стихотворениях Маяковского

Судя по его автобиографии «Я сам», Маяковский очень рано осознал уникальность своего чувства юмора (см. отделение под названием «1-е Воспоминание»). По словам поэта, он на протяжении всей своей жизни находил юмор, или скорее создавал его, там, где другие меньше всего его ожидали. Более того, его понятие о смехе разделилось на две сферы: взрослую и детскую, официальную и неофициальную. Взрослый, официальный смех был смехом толпы над индивидуумом, который оторвался от нее, а детский смех представлял собой некое разыгрывание или спонтанную игру. Противостояние поэта групповому, уличному смеху стало тематикой двух его ранних стихотворений: «Скрипки и немножко нервно» (1914) и «Хорошего отношения к лошадям» (1918). В обоих произведениях поэт демонстративно соединяет себя с жертвой всеобщего презрения и осмеивания, выговаривая эксцентрические слова утешения, которые используют его личное, уникальное чувство юмора—юмора большого ребенка—как противоядие от злого, группового смеха. Эти стихотворения, как изображения общественного смеха и реакции поэта на такой смех, вступают в интереснейший диалог с теориями Бодлера и Бергсона. Подробный анализ стихотворений Маяковского раскрывает эти связи и показывает положительный и отрицательный потенциал смеха в его творчествe—его созидательную, или, наоборот, разрушительную мощь.


Hyug Ahn
Lexicalization Pattern of the Verbs of Speaking: Categorical Compositionality in Russian

The purpose of this essay is to describe the category structure of Verbs of Speaking in Russian. A Speech event is realized variously in a complicated event structure. Traditionally the meaning of a linguistic unit can be considered discomposable into parts, and the reassembly of the parts produces the meaning, but a number of units in natural language have already shown that this decomposition theory does not explain all cases. Instead of this semantic decomposition theory, in the present study network analysis is used. A network analysis can be divided into micro and macro network analyses: The micro network analysis involves the constructional characteristics of the verbal phrases, while the macro network analysis pertains to a group of words with conceptual similarities. In other words, this network analysis is an attempt to investigate the meaning of a language unit integrating conceptual and morphosyntactic approaches. This integration method may represent both the inherent semantic structure and the status of the unit in the whole lexicon more effectively than the decompositional approach. This method is similar to WordNet in a way, but it is different in its method of investigation. For a network analysis of говорить, it is necessary to analyze semantic descriptions of говорить in Russian interpretative dictionaries, and this means that we use existing descriptions and examine current lexicographic theories. Simultaneously this method helps to reduce the number of subjective interpretations on the part of the researcher. Using the Russian National Corpus is another way to examine existing theories and semantic descriptions. This research intends to find a way of testing the current theories and of describing the use of a language unit more accurately and empirically.

Keywords: Russian, Speech act verb, Semantic structure, Network, Thesaurus, Construction, Categorical compositionality

Хьюг Ан
Модель лексикализации глаголов говорения: Категориальная композиция в русском языке

Целью данной статьи является семантическая характеристика глаголов говорения в русском языке. Речевое событие реализуется различно в сложной структуре события. Значение языковой единицы может рассматриваться как сумма разлагаемая на части, и кроме того, сборка этих частей производит тот же самый смысл. Тем не менее, это не всегда можно разложить каждое значение на части. Вместо теории разложения, анализ с помощью концепции сети может помогать нам понимать сущность семантической системы. Анализ микро-сети включает в себя конструкционные характеристики данной фразы, в то время как макро-сети относится к группе слов с концептуальным сходством. В частности, этот анализ сети является попытка исследовать значение языковой единицы путем интеграции концептуальных и морфосинтаксических перспектив. Этот метод интеграции может представлять собой как описание семантической структуры и концепции лексики в целом более эффективно, чем расчлененное подход. Необходимо проанализировать семантические описания говорить на русском толковании словарей. Можно использовать существующие описания и изучения текущих лексикографической теории. Одновременно, этот метод помогает уменьшить количество субъективных интерпретаций со стороны исследователя. Использование Национального корпуса русского языка является еще одним способом для изучения существующих теорий и семантического описания. Это исследование тестирует современные теории и пытается описать использования языковой единицы более точно и эмпирически.


VOLUME 57, NUMBER 1 SPRING 2013

Stijn Vervaet
Facing the Legacy of the 1990s: Saša Ilić’s Berlinsko okno

This article explores how questions of collective memory, more specifically those connected to the traumatic legacy of the 1990s in Yugoslavia, are addressed in Saša Ilić’s novel Berlinsko okno (The Berlin Window, 2005). At the heart of Berlinsko okno is the idea that, not unlike post-1989 Germany, Serbia should confront its recent past, especially its role in the wars of Yugoslav succession. This article argues that Ilić’s novel does not merely attempt to give a voice to the nameless victims of the recent Yugoslav wars, to those whom Shoshana Felman calls ‘the expressionless’. Calling attention to the politics of forgetting in Serbia, Berlinsko okno also urges the reader to think of what Jean-François Lyotard has called ‘the immemorial’, that which can be neither remembered nor forgotten. An analysis of the Brechtian intertext of the novel, then, reveals how Ilić’s novel connects the ethics of remembering with the politics of representation. Emphasizing the task of not forgetting the victims of the violence of the 1990s, the novel provocatively engages in the current debate among Serbian writers and literary critics about the social role and political relevance of literature today

Stijn Vervaet
Suočavanje s nasleđem 1990-ih: Berlinsko okno Saše Ilića

Rad istražuje pitanja kolektivnog pamćenja, i konkretnije traumatsko nasleđe 1990-ih u Srbiji, na primeru Berlinskog okna (2005), prvog romana srpskog pisca Saše Ilića. U samoj srži romana je ideja da Srbija treba da se suoči sa svojom nedavnom prošlošću, naročito sa svojom ulogom u krvavom raspadu Jugoslavije. U radu se predlaže čitanje Berlinskog okna kao romana koji predstavlja svojevrstan spomenik žrtvama nasilja 1990-ih na prostoru Jugoslavije. Dokazuje se da roman ne samo daje glas bezimenim žrtvama skorašnjih ratova na tlu Jugoslavijeonima koje je Shoshana Felman nazvala ‘the expressionless’već i istovremeno svedoči o užasu njihovog ućutkivanja. Pored toga, roman skreće pažnju na politiku zaborava u Srbiji i podstiče čitaoca da misli ono što je Lyotard nazvao ‘imemorijalno’ono što ne može niti da se zapamti (predstavi), niti da se zaboravi(izbriše). Analizom Brechtovskog interteksta se, na kraju, pokazuje kako Ilićev roman povezuje etiku sećanja s politikom reprezentacije. Naglašavajući da je zadatak celog srpskog društva da ne zaboravi žrtve nasilja 1990-ih, roman provokativno učestvuje u tekućoj debati među srpskim piscima i književnim kritičarima o socijalnoj ulozi i političkoj relevantnosti književnosti danas


Eugene Ostashevsky
“Numbers Are Not Bound by Order”: The Mathmatical Play of Daniil Kharms and His Associates

This article discusses the nature of some of the mathematical ideas entertained by Daniil Kharms and other former members of the OBERIU and chinari group in the 1930s. Its main focus is on the meaning of Kharms’s oft-repeated claim that “numbers are not bound by their order,” i.e., that there is a flaw in the successor function of the natural number sequence which makes counting unreliable. I will show how Kharms playfully dramatizes his mathematical skepticism in two pieces from his Sluchai cycle: “A Sonnet” and “The Falling-Out Old Women” (Сонет and Вываливающиеся старухи, respectively). Furthermore, I will argue that Kharms’s doubts respond to vital developments in late-nineteenth and early-twentieth-century mathematics, which he was vaguely aware of—in particular, to the work on numbers by Georg Cantor and perhaps Giuseppe Peano, whose names appear in his notebooks. Not only Kharms but virtually all of his friends displayed a strong interest in mathematics, for example in 1933, when Oleinikov had “seduced” Druskin and Kharms into studying number theory. This interest is deliberately and programmatically amateurish, and is socially opposed to the institutionalization of knowledge at the same time as it is epistemologically opposed to rationalism in the broad sense of the term. I will conclude by outlining the ramifications of a defective natural number sequence for the tentative philosophy of Kharms’s group as concerns all kinds of sequences: logical, causal, narrative, and temporal.

Евгений Осташевский
«Числа не связаны порядком»: некоторые математические игры Даниила Хармса и кружка чинарей

В статье обсуждаются некоторые из математических (или, скорее, квази-математических) концепций, которые занимали Даниила Хармса и других бывших обэриутов / чинарей в 1930-е годы. Хармс неоднократно утверждает, что «числа не связаны порядком». Я понимаю его фразу буквальнокак предположение некой погрешности в последовательности натуральных чисел, а именно: в действии функции следования, в результате которой компромети руется счет. Таким образом, «Сонет» и «Вываливающиеся старухи», общеизвестные тексты из цикла «Случаи», в которых счет обрывается между шестью и семью, можно рассматривать, как выражающие математический скепсис автора. Хармс и его соратники действительно уделяли много внимания математике: например, в 1933г., Олейников, Друскин, и Хармс совместно изучали теорию чисел. Правда, их подход к науке был преднамеренно дилетантским, на социальном уровне отвергающим институционализацию знания, а на гносеологическомрационализм в широком смысле слова. Тем не менее, уровень знакомства с математикой, который показывают записные книжки Хармса, достаточен для сопоставления его идей с математическими инновациями рубежа ХІХ-го и ХХ-го веков. В частности, аспекты понятия числа у Хармса соотносимы с определением счета в теории множеств Георга Кантора и аксиоматикой натуральных чисел у Джузеппе Пеано. Тезис Хармса, что «числа не связаны порядком», также имеет ключевые последствия для чинарско-обэриутского понимания логики, причинно-следственных связей, литературного сюжета и времени.


Marianna Landa
The Poetic Voice of Cherubina de Gabriak in Russian Symbolism

This article for the first time examines the poetic voice of a fictitious Symbolist woman poet and literary diva, Cherubina de Gabriak (1909), created by poets Maximilian Voloshin and Elizaveta Dmitrieva. Although it was Dmitrieva who wrote poetry anonymously behind the mask of Cherubina de Gabriak, the questions of identity, originality and Voloshin’s poetic influence have been haunting the legacy of Cherubina de Gabriak ever since her literary debut. This paper addresses this gap and analyzes Cherubina’s poetic lineage from Dmitrieva and Voloshin, her literary influences and anxiety of influence, and her unique place in Russian Symbolist and post-Symbolist women’s poetry. The author focuses on the personal subtext of Cherubina de Gabriak's poetry, which made a living poet out of an artificial mask: the themes of love and poetic self-determination. The article examines Cherubina’s programmatic poem “The Golden Bough” (1909) and Voloshin's crown of sonnets “Corona Astralis” (1909), where the two poets voice their artistic programs, love for each other, and Cherubina de Gabriak’s raison d’être. This study illuminates Dmitrieva’s search for her own poetic identity and the phenomenon of her literary success as she adapted to and struggled against the influences of Voloshin, the mask of Cherubina de Gabriak, and Symbolism at large.

Марианна Ланда
Поэтический голос Черубины де Габриак в русском символизме

Предлагаемая статья является первым исследованием поэтического голоса фиктивной символистской поэтессы Черубины де Габриак [1909], созданной поэтами Максимилианом Волошиным и Елизаветой Дмитриевой. Несмотря на то, что Дмитриева сама писала стихи под анонимной маской Черубины де Габриак, вопросы авторства, оригинальности, и поэтического влияния Волошина преследовали ее с самого начала литературного дебюта Черубины де Габриак и остаются неразрешенными до сегодняшнего дня. Моя статья восполняет этот пробел, исследуя поэтическую генеалогию Черубины де Габриак от Дмитриевой и Волошина и особое место Дмитриевой в русской символистской и постсимволистской женской поэзии. С этой целью, я изучаю личный подтекст поэзии Черубины де Габриак, который превратил искусственную маску в живого поэта: темы любви и поэтического самоопределения. Я провожу сравнительный анализ програм - много стихотворения де Габриак «Золотая ветвь» (1909) и короны сонетов Волошина «Corona Astralis» (1909), как диалога, где поэты говорят о своих творческих программах, любви друг к другу, и значении создания Черубины де Габриак. Моя статья выявляет путь Дмитриевой к поэтическому становлению и феномен ее литературного успеха, как результаты ее восприятия и борьбы против влияний Волошина, маски Черубины де Габриак и символизма как литературного течения.


Sarah Ruth Lorenz
Realist Convictions and Revolutionary Impatience in the Criticism of N. A. Dobroliubov

The work of the “radical” critics N. A. Dobroliubov and N. G. Chernyshevsky is built around two potentially conflicting principles. On the one hand, they advance a literal version of realism that asks literature to “reproduce” life; on the other hand, they hope that the transformation of life, in the person of the revolutionary “positive” hero, can also be suggested in literature. The tension between this pair of aesthetic imperatives can be resolved easily in the realm of theory: Chernyshevsky draws on conceptual tools offered by Hegel, Belinsky and Rousseau to describe a “positive person” for whom progressive activity naturally arises from a close engagement with reality. However, this conceptual model does not function as well in practice, as is revealed in an analysis of Dobroliubov’s critical writings. Dobroliubov frequently articulates the tenets of Chernyshevsky’s conceptual model in his articles but has difficulty locating concrete texts that correspond to that model. In “What is Oblomovism?”(1859) and “A Ray of Light in the Kingdom of Darkness”(1860) he resorts to strained yet intellectually agile interpretations of literary texts as he struggles to uphold his realist aesthetic in the face of his growing desire for positive signs of revolution in Russian fiction.

Сара Рут Лоренц
Требования реализма и революции в критике Н.А. Добролюбова

Литературно-критическая деятельность “революционных демократов” Н.А. Добролюбова и Н.Г. Чернышевского развивается из двух возможно противоречивых принципов. С одной стороны, они проповедуют строгое понятие реализма, которое заключается в том, что литература должна “воспроизводить” жизнь; с другой стороны, они надеются, что литература, в лице революционера-“положительного героя,” сможет так же намекать на преобразование жизни. Конфликт между этими двумя эстетическими требованиями легко разрешить в области теории. Опираясь на разные идеи Гегеля, Белинского и Руссо, Чернышевский описывает так называемого “положительного человека,” революционное действие которого возникает автоматически из опыта в реальной жизни. Однако, эта модель оказывается не такой успешной на практике, как мы видим из анализа литературных рецензий Добролюбова. Добролюбов часто повторяет в своих статьях принципы модели Чернышевского, но ему не удается найти конкретных литературных произведений, которые бы соответствовали модели. В статьях “Что такое обломовщина?” (1859) и “Луч света в темном царстве”(1860) он прибегает к напряженным, но искусным толкованиям литературных текстов, стараясь сохранять свою эстетику реализма вопреки своему все нарастающему желанию увидеть положительные признаки революции в русской литературе своего времени.


VOLUME 56, NUMBER 4 WINTER 2012

N. L. Leiderman
The Intellectual Worlds of Sigizmund Krzhizhanovsky

In this essay, Naum Leiderman (1939–2010) reads Krzhizhanovsky’s work as an original version of expressionism.  In his view, Krzhizhanovsky subjects the nature of reality and our sense of the mind's activity to radical intellectual experimentation.  At the base of Krzhizhanovsky’s aesthetics Leiderman posits a “poetics of thought-images,” which includes the materialization of language metaphors and idioms, a personification of the word and its various elements, and the endowing of signifiers with free-standing, independent meaning.  Thus Krzhizhanovsky provides palpable material outlines to Vernadsky’s concept of the “pneumatosphere,” which in his poetics replaces the chronotope: abstract categories brought back to life and philosophical paradoxes turned into things organize the space and time of his intellectual anti-utopias, parables, and philosophical dialogues. Krzhizhanovsky’s thought experiments take a stand against the isolation of personality and target the search for strategies that open up individual consciousness to another’s ‘I’.  In this sense, Krzhizhanovsky’s philosophical aesthetics is compatible with Martin Buber’s “dialogic personalism” and also with the “philosophy of answerability” of the young Mikhail Bakhtin, although Krzhizhanovsky developed his aesthetics independent of those thinkers.

Н.Л. Лейдерман
Интеллектуальные миры Сигизмунда Кржижановского

В статье Н.Лейдермана (1939–2010) творчество Сигизмунда Кржижановского рассматривается как оригинальная версия экспрессионизма. По мнению автора,  Кржижановский  подвергает радикальным интеллектуальным экспериментам природу реальности и смысл интеллектуальной деятельности. Основанием эстетики писателя Лейдерман считает «поэтику мыслеобразов»,  включающую в себя материализацию языковых метафор, идиом, персонификацию слова и его элементов, наделение означающих самостоятельным смыслом. Таким образом, СК придает осязаемые материальные очертания «пневматосфере» (В.Вернадский), замещающей в его прозе хронотоп: ожившие абстрактные категории и овеществленные философские парадоксы организуют пространство и время его интеллектуальных антиутопий, притч и философских диалогов.  Интеллектуальные эксперименты Кржижановского, как доказывает автор статьи, противостоят изоляции личности и нацелены на поиск стратегий, раскрывающих индивидуальное сознание к другому «Я». В этом отношении философская эстетика Кржижановского созвучна «диалогическому персонализму»  М.Бубера и философии ответственности молодого М.Бахтина, хотя и развивалась независимо от этих мыслителей.


Karen Link Rosenflanz
Overturned Verticals and Extinguished Suns in Krzhizhanovsky’s Idiosyncratic Space

The myriad short stories and novellas created by Russian Modernist author Sigizmund Krzhizhanovsky distill the scientific, philosophical, and literary essence of his era and encapsulate it in prose filled with pyrotechnic wordplay. Often framed as a prodigious yet ultimately unsuccessful talent besieged by phobias, dogged by fickle fate and doomed by mystically self-fulfilling prophecies, Krzhizhanovsky was actually finely attuned to problems that were of paramount importance to his literary contemporaries. In particular, Krzhizhanovsky was intrigued and inspired by scientific and philosophical theories surrounding the existence of a fourth dimension, including those of Minkowski, Uspensky, and Bergson, and by popular experiments in optics and the nature of light. Krzhizhanovsky’s emaciated and threadbare protagonists inhabit a minus-space in which their only happiness is “to overturn all the verticals; to extinguish the illusory sun, to tangle up orbits and the world with the non-world…” Exploration of the scientific and philosophical basis of this idiosyncratic minus-space provides a crucial key to the conception and development of Krzhizhanovsky’s art.

Карен Линк Розенфланц
Опрокинутые вертикали и потушенное солнце: Грани четвёртого измерения в творчестве С. Д. Кржижановского

На основе возникших в начале ХХ века научных и философских теорий о четвёртом измерении русский модернист Сигизмунд Кржижановский (1887–1950) создал уникальный четырёхмерный художественный мир. Фантасмагорические новеллы и рассказы Кржижановского 20-х–30-х годов отражают значительное влияние двух мыслителей: П. Успенского и А. Бергсона. На материале творчества Кржижановского, в частности, его произведений «Разговор двух разговоров», «Воспоминания о будущем», «Швы» и «Собиратель Щелей», рассматривается своеобразное использование им пространственного и временного аспектов четвёртого измерения.


Alisa Ballard
Быт encounters бы: Krzhizhanovsky’s theater of fiction

Sigizmund Krzhizhanovsky’s fiction—dozens of short stories and a handful of novellas, written primarily in the 1920s and ’30s—is at once fantastical, playful, metafictional, and intellectual. Among the protagonists in his stories are many starving, idealistic writers and inventors, as well as figures from Western philosophy whom Krzhizhanovsky has fictionalized into his imaginative narratives. This essay argues that Krzhizhanovsky’s fiction is essentially theatrical, in accordance with Krzhizhanovsky’s own understanding of the theater. He worked as a lecturer, dramaturge, and playwright in Tairov’s Chamber Theatre, and much like Gustav Shpet, Fyodor Stepun, Nikolai Evreinov, and Viacheslav Ivanov, Krzhizhanovsky attempted to philosophize the theater in his writings.

In a key essay from 1923, Krzhizhanovsky uses a systematized series of schemata, description, and reasoning to position theater in a model of levels of consciousness that relates the theater to both the Continental philosophical tradition and to everyday life. Krzhizhanovsky refutes metaphysicians’ worn-out, irrelevant philosophical worldview in favor of a positive and renewing theatrical worldview. The best theater, for Krzhizhanovsky, takes place in the world of the “as-if” [бы], where it enjoys freedom and potentiality. Metaphysical existence [бытие] is unchanging and unseen—no place for the theatre’s dynamism, while everyday life [быт] keeps theater’s fictions too tightly contained and isolated. Through this lens, I show Krzhizhanovsky’s fictional pages to be theatrical stages for theater of pure word. Further, Krzhizhanovsky’s portrayal of the “as-if” world’s problematic relationship to the everyday world is essential to his understanding of literature and of literary representation.

Алиса Баллард
Быт сталкивается с бы. Кржижановский и театр литературы

Тема настоящей статьи – философия театра Сигизмунда Кржижановского и ее влияние на его прозу. В 1920-е годы, Кржижановский, как и философы Густав Шпет и Федор Степун, пытается писать об искусстве театра с точки зрения философской логики.  В эссе 1923 года «Философема о театре» он утверждает, что лучший театр возникает  в мире «бы» – т.е. в мире неограниченной свободы и беспредельных возможностей.  Писатель характеризует театр как особый тип (уровень) сознания. Он отличен от метафизического существования (бытия), являющегося неизменным и незримым: в бытии нет места для театрального динамизма. В то же время, повседневная жизнь (быт) сковывает необходимую для театра свободу фантазии.   Отношения между бытием, бытом и «бы» (театром) важны для интерпретации тех рассказов Кржижановского, в которых быт изображается как источник опасности для чистоты творческой мысли.
С этой точки зрения, в статье анализируется то, как функционирует театральность, в ряде рассказов Кржижановского. Буквы и слова часто становятся главными героями его прозы, а печатная страница приобретает сходство с  театральной сценой, способной освободить слова и вернуть их к жизни. Вместе с тем, для Кржижановского жизнь букв всегда имеет существенное отношение к смерти.


Caryl Emerson
Krzhizhanovsky as a Reader of Shakespeare and Bernard Shaw

Sigizmund Krzhizhanovsky (1887–1950) is best known today as a phantasmagorical, metaphysical prose writer in the style of Zamyatin or Bulgakov.   In his own time, his prose, negatively reviewed by Maxim Gorky in 1932 and largely unpublished, was hardly known at all.   Krzhizhanovsky’s public face was that of a man of the theater:  stage adaptor, pedagogue attached to the Moscow Chamber Theater’s Acting Studio, and critic of English playwrights.   He also wrote plays himself.   Ten of his stage scenarios survive (as of 2011, three have been published in Russian and one in English).  This essay considers Krzhizhanovsky’s interpretive essays on Shakespeare and Bernard Shaw, and their compatibility with the mandated roles for those two writers in Soviet-Stalinist culture of the 1930s.  
Although not an “official” Shakespeare or Shaw scholar — and never pretending to be one — Krzhizhanovsky derived inspiration for his own poetics from the drama of Shaw and Shakespeare, especially its comedic aspects.    In these two great English playwrights he emphasizes wordplay, pacing, the relative velocities of on-stage “facts” to on-stage “thoughts,” the linguistic equivalents of violence, and the stage-worthiness of the dream.   All of these interests were borderline unorthodox for the Stalinist Shakespeare industry, which published him warily.  (The Shavians were a smaller, more flexible group.)   Krzhizhanovsky’s unwillingness to consider Shakespeare as a “realist” in the Socialist-realist sense of that word proved a major obstacle to his posthumous life in print, an effort that collapsed in the late 1950s and was not successfully revived until 1989.

Кэрил Эмерсон
Шекспир и Бернард Шоу глазами Кpжижановского

Сигизмунда Кржижановского (1887–1950) более всего помнят как автора метафизических фантасмагорий в прозе, выполненных в стиле то ли Замятина, то ли Булгакова. Его проза, в 1932 году получившая отрицательную оценку Горького, оставалась в подавляющей части неопубликованной и едва ли была кому-нибудь известна. Кржижановского знали как человека театра, автора переделок для сцены, преподавателя актерской студии при Московском Камерном театре и исследователя английской драмы. Он также писал пьесы – для себя. Сохранилось десять его театральных текстов (на 2001 год три были опубликованы по-русски и один по–английски). Предмет настоящей статьи – интерпретация Кржижановским Шекспира и Бернарда Шоу в ее сопоставимости с официальной оценкой этих писателей в советской культуре сталинской эпохи 1930-х годов.
Не будучи ни признанным шекспироведом, ни специалистом по Шоу – он никогда и не претендовал на это, – Кржижановский как создатель своей поэтики драмы вдохновлялся творчеством двух великих драматургов, особенно в том, что касалось жанра комедии. У них он всегда обращал особое внимание на словесную игру, сценическое движение, соответствие внутреннего и внешнего действия, на умение найти речевое выражение насилию (жестокости?) и понимание того, как велико в театре значение сна.  Все эти его пристрастия нахадились на грани допустимого в советско-сталинском шекспироведении, так что печатали его крйне неохотно. Занимавшихся Шоу, было много меньше, и там не существовало столь жестких предписаний. Нежелание Кржижановского считать Шекспира «реалистом» в том смысле, что был утвержден в согласии с теорией соцреализма, создал главное препятствие и к его посмертным публикациям – оно окончательно возникло в конце 50-х и оставалось неотменимым вплоть до 1989 года.


Amy Singleton Adams
The Blood of Children: Petrushevskaia’s “Our Crowd” and the Russian Easter Tale

Although Liudmila Petrushevskaia is most often associated with what Benjamin Sutcliffe calls the “vitriol and conflict” of perestroika, one of her most forceful prose works hails from the late Brezhnev era. “Our Crowd” (“Svoi krug,” written 1979, published 1988) is an early example of the post-modernist spirit in late Soviet-era literature, capturing brilliantly the cultural crisis at the heart of the stagnation and establishing Petrushevskaia’s signature fascination with the exploration and manipulation of genre. Of particular importance to “Our Crowd” is its previously unexplored generic subtext of the Russian Easter tale (paskhal'nyi rasskaz). A reading of “Our Crowd” through the lens of the Russian Easter tale proves to be a productive method of exploring this complex narrative and accomplishes the threefold goal of the present study. First, it establishes links to celebrated Russian authors such as Dostoevsky and Gogol, in whose work the Easter tale and its themes play a vital role, as a way to explore issues of narrative and cultural authority. Second, it helps explain the meaning of the violence – especially violence against children – that forms the core dynamic of “Our Crowd.” Finally, it attempts to understand why, on the brink of the postmodernist era in the Soviet Union, the perversion of the Easter tale’s promise of salvation and spiritual communality (sobornost') seems to herald a search for “new forms of cultural wholeness” that shun the syncretic myths of the modernist Soviet era. The present study attempts to show how Petrushevskaia negotiates the boundaries of this paradox and the Easter tale genre itself as she expresses both hope in and the failure of its true function – to effect a kind of resurrection of meaning in the atomized society of the Stagnation.

Эми Сингелтон Адамс
Детская кровь: «Свой круг» Петрушевской и русский пасхальный рассказ

Хотя Людмила Петрушевская чаще всего связана с так называемой «чернухой» Перестройки, одно из самых важных её произведений было написано уже в Брежневском периоде. «Свой круг» (написан в 1979, опупликован в 1988) является ранним экземпляром духа постмодернизма в литературе поздней советской эры и блестяще отражает культурный крисис Застоя. Рассказ также определяет глубокое увлечение Петрушевской эксплорацией и манипуляцией художенственных жанров. Прежде несчитаемый жанровый субтект русского пасхального рассказа является особенно важным рассказу. Чтение «Своего кругa» через линзу русского пасхального рассказа оказывается продуктивым подходом к изучению этого сложного рассказа и достигает тройной цели настоящей статьи. Во-первых, он создаёт связи сo знаменитыми писателями как Достоевским и Гоголем, у которых пасхальный рассказ и его темы играют важнейшую роль, и таким образом подходит к вопросам художественного и культурного авторитета. Во-вторых, он объясняет значение насилия – особенно насилия против детей – которое формируется центральной динамикой «Своего круга». Наконец, он старается понимать почему, на грани постмодернизма в Советском Союзе, извращение обещeнныx пасхальным рассказом спасения и соборности объявляет искание «новых форм культурной цельности», которые отказываются от синкретических мифов периода Советского модернизма. В настоящей статье обсуждается игра Петрушевской с пределами этого парадокса и жанра пасхального рассказа самого, как она выражает и надежду, и неудачу настоящей функции жанра – возрождения культурного значения вo фрагментируемом обществе Застоя.


VOLUME 56, NUMBER 3 FALL 2012

John Lyles
Makar Devushkin as Eligible Bachelor? – A Reexamination of Varenka’s Relationship with Devushkin in Dostoevsky’s Poor Folk

This article analyses the relationship between Makar Devushkin and Varenka Dobroselova from specifically the latter’s point of view in an effort to demonstrate that Varenka, far from scorning Devushkin as a suitor, for much of their correspondence views him as a potential, even desirable, spouse.  In desperate straits and vulnerable to predators such as Anna Fyodorovna, Varenka turns to her only male friend and benefactor, Devushkin, for a means of escape: marriage and the protection it would grant her.  In the early stages of their correspondence, Varenka’s letters reveal a young woman coming to terms both with her position in society and with the growing realization that marriage to Devushkin is her only option.  She carefully cultivates her feelings for her older neighbor, eventually coming to love and respect him in a more-than-platonic way.  Devushkin, however, is too insecure and downtrodden to see in her actions anything but rejection, thereby forcing Varenka to turn to Bykov in the end.  Her marriage to the man who despoiled her serves as the final evidence that Varenka would have accepted a proposal from Devushkin, had he ever offered one.  This interpretation of Varenka’s view of Devushkin helps explain several of Varenka’s more questionable actions at the end of the novel.  Furthermore, it shows how Varenka plays an under-appreciated role in Dostoevsky’s forging of a new school of literature.

Джон Лайлc
Макар Девушкин как желанный жених? – рассмотрение отношений между Варенькой и Девушкиным в романе Достоевского «Бедные люди»

Статья рассматривает отношения между Макаром Девушкиным и Варенькой Доброселовой с точки зрения Вареньки, чтобы продемонстрировать, что Варенька далеко не презирала Девушкина как жениха на протяжении большей части их переписки, а смотрела на него как возможного, даже желанного, супруга. В отчаянном и уязвимом положении, например со стороны Анны Федоровны, Варенька обращается к своему единственному другу и благодетелю, Девушкину, за выходом из своего положения: браком и защитой, которую он ей предоставит. В начале их переписки, письма Вареньки выявляют молодую женщину, которая примиряется и со своим положением в обществе и с осознанием того, что брак с Девушкиным это ее единственный выход. Она внимательно культивирует чувства к своему соседу, и в конце концов начинает любить и уважать его больше чем как друга. Однако Девушкин слишком неуверен в себе и не видит в ее действиях чего-либо кроме отказа, таким образом вынуждая Вареньку обратиться к Быкову. Брак с человеком, который соблазнил и бросил ее, служит окончательным доказательством того, что Варенька приняла бы предложение от Девушкина, если бы он его сделал. Эта интерпретация того, как Варенька смотрит на Девушкина, помогает объяснить несколько более сомнительных действий Вареньки в конце романа. Кроме того, эта статья показывает, что Варенька играет недооценимую роль в новой литературной школе начатой Достоевским


Brian Johnson
Diagnosing Prince Myshkin

Who is Prince Myshkin? This question is central to The Idiot. In the novel, the question is bifurcated into questions of identity and diagnosis, which are inextricably bound together. His stable diagnosis as an “idiot” serves as the fundamental characteristic of his unstable identity, which in turn cannot be divorced from his diagnosis no matter his identity is perceived. How then can we proceed to answer, or even to approach, the question “Who is Prince Myshkin?”

One mode of entry is an examination of Myshkin’s medical history, presented in the first five chapters of The Idiot.The placement of the medical history within these initial chapters—the tightest and most cohesive section in the novel—foregrounds this aspect of Prince Myskhin’s biography. His reputation as an “idiot” consistently precedes him, determining beforehand the initial impression he makes upon other characters. The title of the novel itself certainly points to the importance of his diagnosis in regard to his identity.

Myshkin’s medical history is largely a product of Dostoevsky’s own familiarity with the medical world of his time. Dostoevsky was well read in the sphere of medicine and was quite knowledgeable on every aspect of epilepsy, including prognosis, treatment, and related conditions. This article applies this body of knowledge to The Idiot. In doing so it elucidates some of the central motifs and characteristics associated with the prince: the cultural connotations of his illness, his strange sexuality, his fixation on execution, the motif of recognition, the setting, figures, and methods of Myshkin’s treatment abroad, and the use of the word “idiot.”

Браeн Джонсон
Обоснование диагноза Князя Мышкина

Кем является Князь Мышкин? Это центральный вопрос романа Ф. М. Достоевского Идиот (1869). Этот вопрос делится на связанные между собой представления о его личности и диагнозе. Устойчивый диагноз Мышкина как идиота служит характерной чертой его неустойчивой личности, которая, в свою очередь, не может быть отделена от его диагноза, как бы ни была воспринята.     

Один из способов приближения к ответу заключается в анализе медицинской истории Мышкина, находящейся в первых пяти главах романа Идиот. Сам факт того, что медицинская история включена в самую сжатую и последовательную часть романа, придаёт особое значение биографии Князя Мышкина. Его репутация “идиота” постоянно ему предшествует, заранее определяя первоначальное впечатление о нем других героев. Название самого романа также указывает на важность диагноза князя по отношению к его личности.

В значительной степени медицинская история Мышкина является результатом осведомленности Достоевского о мединцинском мире его времени.  Достоевский был начитан в области медицины, и ему были хорошо известны прогноз и лечение эпилепсии, а также и симптомы, имеющие отношение к другим болезням. С помощью этих фактов данная статья проясняет трактовку романа Идиот. Она объясняет несколько центральных лейтмотивов и характеристик, связанных с болезнью князя: культурные коннотации болезни Мышкина, странное проявление его сексуальности, его пристрастие к смертной казни, лейтмотив узнавания, употребление слова “идиот”, а также места, персонажи, и методика, имеющие отношение к лечению Мышкина за границей.


Irene Masing-Delic
Wagner, Lang and Mythopoeic Muddle in Pnin's German Department

The fact that the Head of the German Department in Nabokov's Pnin is named Dr. Hagen has attracted critical attention—as has the fact that Pnin’s colleague, Bodo von Falternfels, is “related” to the dragon Fafner. There are, however, more allusions to Wagner’s Ring, than the ones mentioned. This paper traces these additional allusions and also asks why they are there in the first place beyond their obvious function to parody Wagner opera, not least the librettos. The assumption is that Nabokov wanted to convey more than his disrespect for Wagner's music and poetry. Pnin intimates that ideological myth-making produces convictions which are neither intellectually, nor ethically, valid, even when presented in haunting film cadres, such as found in Lang's The Nibelung.

German-born Dr. Hagen is one of those who embraced Germanic “mythic” ideology of an uncritically patriotic kind and is happy to continue “mythologizing” rather than start thinking even after WWII. Why is he loyal to Russian Pnin though? How does the Russian literature taught by Pnin fit into the program of Hagen's journal Europa nova and the planned course Wingless Europe? Hagen's “Russophile” tendencies could be related to the furor which the publication of the translation of Dostoevskii’s Collected Works caused in Germany in the 1910s and 1920s--it had long-lasting repercussions. This Piper-edition, initiated by Third Reich author Arthur Moeller van den Bruck created a “Russophile” trend in German intellectual discourse of the first half of the 20th century, even within the most reactionary circles.

Hagen is not the only character in the novel to yield to ideological seductions of the mythopoeic kind. The Russian émigré couple Komarov, for example, presents another “impossible” ideology based on love for the Czar and the Red Army on the grounds that both are “Russian,” as are birch-trees and kolkhozes. American ignorance of German and Russian/Soviet cultures--or any other--completes the ironic picture of academe at Waindell. The point of Nabokov's irony is that much academe is non-academic for a variety of dubious reasons.

Ирэн Мазинг-Делич
Вагнер, Ланг и мифотворческие метания уенделлского немецкого отделения в романe Нaбокова “Пнин”

Тот факт, что фамилия главы немецкого отделения уенделлского университета в набоковском романе «Пнин» – Хаген, привлек внимание критики, как и тот факт, что коллегу Пнина зовут Бодо фон Фальтернфельс. Обилие фрикативных согласных намекает на то, что тот «в родстве» с драконом Фафнером в оперaх Вагнера «Кольцо Нибелунга». В данной работе прослеживаются и другие аллюзии к операм «Кольца»; вдобавок, ставится вопрос, какую функцию они выполняют кроме пародийной.  Предполагается, что Набоков хотел не только передать свое неуважение к операм и либретто вагнеровского цикла. «Пнин» указывает и на то, что идеологическое мифотворчество создает мировоззренческие убеждения, которые ни интеллектуально, ни этически не могут называться состоятельными, даже в соответствующих кадрах фильма Фрица Ланга.

Доктор Хаген, американец немецкого происхождения, некритически принял германскую «мифологию» патриотического типа и даже после ее поражения рад продолжать заниматься новым мифотворчеством вместо рационального мышления.  Почему он, однако, расположен к русскому Пнину? Какую роль играют курсы по русской литературе в задуманной им академической программе «Европа бескрылая»? Какую пользу принесет русская литература его журналу «Europa Nova»? «Русофильская тенденция» Хагена может быть связана с тем фурором, который произвела публикация немецкого перевода собрания сочинений Достоевского в Германии в период 1910–1920-х годов. Эта редакция издательства «Пипер», по инициативе автора книги «Третий Рейх», Артура Меллера ван ден Брука, создала «русофильство» в немецком интеллектуальном дискурсе даже в самых реакционных кругах.

Однако, Хаген не единственный персонаж в романе, соблазнившийся идеологической мифологией. Так эмигрантская чета Комаровых беззаветно предана «невозможному» сочетанию «русский царь и Красная Армия» на том основании, что это ведь все «русское» как березы и колхозы. Ироническая картина дополняется американским незнанием  немецкой и русско-советской культур, как, впрочем, и любой иной. Набоков, очевидно, хотел показать, что академический мир часто не особенно академичен по разным сомнительным причинам.


Emily Wang
Acmeist Mythopoetics: Nikolai Gumilev, Viacheslav Ivanov, and “Eidolology”

This essay offers a new interpretation of Nikolai Gumilev’s theoretical poetics by interpreting his key term eidolologiia, or eidolology, in terms of his troubled relationship with his one-time mentor Viacheslav Ivanov. Both Ivanov and Sergei Gorodetsky (while he too was still Ivanov’s protégé) used the Greek word eidolon negatively, in association with Idealistic Symbolism, while discussing the nature of true myth in light of the distinctions between Idealistic and Realistic Symbolism. “Acmeist Mythopoetics” shows how after quarreling with Ivanov over this subject, Gumilev deliberately chose to incorporate the “false” mythopoeism associated with Idealistic Symbolism into the Acmeist program under the heading of “eidolology.” This argument offers insight into the question of Acmeism’s debt to its Symbolist heritage, as well as into the general nature of Gumilev’s poetics.

Эмили Вань
Акмеистическая мифопоэтика: Николай Гумилев, Вячеслав Иванов и “эйдолология”

В настоящей статье возникновение ключевого термина поэтики Н.С. Гумилева “эйдолология” рассматривается в контексте сложных отношений Гумилева с бывшим его учителем Вячеславом Ивановым. Как Иванов, так и Сергей Городецкий (в те годы, когда он был ивановским учеником) вкладывали в древнегреческое слово “эйдолон” отрицательный смысл, ассоциируя его с “идеалистическим символизмом” и тем самым отличая eгo от подлинного мифотворчества, которым занимается “реалистический” символист. Чтобы отмежеваться от символизма, Гумилев умышленно включает в акмеистическую программу именно “ложную” мифопоэтику, отвергаемую Ивановым. Развернутая в настоящей статье аргументация по-новому освещает как основы гумилевской поэтики, так и вопрос о зависимости акмеизма от символистского наследия.


Svetoslav Pavlov
Speech Individualization in Pasternak’s Translations of Shakespeare: Lear and Claudius

Pasternak’s translations of eight plays by Shakespeare have been criticized for a number of flaws including simplification, Russification, and modernization, and only one feature, speech individualization, has been praised by almost everyone. Even though critics have given Pasternak credit for particularizing the voices of such characters as the Nurse, Hamlet, Gertrude, Claudius, Polonius, Horatio, Ophelia, and Lear, no one has analyzed Pasternak’s verbal characterization techniques and compared them to the originals. Because high rhetorical tone tends to make Shakespeare’s kings sound alike, two kings in translation, Lear and Claudius, are examined to determine whether and how Pasternak has succeeded in making the characters’ voices distinct. It will be demonstrated that the rustic lexicon, endearments, compounds, and nature-imitating sounds in the case of Lear, as well as the contemporary to Pasternak’s time lexicon and the torture theme in the case of Claudius—all tools that Pasternak uses to differentiate the characters’ utterances—are actually manifestations of the characters’ most prominent qualities.

Due to insufficient research into idiolects in Shakespeare and its controversial nature, Pasternak was compelled to come up with his own solutions for speech individualization, which are dependent on his perceptions of the characters. Although some of his perceptions have been viewed as unwarranted departures from the originals, they, along with Russification, modernization, and simplification, demonstrate that translating Shakespeare is always a tradeoff between gains and losses and that Pasternak’s gains in speech individualization would not be possible without losses in other areas.

Светослав Павлов
Индивидуализация речи в пастернаковских переводах Шекспира: Лир и Клавдий

Критика нередко отмечала индивидуализацию речи в пастернаковских переводах драм Шекспира как одно из их достоинств. Из-за малоизученности идиoлектов Шекспира в первой половине ХХ века  Пастернак вынужден был использовать свои приемы диффиренциации языка персонажей. Сложность этой задачи усугублена еще тем, что для всех главных героев Шекспира, особенно королей, характерна высокая риторика, что сближает их голоса. Сравнение речи двух королей переводов, Лира и Клавдия, помогает выяснить, насколько успешно и какими средствами Пастернак решил эту задачу. Усиление просторечности и разговорности в пастернаковских переводах способствовало речевой характеризации. И хотя оба короля используют просторечную лексику, их выбор слов и фразеологизмов различен. Многие слова Лира подчеркивают легендарный (дохристианский) и фольклорный характер пьесы, в то время как лексикон Клавдия содержит группу слов, которые ассоциируются с тюрьмой, пыткой и насилием и таким образом акцентируют один из самых важных образов трагедии: «Дания — тюрьма».


VOLUME 56, NUMBER 2 SUMMER 2012

Sidney Eric Dement
Umbrellas, Dialectic, and Dialogue in Borislav Pekic´’s How to Quiet a Vampire

Borislav Pekic´ buries the ending of How to Quiet a Vampire [ HQV , 1977], an epistolary novel about philosophy, Nazism, vampires, and an umbrella, behind two appendices, in the last line of the novel’s thirty-ninth footnote. In these last lines of a lengthy novel, Pekic´ for the first time admits his personal possession of the murderous umbrella that occupies so much of the novel’s fantastical narrative. This article complements previous interpretations of the novel’s enigmatic ending in three ways. First, it employs Bakhtinian dialogism as a theoretical basis for approaching Pekic´’s complex use of philosophical oppositions to parody Hegelian dialectic in HQV. Along with Dostoevsky’s underground men and Bakhtin’s dialogism, Pekic´’s umbrella provides a model for philosophical dualism that, when opposed to the Hegelian dialectic, creates one of the basic antinomies of the human effort to reason. Second, it examines famous umbrellas from cultural history to illustrate how the powerfully symbolic umbrella of HQV unites four thematic axes: Hegelian dialectic, appeasement/compromise, past as memory and/or history, and “vampirism.” Third, it interprets the ambiguous meaning of Pekic´’s personal possession of the umbrella, the novel’s last image. Pekic´ created the umbrella as a safety precaution. Should European thought start dialectically to restrict conversation too narrowly, dialectically to demand too much conformity at the violent expense of diversity, Pekic´ may unfurl the symbolically dialogical umbrella of HQV and release the dialogues, critiques, satires, and soties that teem beneath its pregnant canopy.


Katia Dianina
Museum and Message: Writing Public Culture in Imperial Russia

This essay examines the popularization of Russian museum culture via periodical press during the second half of the nineteenth century. The museum and the daily newspaper were two new public spaces engendered by the Great Reforms where discourses on nationality and art intersected in an open dialogue on Russia’s self-representation. This dialogue, uniquely preserved by the contemporary press, allows us to document how the museum age was written. It also demonstrates that Russian museums and exhibitions were fashioned in the popular press as much as they were by architects, curators, and patrons. While exhibitions and museums proper take care of material objects, the discourse constructed around them deals with the portrayal of these objective realities in light of national ideologies, public opinion, and personal preferences. A historically grounded analysis of this discourse gives insight into the larger process of culture making via writing. Between the two modes of representation which are at work in the museum—the visual and the verbal—layer upon layer of meaning have been created over time.

Екатерина Дианина
Музей и слово: национальная культура в зеркале периодической печати

Данная работа прослеживает дискуссии об искусстве и самосознании, которые протекали на страницах ежедневной русской печати. Поиски жизнеспособной национальной идентичности лежали в основе русского музейного движения второй половины XIX века. На страницах ежедневных газет вопросы национальности и искусства пересекались в дебатах о русской само-репрезентации. Преломленные в свете актуальных вопросов общества, проблемы чистой эстетики становились достоянием широкой публики и частью национальной культуры, написанной таким образом на страницах периодических изданий. Публичные дискуссии по вопросам искусства и идентичности способствовали циркуляции соответствующих образов и идей по всей стране и расширяли сеть культурной коммуникации.


Jesse Menefee
Ghosts of Dostoevskian Guilt in Sologub’s Bad Dreams

We never get a clear picture of Raskolnikov’s return to life in Crime and Punishment. Dostoevsky does not provide all the details of his character’s redemption because any direct description of this process would fall short of the sublime experience that he seeks to convey. Sologub explicitly models his own story about a killer with a conscience, Bad Dreams, on Dostoevsky’s work, but the suggestive power of Sologub’s conclusion has long gone overlooked. If Dostoevsky points to salvation through truth, Sologub points to perdition through self-deception. Repressed guilt (like redemption) in both cases is conveyed indirectly through an artistic code of doubling and parallels.

Like Raskolnikov, Login commits an ax murder and escapes the consequences of his crime through a series of fortuitous circumstances; only he does not confess and accept punishment like his predecessor did. It seems that Login is free to pursue his own definition of happiness unimpeded by any moral restrictions whatsoever. But as Login walks toward that vaguely happy horizon, some ominous suggestions follow the pretense of his buoyant stride. Commentators like Dolgenko and Elsworth see Login’s crime as a form of “liberation” since the voice of the narrator proclaims it as such. Yet we have no reason to regard the narrator’s voice as a stable site of truth. We offer a new reading of Sologub’s novel by demonstrating how the patterned developments of various motifs in the novel suggest that Login’s guilt returns to contaminate his life in a subtle form. Just as Dostoevsky only hints at Raskolnikov’s new life, Sologub only hints at this “return of the repressed.” In Logan’s falsified “new life,” even goodness resonates with a suggestion of guilt, with an uncanny reminder of evil. We hope to show how Sologub’s novel is not an outright contradiction of Dostoevsky’s moral vision, but its complement.

Джесси Менефи
Призраки нечистой совести: Отголоски Достоевского в «Тяжёлых снах» Сологуба

В настоящей статье сделана попытка проанализировать отголоски Достоевского в первом романе Фёдора Сологуба, «Тяжёлые сны». Эта статья обсуждает некоторые тонкие параллели в тексте, которые мало изучены. Особенное место в этой дискуссии занимает диалог между романом Сологуба и «Преступлением и наказанием» Достоевского. Многие критики утверждают, что это единственный роман Сологуба со счастливым концом. Более того, они утверждают, что убийство не воспринимается Сологубом как преступление и что оно имеет однозначно мистический характер, приводя героя к освождению. Однако, те параллели, обсуждаемые в данной работе, навод ят наше внимание на то, что освобождение остаётся сложным, неоднозначным вопросом в прозе Сологуба. Даже тогда, когда герой будто бы приближается к спасению, тайные параллели намекают на то, что он обречён. Судьба героя находится таким образом в состоянии мучительной двойственности, которое очень близко к двойственности судьбы его прототипа, Раскольников.


Sarah Clovis Bishop
“Harmonious Disharmony: Elena Shvarts’s Труды и дни Лавинии, монахини из Oрдена Oбрезания Cердца

Elena Shvarts’s poetry is characterized by contradiction in both content and form, yet her poetic world is one of unexpected coupling and convergence rather than juxtaposition. In describing the “small poema,” Shvarts said, “для меня важно сопряжение разных мотивов, сведение их в единую гармонию” (for me, it is the coupling of various motifs and their convergence in a single harmony that is important) (Polukhina 207).

The fullest example of such a harmonic combination of disharmonious parts can be found in Shvarts’s 1987 book of poetry Труды и дни Лавинии, монахини из ордена обрезания сердца (Works and Days of Lavinia, a Nun of the Order of the Circumcision of the Heart). Her longest poetic cycle, Lavinia consists of seventy-eight short poems written from the perspective of a fictional nun, at times deeply religious, at times heretical. Throughout the book, Shvarts brings together disparate worlds: Christianity and Buddhism; the temple and the body; the ritualized past and the individualized present. I argue that this urge to integrate, combined with a desire to value and preserve the distinct parts, defines Lavinia and the spiritual journey which it contains.

I pay special attention to the multi-voiced introductory material: the title; subtitle; a series of ten epigraphs; a foreword from the fictional “publisher” of Lavinia’s poems; and a poem by Lavinia’s “sister.” After tracing echoes of these disparate threads in Lavinia’s own poems, I show how their combination contributes to a sense of harmonic resolution in the concluding poem, “Скит” (“Hermitage”).

Сара Кловис Бишоп
Гармоническая дисгармония: Труды и дни Лавинии, монахини из Oрдена Oбрезания Cердца Елены Шварц

Поэзия Елены Шварц может быть охарактеризована как поэзия противоречия (диссонанса) и на формальном, и на содержательном уровнях; хотя в совокупности создаваемый автором поэтический мир, построенный на неожиданных сближениях и параллелях (изобилующий неожиданными сближениями и параллелями), оставляет ощущение гармонического единства.

Наиболее характерным примером авторской манеры является цикл « Труды и дни Лавинии, монахини из Oрдена Oбрезания Cердца»—самый длинный цикл Шварц, опубликованный в 1987 году.  Семьдесят восемь стихотворений, написанных от лица вымышленной монахини, глубоко благочестивы и, в то же время бесстыдно богохульственны, объединяя христианство и буддизм, храм и тело, ритуализированное прошлое и индивидуализированное настоящее. Объединение кажущихся чужеродными элементов при признании их индивидуальной значимости и ценности— именно в этом сущность цикла и духовного пути лирического героя.

Особое внимание уделено полифонии вводного материала—заглавию, подзаголовку, десяти эпиграфам, вступительному слову вымешленного издателя Лавинии и стихотворению “сестры” Лавинии.  Отголоски этих различных нитей прослеживаются в стихах самой Лавинии, приходя к гармоническому разрешению в заключительном стихотворении «Скит».


William J. Comer
The Role of Grammatical Knowledge in Reading for Meaning in Russian

This research study describes how English L1 readers use grammatical knowledge when reading L2 Russian informational texts. The study uses introspective verbal protocols (i.e., “think-alouds”) to track how twelve fifth-semester students of Russian constructed meaning as they read two informational texts in Russian (one about the Moscow metro and the other about tea-drinking in Russia). Although both reader factors (breadth and depth of L2 lexical knowledge, background knowledge, motivation, strategies, etc.) and text factors (topic, organization, syntax, etc.) play a role in L2 reading comprehension, a systematic description of readers’ deployment of grammatical knowledge provides some insights into their construction of meaning at the microlevel. The article looks at readers’ use of metalinguistic terms and finds that their frequency has no correlation to reading comprehension. The article considers in detail how readers render two frequent features of formal Russian writing (strings of adnominal genitives and Russian passive constructions). Finally, the article describes readers’ use of placeholder words in framing the basic grammatical construction of text sentences. The implications of readers’ diverse and inconsistent use of grammatical knowledge are considered for reading pedagogy and curriculum development.

Уильям Комер
Роль грамматических знаний в процессе чтения на русском языке

В данной статье анализируются данные об использовании англоговорящими знаний о грамматике русского в процессе чтения научно-популярных текстов на темы: Московское метро и чаепитие в России. Как известно, успешность понимания текста на иностранном языке зависит как от особенностей читателя (глубины и широты его словарного запаса, его фоновых знаний, мотивации, стратегии и т.д.), так и от признаков самого текста (темы, организации текста, длины и синтаксиса предложений и др.). Двенадцати студентам среднего уровня языковой подготовки было предложено прочитать по два выбранных исследователем текста и объяснить вслух, как они представляют смысл прочитанного. Их объяснения записывались. Этот приём (“think aloud”) позволил выяснить, насколько правильно студенты понимают прочитанное не только на уровне предложений и фраз, но и отдельных слов и морфем. Как оказалось, частотность упоминания грамматических терминов в ходе чтения не имеет корреляции со степенью понимания читателями текста. Особенно подробно в статье рассматривается, как читатели разбирают два наиболее частых в русской письменной речи грамматических оборота: цепочки существительных в родительном падеже и пассивные конструкции. В последней части статьи описывается, как испытуемые употребляют слова-заполнители (т.е., что-то, какой-то, предмет какой-то), когда говорят о грамматическом строе предложения. Проведённый анализ позволил сформулировать некоторые рекомендации о том, как повысить эффективность обучения чтению в англоговорящей аудитории.


Bill VanPatten, Erin Collopy, and Anthony Qualin
Explicit Information and Processing Instruction with Nominative and Accusative Case in Russian as a Second Language: Just How Important is Explanation?

This article describes a study on the relative effects of explicit information on the processing of nominative and accusative case by L2 learners of Russian. Forty-four participants were divided into two groups: those who received explicit information prior to a treatment involving processing (structured input) and those who did not. The main assessment was trials to criterion (how many items it took before the participants began to interpret sentences correctly). Our results show no significant effects for explicit information.

Билл ВанПаттен, Эрин Коллопи, Энтонни Куэлин
Влияние подробного грамматического объяснения на процессы когнитивного усвоения уменительного и винительного падежей у изучающих русский язык как иностранный: насколько грамматическое объяснения эффективно?

В данной статье рассматриваются относительные эффекты, связанные с воздействием детального грамматического объяснения на процессы когнитивного усвоения именительного и винительного падежей у изучающих русский язык как иностранный.

Сорок четыре участника были разделены на две группы: первая группа получила детальное грамматическое объяснение перед экспериментом, заключающимся в структурированном усвоении информации, вторая группа участвовала в эксперименте без детального грамматического объяснения. Главным критерием анализа являлось количество попыток, сделанных участниками эксперимента до того момента, пока они не начинали интерпретировать данные предложения правильно. Результаты нашего эксперимента показали, что детальное грамматическое объяснение не играет существенной роли в процессе когнитивного усвоения языкового материала.


VOLUME 56, NUMBER 1 SPRING 2012

Susan Layton
Our Travelers and the English: A Russian Topos from Nikolai Karamzin to 1848

The present essay identifies the topos of our travelers and the English as a prism that illuminates the rise of a vacation mentality in imperial Russia. In the Romantic era the “turist” first arose in Russian imagination as an Englishman traveling from boredom – an assertive person of means but lacking moral fiber and a purposeful travel agenda. This stereotype stood in continuity with Karamzin’s Letters of a Russian Traveler where English Others typically serve as foils for the writing self on tour of the Continent. By the late 1830s, however, the Karamzinian boundary between “us” and the English was beginning to blur. Public images of the Russian leisure traveler abroad became more “English,” more oriented to pleasure rather than a quest for serious knowledge, most specifically political knowledge. Giving attention to Pavel Annenkov’s Letters from Abroad (1841–44) and Ivan Miatlev’s Sensations and Observations of Madame Kurdiukova dans l’étranger (1838–44), my essay shows how the vacation agenda initially deplored as “English” was transformed into a Russian cultural phenomenon. This investigation offers new insight into the march of modernity in Russian travel culture as signaled by writers’ concern with consumption (of culture, commodities, and food), their references to commercialization, organized tourist services, and speedy movement.

Сюзанна Лэйтон
Наши путешественники и англичане:  Топос русской литературы от Карамзина до 1848 года

Тема наших путешественников по сравнению с английскими освещает развитие образа заграничного отпусника в русской литературе и журналистике от Карамзина до 1848 года. В период романтизма русские писатели воображали «туриста» странствующим праздным англичанином, страдающим от сплина. Такую интерпретацию находим у Карамзина в «Письмах русского путешественника». К концу 1830 годов в русской литературе и журналистике образ русского туриста, путешествующего ради удовольствия по западной Европе, приблизился к образу английского. Дальнейшие изменения четко подмечены в «Письмах из-за границы» (1841–1844) Павла Анненкова, а также у Ивана Мятлева в комической поэме «Сенсации и замечaния госпожи Курдюковой за границею, дан л’этранже» (1840–1844). Подчеркивая мотивы модернизации путешествия, данное исследование обращаeт внимание на новую жажду осмотра достопримечательностей, безнравственный эстетствующий взгляд, провинциалку-туристку как противоположность стариннему джентельмену-путешественнику, быстрое передвижение, хождение по магазинам, и пристрастие к еде.


Ingrid Kleespies
Caught at the Border:  Travel, Nomadism, and Russian Identity in Karamzin’s Letters of a Russian Traveler and Dostoevsky’s Winter Notes on Summer Impressions

In “Caught at the Border” I look closely at the significance of the image of border crossing in Karamzin and Dostoevsky’s travel texts.  Although these texts are seventy years apart, I argue that the way in which Karamzin emphasizes the process of crossing the border from Russia to Europe in Letters of a Russian Traveler serves as a reference point for Dostoevsky in his Winter Notes on Summer Impressions.  Dostoevsky’s text reworks the Karamzinian paradigm for Russian travel to the West to such an extent that Karamzin’s depiction of successful departure from Russia and arrival in Europe is entirely dismantled.  Where Karamzin adopts the pose of a European Russian gentleman-traveler, who leaves his homeland and returns to it, Dostoevsky’s Russian traveler proves to be incapable of crossing borders at all.  I argue that Dostoevsky’s narrator is caught between the borders of Russia and Western Europe and is, essentially, a permanent traveller.  I define the narrator’s status as nomadic and argue that his difficulty in escaping the no-man’s land outside borders is a reflection of the perceived complications of Russian identity or the lack thereof.

In both texts I explore the relationship between Russian identity and the phenomena of writing and travel.  Karamzin’s late eighteenth-century text sets the paradigm for an elite nineteenth-century Russian identity that includes travel (and specifically travel to Western Europe) as both an experiential and literary phenomenon.   Dostoevsky’s text explores the ramifications of an identity in which travel has become the defining characteristic.  For Karamzin, travel is a matter of choice and a cosmopolitan endeavor that reaffirms his Europeanized Russian identity; for Dostoevsky, the perceived lack of any core Russian identity and the impossibility of accessing a Russian homeland renders travel an inescapable fate for the Russian educated elite.

Ингрид Клиспиз
Дикий восток России? Освоение Сибири во «Фрегате Палладa» И. Гончарова

Описание кругосветного путешествия Иваном Гончаровым в его произведении «Фрегат Паллада» привлекло внимание ученого мира своей живописной картиной экспансии европейской колонизацией Африки и Дальнего Востока. Однако, последняя часть книги о Сибири не привлекла к себе особого интереса ученых, так как многие годы Сибирь  считалась всего лишь пограничной зоной, не представляющей собой особого интереса для ученого мира. Именно так она воспринималась русским обществом в 1850-х годах, и в некоторой мере описание Сибири Иваном Гончаровым частично соответствеут данной парадигме.

Согласно моему мнению, образ Сибири во «Фрeгате Палладa» более многосложен и является полной противоположностью образу русской пограничной зоны. Безусловно, «Фрегат Паллада» представляет собой большой проект литературного исследования, в котором Сибирь перевоплощается в национально-бытовое пространство России и становится неотъемлемой частью уже знакомого литературного контекста. Преобладание русского самобытного литературного дискурса в последней части произведения способствует созданию концепта национального русского «дома». Таким образом, Сибирь во «Фрeгате Палладa» представляет собой не безнадежную пустыню, или границу, а русское провинциальное пространство, хорошо знакомое читателям с середины XIX века из многих литературных описаний провинции.

Воссоединение Сибири в национально-бытовое пространство во «Фрeгате Палладa» происходит несколькими путями: от наблюдения знакомых бытовых черт в ландшафте до интеграции приобретенного авторского познания о Сибири с существующей литературной традицией. Таким образом, Сибирь во «Фрeгате Палладa» становится узнаваемым русским национально-бытовым регионом, но сам процесс «узнавания» ведет читателя к «знакомой» народной дилемме, а именно, к неопределенности восприятия русской идентичности. Воссоединение сибирского быта с литературным контекстом создaет дискурс русской «бездомности», способствующий изменению мировоззренческих взглядов в  русских  элитных кругах, осознанию ими неспособности найти свое место в обществе. Картины проблематичного возвращения домой играют важную роль в последней части «Фрегата Палладa», где Сибирь уже рассматривается как пространство, расширяющее территориальные границы России.


Martha M. F. Kelly
The Art of Knowing: Music and Narrative in Two Chekhov Stories

While Chekhov has often been described as an objective recorder of reality, his stories probe what and how one can in fact know. The problem of knowledge in Chekhov encompasses the individual’s perception of the world around him and his relations with others. As regards the latter, Chekhov’s characters throughout his work often evince little capacity for knowing and understanding each other. The author figures this problem in his very mode of narration. Whether one can present the reader with knowledge of the world through narrative parallels the problem of whether one can know another person, or anything outside of oneself.

Chekhov’s background as doctor and scientist seems reflected in “objective” aspects of his narrative style (as A. P. Chudakov and others have argued); yet in his middle period in particular, the author undermines the capacity of objective narration to convey knowledge and at key moments allows subjective notes to predominate. In these moments the seemingly “objective” narrator imaginatively identifies with another character’s point of view. These “subjective” moments move beyond free indirect discourse as they underscore the act of identification in unusual ways. Music plays a notable role in several of these moments, deepening the contrast with “scientific” modes of narration and opening up possibilities of non-rational modes of knowing.

In this article the author describes this shift in Chekhov’s middle period in terms of a Gadamerian model of knowledge. Building on distinctions made by Hans Georg Gadamer in Truth and Method, the author considers knowledge in terms of engagement with cultural forms, especially musical and ritual (key cases for Gadamer). For Gadamer, taking part in tradition enables one to establish connection with others by creating a “third horizon” where past and present meet in new interpretation. In “Rothschild’s Fiddle” and “Easter Eve” characters who engage intently with traditional forms display a penchant for engaging with other characters, as well. As subjective narration here implies a removal of the divide between subject and object, Chekhov uses musical performance to imply a removal (at least imagined) of boundaries between characters.

Марта Келли
Знание как искусство: Музыка и нарратив в двух рассказах Чехова

Чехов часто описывается как верный наблюдатель объективных деталей жизни, но его рассказы нередко усложняют статус знания в его художественном мире. Проблема знания у Чехова связывается не только с тем, как индивидуальная личность познает мир вокруг себя, но и как она относится к другим. Что касается последнего, чеховские герои часто мало способны знать и понимать друг друга. Нарратив у Чехова играет показательную роль в этом контексте: степень, до которой нарратив способен передать верный образ действительности, сопоставляется со степенью, до которой человек способен познать другого человека или мир вокруг себя.

По мнению А. П. Чудакова и других, «объективная» сторона чеховской поэтики отражает его медицинский и научный опыт; однако, в среднем периоде своего творчества Чехов в определенные моменты предпочитает более субъективный подход и ставит под сомнение вероятность объективного нарратива. В такие моменты, так называемый «объективный» нарратор в силу своего воображения видит мир глазами другого героя. Больше чем несобственно-прямая речь, подобные «субъективные» моменты значительно подчеркивают акт идентификации. Музыка иргает важную роль в некоторых таких моментах: она усиливает контраст с «научным» нарративом и делает особый акцент на нерациональное знание.

В статье автор рассматривает чеховский переход к более субъективному нарративу через линзу гадамерской модели знания. В «Истине и методе» Ганз-Георг Гадамер представляет знание как акт участия в культурных формах и обращает особое внимание на музыку и ритуал. По Гадамеру, участие в традиции позволяет индивидуальной личности укреплять связи с другими на «третьем горизонте», где прошлое и настоящее пересекаются в новой интерпретации. В «Скрипке Ротшильда» и «Святою Ночью» те герои, которые усердно участвуют в традиционных формах, так и успешно участвуют в человеческих отношениях. Как и субъективный нарратив фигуративно снимает границу между субъектом и объектом знания, так и музыкальное действие у Чехова фигуративно снимает границы между личностями.


Eric Laursen
An Electrician’s Utopia: Mikhail Bulgakov’s Fateful Eggs

Bulgakov’s Fateful Eggs (1925), a mad science story, has often been interpreted as a veiled allegory for the Russian revolution.  This reading fails to account for the relevance of the novella’s two central characters: electricity and propaganda.  In this article I examine the text’s satire of Lenin’s electrification campaign and of Soviet propaganda to show that the novella can be read instead as a commentary on eugenic literature.  Fateful Eggs condenses the science of eugenics into a ray of electric light that promises new and improved human beings but that delivers only monstrous distortions of nature.

Эрик Лаурсен
Утопия электрика: «Роковые яйца» Михаила Булгакова

Через пять лет после начала Ленинской кампании по электрификации Михаил Булгаков опубликовал свою повесть Роковые яйца (1925), действие которой происходит в футуристической, ярко освещенной Москве 1928 года, где профессор Персиков открывает таинственный «красный луч».  Этот красный луч является концентрированным пучком электрического света, который способствует тому, что оплодотворенные яйца производят на свет существа, значительно крупнее и сильнее обычных, и более способных победить в борьбе за существование.  По стране прокатывается эпидемия куриного мора, убивающего кур одну за другой, и представитель Коммунистической партии Александр Рокк захватывает это изобретение с тем, чтобы вывести породу супер кур и достичь, с его помощью, «мирового переворота в животноводстве».  Однако, луч порождает злобных агрессивных животных, готовых разорвать в клочья своих слабых сородичей, и когда Рокк направляет его, по ошибке, на неправильные яйца, из них вылупляются огромные крокодилы, ящерицы, змеи и страусы, которые затем уничтожают все на своем пути в российской глубинке, – катастрофа, далеко превосходящая ту, которую он надеялся  победить с помощью науки.

Данная статья исследует точки переплетения электричества и пропаганды в повести Роковые яйца. Открытие cоветским ученым трансформирующего луча электрического света становится, в Булгаковской научно-фантастической повести, высмеивающей не только Кремлевских мечтателей, но и мечтателей в cоветских издательствах, – метафорой раннего cоветского проекта электрификации.  Вместо того, чтобы трансформировать cоветского гражданина в «Нового человека», как утверждает повесть Роковые яйца, усилиями раннего çоветского просвещения будут созданы только монстры, извращения натуры.  В своей сатирической антиутопии Булгаков атакует наивных мечтателей ранней çоветской культуры, веривших, что они, своими произведениями, способны создать утопию.


Polina Rikoun
Confronting the ‘Elder Brother’: Ukrainian-Russian Relations in Oleksandr Ilchenko’s Novel Kozats'komu rodu nema perevodu

The novel under study, Kozats'komu rodu nema perevodu [The Cossack Never Dies] by a Soviet Ukrainian author Oleksandr Ilchenko, receives little attention from western critics, who tend to dismiss it as a run-of-the-mill paean to the Russian “elder brother.”  My study disputes this view by reading the novel closely and placing it in cultural and political context of post-Stalin Ukraine.  In-depth textual analysis reveals Ilchenko’s brilliantly disguised satirical attack on the foundations of Soviet nationality policy—the doctrines of Russian superiority and friendship of the peoples.  Irony is one of Ilchenko’s main subversive strategies, and a key structural principle of his multilayered narrative.  To make his novel appear ideologically correct, Ilchenko alludes to the Soviet hierarchy of nationalities in conspicuous ways, but then turns this hierarchy on its head with unexpected, ironic twists of his plot.

Censorship was misled by Ilchenko’s ruse, allowing multiple editions of the novel.  In contrast, ordinary readers were often aware of the novel’s incendiary subtext, as their letters to Ilchenko testify.  The novel influenced the reading public at a crucial, uncertain point in the formation of Ukrainian identity.  Published at the end of the thaw, when a new crackdown on national expression was heralded by the press, Kozats'komu rodu inspired readers to continue asserting their pride in being Ukrainian.  Many ideas encoded in the novel also anticipate samvydav protests of the 60s and 70s.  Possible links between Ilchenko and later dissent, as well as broader implications of Ilchenko’s work for theories of subversion and anti-colonial resistance are two of many important issues begging to be examined.  Any single study can explore this novel’s cultural significance and literary sophistication only in part; if this article prompts other scholars to join the enterprise, it will have reached its most important aim.

Поліна Рікун
Конфронтація зі «старшим братом»: українсько-російські відносини в романі Олександра Ільченка Козацькому роду нема переводу

Роман Олександра Ільченка Козацькому роду нема переводу [1958] майже не привертає до себе уваги літературознавців за межами України.  Iснуючі розвідки здебільшого трактують його як шабльоновий наратив «єднання» з російським «старшим братом», повсюдний в українській совєтській прозі 1950-х років.  Заперечуючи це хибне тлумачення, дана розвідка висвітлює сатиричне спрямування твору проти мітів російської зверхности та «дружби народів», тобто проти ідеологічних підстав совєтської національної політики.

Головні художньо-опозиційні засоби автора—іронічність та багатозначність наративу.  Ільченко вводить елементи доктрини в свій твір в промовах персонажів, їхніх листах та віршах, в той самий час глузливо збиваючи ці риторичні конструкти контекстом, ситуаціями та подіями роману.  Іронічна суперечність риторики і контексту посилюється з розгортанням сюжету, досягаючи кульмінації в останній, «Московській», пісні роману, де усупереч сподіванням українських персонажів, московити виявляють себе безпорадними та інфатильними, перевертаючи образ російського «старшого брата» гориніж.  Проте роман Ільченка набагато глибший за простолінійне заперечення доктрини.  Історія українсько-російських відносин зображена складною та багатозначною, єднаючи взаємодопомогу та розбрат, спорідненість по духу та непорозуміння.  Відкидаючи догматизм як такий, автор надає слово розбіжним історіографічним парадигмам (козацькі літописи, Грушевський, Покровський); це багатоголосся виявляє умовну, спірну сутність будь-якої ідеології.

Полемізуючи з офіційною трактовкою українсько-російських відносин набагато сміливіше, ніж найвідвертіші публікації «відлиги», Ільченків твір мав неабиякий вплив на українських читачів.  Численні листи до автора свідчать, що роман Козацькому роду нема переводу підбуджував ствердження гідності та самодостатності української культури, сприяючи формуванню української національної самосвідомості.


Andrew Wachtel
Orhan Pamuk’s Snow as Russian Novel

This article examines the twenty-first-century Turkish novel’s intertextual dialogue with classic Russian literature.  Most importantly, it demonstrates that Pamuk’s novel is built on a fusion of the nineteenth-century terrorist novel (as exemplified by Fedor Dostoevsky’s The Devils) and the twentieth-century modernist novel of poetic creation (as exemplified by Boris Pasternak’s Doktor Zhivago), linking the two through the central theme of betrayal, for betrayal is the linchpin of the terrorist novel (as it is the stock-in-trade of all clandestine political groups), while it is simultaneously seen as a necessary sacrifice for the creation of great poetic texts. 

Эндрю Вахтель
Снег Орхана Памука как русский роман

Роман Турецкого Нобелeвского лауреата Орхана Памука Снег является сложным текстом, который рисует широкую канву современного турецкого общества.  Данная работа анализирует подтексты в этом романе, взятые из классической русской литературы; самыми важными из них являются роман Ф.М. Достоевского Бесы и роман Б.Л. Пастернака Доктор Живаго.  В отличии от тенденции в современной русской литературе употребить классику исключительно иронически или сатирически, Памук создает роман, который можно считать прямым наследником русского классического романа, что ведет к вопросу, может ли роман, написанный на турецком языке, быть более «русским», чем романы написанные на русском, и если это так, как мы должны понимать идею национальной литературы в наши дни.